La cartelera de Twister

Camino

2009-01-23T08:51:00.005+01:00

Dirección: Javier Fesser. País: España. Año: 2008. Género: drama. Guión: Javier Fesser. Producción: Luis Manso y Jaume Roures. Música: Rafa Arnau y Mario Gosalvez. Fotografía: Alex Catalán. Montaje: Javier Fesser. Vestuario: Tatiana Hernández. Estreno en España: 17-10-2008. Reparto: Nerea Camacho (Camino), Carmen Elías, Mariano Venancio, Manuela Vellés.

Cómo empezar a hacer una crítica cuando la cabeza está en mil sitios y necesitas que ésta se ocupe en cualquier cosa menos en lo que te causa infelicidad. El sábado me decanté por esta película muy crítica con la política del Opus Dei y sus extrañas formas de sumisión y "lavado". Me pareció muy interesante y reveladora, yo os animaría a verla si aguantáis los dramones largos, extralargos. Agradecer desde aqui y a voz en grito a Ford, Serra, Curro, David, Carlos, Galko, Mikel, Juanjo, Kastro, Jordi, Helena, Fer, Jose Rock, Alfa y a todo aquel que se me olvide por su apoyo en mis horas bajas, no os preocupéis veo la luz cada día con más claridad, la vida es demasiado corta para llorar por un sentimiento.

Camino es una extraordinaria niña que se enfrenta a nuevas sensaciones para ella desconocidas, el amor y una terrible enfermedad. Al amparo de una familia atrapada en las redes del Opus Dei no entiende lo que ve a su alrededor por las puertas que le cierra sus creencias y las limitaciones de la inexperiencia por su corta edad.

Enfrentarse a ésta película desde una creencia religiosa ha de ser duro si logras entenderla porque la crítica es evidente, el cerco ideológico y social que impone una organización como el Opus a todas las personas implicadas es demasiado evidente como para causar indiferencia. La segregación de sexos, la manipulación del infante, la dedicación que exige, todo apunta a una secta.

Respecto a la película recalcar la magnífica actuación de Nerea Camacho que aporta una frescura y da muestras de tal soltura que embellece el resultado final. El director, Javier Fesser, aporta una cámara y un montaje fino, con un guión aparentemente simple pero que va revelándose con sutileza y amabilidad, para que el espectador vaya construyendo su historia en la cabeza y saque sus propias conclusiones.

Nos muestran una verdad descarada, los deseos de una niña enfrentados a los deseos de los adultos, los cuales éstos manipulan para ver sólo lo que ellos quieren, la niña no importa , es la voluntad de Dios. Entre tanto rezo uno se siente agobiado por lo que ve, ¿cómo es capaz alguien de vivir asi? ¿son felices?

Valoración de Twister: 8,0
Valoración de Filmaffinity: 7,4

Cure

2008-11-27T09:01:00.007+01:00

Título original: Cure. Año: 1997. Duración: 111 min. País: Japón. Director: Kiyoshi Kurosawa. Guión: Kiyoshi Kurosawa. Música: Gary Ashiya. Fotografía: Tokusho Kikumura. Reparto: Kôji Yakusho, Masato Hagiwara, Tsuyoshi Ujiki, Anna Nakagawa, Yoriko Douguchi, Yukijiro Hotaru, Denden, Ren Osugi, Masahiro Toda, Misayo Haruki, Shun Nakayama, Akira Otaka. Productora:
Code Red / Daiei Studios

En estas tardes frías de invierno que nos toca aguantar el cine es un bálsamo para disfrutar bajo la manta de la abuela estirado en el sofá, soy más de cine en invierno porque los días no dan para mucho y la noche nos envuelve a la hora del té. Tengo cintas pendientes de criticar que pueden caer en el olvido tras estos meses de abandono pero este psico-thriller merece una reseña porque me ha impactado, no tanto por su calidad como por la inquietud que genera en el espectador.

Unos misteriosos asesinatos intrigan a Takabe, el policía encargado de resolverlos, pues en apariencia no guardan relación entre ellos salvo porque todos los asesinos se declaran culpables y todas las víctimas son encontradas con una "X" en el pecho. Takabe sospecha que algo está induciendo a matar.

Kiyoshi Kurosawa plantea un thriller en apariencia minimalista pero que crece a medida que avanza el metraje, nos intruduce en la trama de manera excesivamente pausada, nos presenta a los personajes casi por casualidad, perdiéndonos, y construye un personaje principal exasperante que es el culpable de la belleza del film.

Es una película triste y fría tanto por la ausencia de música como por la sobriedad de los escenarios y esos colores apagados de fondo. Toda esta frialdad recala en el espectador que en los créditos todavía seguirá encogido. Sugieren escenas más que narrarlas y los personajes van arrastrándose sobre la trama como unos extraños, al menos Takabe, nuestro policía, andará tan perdido como nosotros.

Una cámara incómoda y ruidos ambientales puntuales consiguen las dosis justas de tensión, en algunos tramos bastante elevada, para que sigamos pendientes del desenlace a pesar de que éste no llega nunca, final abierto, y de su ritmo excesivamente pausado. Masato Hagiwara, nuestro loco psico-killer, es el culpable de que esta cinta supere el pasable y agarre el notable porque debe de ser extremadamente difícil conseguir un personaje tan repulsivo.

"Dime algo sobre ti - ¿el qué? - Dime algo sobre ti"

Una cinta que, sin duda, requiere más de un visionado para captar todos sus detalles pero que tras el primero nos damos perfecta cuenta de que no hemos perdido el tiempo. Tendremos que seguir de cerca la filmografía de este director, ¿no creéis?

Valoración de Twister: 6,8
Valoración de Filmaffinity: 6,4

Crows Zero

2008-11-25T09:58:00.007+01:00

Título original: Kurôzu zero - Crows Zero (Crows 0) / Crows: Episode 0. Año: 2007. Duración: 129 min. País: Japón. Director: Takashi Miike. Guión: Cómic: Hiroshi Takahashi. Música: Naoki Otsubo. Fotografía: Takumi Furuya. Reparto: Shunsuke Daitô, Shun Oguri, Suzunosuke, Sousuke Takaoka, Kyôsuke Yabe, Takayuki Yamada. Productora: Tristone Entertainment Inc.

Ya en la brecha no puede faltar un pequeño aporte de cine asíatico, esta vez de la mano de Takashi Miike, controvertido director, ¿verdad? En este caso nos sorprende con una película juvenil plagada de violencia, al más puro estilo comic. Película palomitera para disfrutar, a ser posible, en compañía de amigos para engordar todavía más las violentas imágenes.

Genji, hijo de un clan mafioso Yakuza, quiere demostrar a su padre que es digno sucesor de los negocios de la familia, para ello planea dominar el instituto Suzuran, algo que nadie ha conseguido, ni siquiera su propio padre. Genji tardará poco en darse cuenta de que para lograr su objetivo necesitará ayuda al no ser el único que persigue esa meta.

La brillantez de esta película está en dotar de un ambiente de comic sin sobrecargar al espectador, los personajes parecen estar dibujados dentro de la cámara, los movimientos y los gestos parecen garabateados. La trama es tan simple que no nos distrae de las innumerables escenas de acción que nos cargan de testosterona. Refleja los sueños adolescentes de ser los amos del barrio a base de puñetazos bien dados.

La música rockera es el aliño perfecto para este film que mezcla desde la mafia, la ambición, la amistad, el orgullo, la venganza... El ambiente graffitero, pandillero y sobrio dan el punto para introducirnos en el film y mover nosotros los hilos como si estuvieramos a los mandos del joystick de una consola. Mikel, te va a encantar.

Os animo a verla en una tarde de apatía para que recarguéis baterias y os enchuféis a la salsa de la vida que es el cine.

Valoración de Twister: 7,6
Valoración de Filmaffinity: 6,4

Los crímenes de Oxford

2008-11-25T09:10:00.006+01:00

Título original: Los crímenes de Oxford. Año: 2008. Duración: 110 min. País: España. Director: Alex de la Iglesia. Guión: Álex de la Iglesia, Jorge Guerricaechevarria (Novela: Guillermo Martínez). Música: Roque Baños. Fotografía: Kiko de la Rica. Reparto: Elijah Wood, John Hurt, Leonor Watling, Julie Cox, Burn Gorman, Anna Massey, Jim Carter. Productora: Coproducción España-GB-Francia; Tornasol Films / Estudios Picasso / Oxford Crimes / La Fabrique de Films.

¿Qué excusa puedo poner para justificar cuatro meses de abandono? Sinceramente, ninguna. Apatía, hartazgo, pero ya estoy de nuevo aqui, no me lo tengan muy en cuenta. Vuelvo con esta película que he visto bajo el frío otoñal de Segovia, al abrigo de la chimenea y regándome el gaznate con un tintorro. Alex de la Iglesia ha conseguido engancharme de nuevo al blog con una convincente película.

Un estudiante americano (Elijah Wood) llega a Oxford con la idea de conseguir que un reputado profesor de lógica (John Hurt) sea el director de su tesis. Ambos se verán envueltos en la resolución de una serie de asesinatos que rozan demasiado la vida personal del misterioso profesor.

Al principio nos tememos lo peor al creernos ante una película de sobremesa, pero el inestimable John Hurt nos engancha con un monólogo soberbio, ya en el primer asesinato estamos tan inmersos en la trama que degustamos ávidos el resto del film. Alex ha intendado dar un toque de maestría a la cámara con planos verdaderamente fantásticos que ayudan sobremanera a sobrecoger a un espectador fascinado por la música y los personajes, tan extravagantes como dispares.

Cierto es que la trama es a ratos demasiado difusa e incomprensible y se resuelve gracias a tres genialidades pero al menos mantiene al espectador haciendo cábalas sobre la resolución del misterio, cosa loable en el cine de hoy en día en el que uno predice el final cuando ve la carátula de la película.

Destaco por encima de todo a los personajes, en particular me fascinó el compañero de despacho de Elijah, Burn Gorman, que interpreta al prototipo de científico, frustrado, soberbio y divertido. Pero no menos fascinantes son las actuaciones de Julie Cox, hija de la casera de Elijah, y la guapísima Leonor Watling, amiga del profesor y de Elijah.

El cine español necisitaba, sin duda, un thriller de este calibre, no de matrícula, pero si bastante resultón que puede cerrar innumerables bocas que claman que el cine español no está a la altura del entretenimiento que ofrece Hollywood. Si, entretenimiento, que no buen cine.

"Matemática brillante y fría. (...) Esta inteligente película me intriga, pero no me enamora. Nunca intuiría que su autor es Álex de la Iglesia. Lo cual es bueno y es malo." (Carlos Boyero: Diario El País)

Valoración de Twister: 6,5
Valoración de Filmaffinity: 5,7

Dedico este post a los foreros y blogueros de LCD y a los blogueros granadinos, ellos saben quienes son y el por qué de esta dedicatoria.

La niebla de Stephen King

2008-07-01T08:55:00.005+02:00

Dirección: Frank Darabont. País: USA. Año: 2007. Duración: 127 min. Género: Thriller sobrenatural, terror. Interpretación: Thomas Jane (David Drayton), Marcia Gay Harden (Sra. Carmody), Laurie Holden (Amanda), Andre Braugher (Norton), Toby Jones (Ollie), Bill Sadler (Jim), Jeffrey DeMunn Dan Miller), Frances Sternhagen (Irene), Alexa Davalos (Sally), Nathan Gamble (Billy Drayton).Guión: Frank Darabont; basado en el relato de Stephen King. Producción: Frank Darabont y Liz Glotzer. Música: Mark Isham. Fotografía: Rohn Schmidt. Montaje: Hunter M. Via. Diseño de producción: Gregory Melton. Vestuario: Giovanna Ottobre-Melton.

Una buena manera de pasar una tarde aburrida golpeada por el sol infernal del cielo de Madrid es recrearse con un buena película, en este caso La niebla, recomendada por el gran bloguero Jesus Lens. Toda una revelación para el principio del verano, un buen estreno.

Los habitantes de Maine se despiertan con la resaca de un tormenta que ha arrasado su pueblo, tras la tormenta una espesa niebla cubre el pueblo atrapando a la gente en el supermercado (centro de la trama), en sus hogares... "hay algo en la niebla" ...

Aparentemente pudiera ser otra película más de "bichos", pero según va avanzando la trama se convierte en una película más psicológica que de acción. ¿Cómo reacciona la mente humana ante el terror? Esta pregunta es la base de la trama, sin olvidarnos de la dichosa niebla que da un matiz sombrío a la película. Ante las adversidades, en vez de buscar soluciones a los problemas siempre hay gente que cree que con sus rezos y su dios todopoderoso salvará a la humanidad a base de inculcar el miedo, más todavía, a todos aquellos que se crean sus palabras, ¡pobre del que piense por si mismo!

La simbiosis entre la parte de terror y psicológica funciona a la perfección durante buena parte del metraje, llegando a cargar al espectador de tanto misticismo, sin embargo el buen hacer de Frank Darabont nos devuelve la atención, en el momento justo, retomando a ratos las formas del terror casposo y palomitero que nos resulta tan divertido.

La amalgama de personajes confiere color a una película tan gris, personajes estereotipados pero resultones y divertidos, el abogado estirado, la anciana revolucionaria, el empleado servil, el encargado flojeras, el motero, el vaquero, el militar... Todos estos estereotipos le sirven al director para criticar desde la religión hasta las actuaciones militares basándose en una trama que a mitad de película empieza a flojear porque nuestra atención va dando saltos entre las muchas situaciones que se nos están planteando.

Impresionante actuación de Marcia Gay Harden (Sra. Carmody), que con su locura aporta el punto fuerte de la película, el poder de la religión se extiende cuando el miedo aflora y lo desconocido nos rodea.

El final de esta película es posiblemente uno de los mejores que he visto en los últimos tiempos, la guinda para una película necesaria de ver y que no puede dejar indiferente a nadie por su ritmo frenético y por su soberbio reparto y por su guión y por su crítica y por su ambientación y por... ¡Véanla!

Valoración de Twister: 7.5
Valoración de Filmaffinity: 6.6

Monster's ball

2008-06-16T09:26:00.004+02:00

Dirección: Marc Forster. País: USA. Año: 2002. Duración: 111 min. bInterpretación: Billy Bob Thornton (Hank Grotowski), Halle Berry (Leticia Musgrove), Peter Boyle (Buck Grotowski), Heath Ledger (Sonny Grotowski), Sean 'Puffy' Combs (Lawrence Musgrove), Mos Def (Ryrus Cooper), Coronji Calhoun (Tyrell Musgrove). Guión: Milo Addica y Will Rokos. Producción: Lee Daniels. Coproducción: Milo Addica, Will Rokos y Eric Kopeloff.Fotografía: Roberto Schaefer. Montaje: Matt Chesse. Diseño de producción: Monroe Kelly. Dirección artística y decorados: Leonard R. Spears. Vestuario: Frank I. Fleming.

Tarde de sábado, después del partido de España contra Suecia, ¡y con lo que a mi me aburre el futbol! Con unas cervezas fresquitas y con ganas de buen cine nos preparamos para ver este monumental bodrio, tan alabado, tan premiado, tan de renombre, pero que nos pareció la peor película que hemos visto en los dos últimos años, sin duda ninguna.

Hank es un funcionario de prisiones, racista y gruñón, que trata a su hijo tan mal como a los demás, su visión de la vida cambiará al conocer a Leticia, una mujer negra que acaba de perder a su marido en la silla eléctrica.

Se ha alabado en exceso el retrato del racismo en esta película, pero yo creo que es un retrato tan dispuesto a gustar que se queda escaso, escasísimo. Intentan narrar la historia desde el lado humano, olvidándose de que el racismo es un tema irracional que afecta a seres racionales. A mi gusto se acerca peligrosamente a tediosa seire B de sobremesa que a película de mérito alguno. Destaca por imbuir al espectador un soberano aburrimiento que a la hora de metraje te ves forzado a levantarte, a pasearte y a maldecir por la desastrosa idea que has tenido de ver este cúmulo de estiercol.

Si al principio de la película cogemos un papel y apuntamos el número de tópicos que nos encontraremos en la trama, posiblemente tendríamos que coger otro segundo papel porque nos quedaríamos sin espacio. No todo es malo, tenemos una fotografía bastante correcta y un par de actuaciones decentes, sobre todo por parte de Billy Bob Thornton; Halle Berry se llevó un Oscar por esta interpretación tan cargada de dramatismo, pero que llega a cargar al espectador, yo considero forzados todos sus actos y más aún considero que la película está hecha a medida de los actores y no al revés que es donde se ve el buen hacer... De todo tenemos oiga, drama, algo de sexo, pero poco, que se vean los senos de la guapa actriz, niños que quieren dar pena, cambios de pareceres de un minuto a otro, maltrato psicológico, drama familiar y social, intransigencia....

La crítica en este caso no puede ser objetiva, algo que intento hacer en mis reseñas, pero en este caso se merece que la destroze por haberme aburrido igual que si estuviera mirando por la ventana de mi casa viendo lo que hacen los vecinos. Salvando las actuaciones el resto no merece ni hablar de ello, pero oigan esta película ha gustado y mucho por ahí, miren en la red...

Valoración de Twister: 3.0
Valoración de Filmaffinity: 6.9

La marca de Caín

2008-05-29T22:43:00.009+02:00

Título original: Mark of Cain. Año: 2007. Duración: 87 min. País: Inglaterra. Director:
Marc Munden. Guión: Tony Marchant. Música: Ben Bartlett. Fotografía: Matt Gray. Reparto: Gerard Kearns, Matthew McNulty, Leo Gregory, Shaun Dooley, Shaun Dingwall, Naomi Bentley, Alistair Petrie, Brendan Coyle, Heather Craney. Productora: Red Production Company / Channel 4 Television Corporation.

Una película que intenta denunciar las barbaries que ocurren en una guerra, barbaries que algunos llaman ilegales, algo que considero hipócrita, pués al prisionero hay que tratarle con respeto, pero si se escapa una bala y mata a un civil, del réspeto a este último no se acuerda nadie. Con la idea de asistir a un film entretenido uno empieza animoso a ver la película, para ir poco a poco dándose cuenta de que se la están metiendo con queso, la denuncia existe, pero ¿era necesario hacerlo de esta manera? Demasiadas similitudes con Redacted, sólo que ahora en vez de americanos bravucones tenemos a ingleses melindrosos.

Todos recordamos aquellas imágenes que se difundieron mundialmente sobre el maltrato a prisioneros iraquíes a manos de soldados ingleses, esta película refleja aquella realidad, teniendo como protagonistas a dos jóvenes soldados, Gulliver y Tate. En una expedición rutinaria el pelotón de nuestros protagonistas cae en una emboscada y su capitán resulta muerto, los mandos ordenan la detección, casi aleatoria, de posibles culpables. El pelotón que sufrió la emboscada se toma la justicia por su mano, dejando a uno de los prisioneros en coma.

Unos primeros minutos de película prometedores nos intentan inyectar interés por la película que tras veinte minutos parece que ya llevamos un par de horas tragándonos el más infecto de los panfletos. Casi clonadas algunas escenas con otras grandes películas, donde los militares dan muestra de su testosterona, al más pulo estilo del cine americano, coñe ¿para ser militar en el cine hay que ser estúpido perdido?

Mal llevada la propaganda política, siempre tomando al iraquí como terrorista o como una persona necesitada de compasión, cuando, a mi modo de ver, lo único que hacen es defender su país de unos invasores occidentales, mucho más preparados económica y militarmente.

"El segundo acto" de la cinta transforma en una terrible cuesta arriba para dejarnos un final algo sorprendente pero no menos esperado, pero no tenemos que dejar de valorar el carácter crítico con una realidad que dío que hablar.

A mi gusto tiene demasiadas coincidencias con Redacted, excepto los personajes, y demasiado cerca en el tiempo ambas. Cuando se noten con fuerzas veánla, aunque también pueden dedicarse a mejores formas de entretenimiento.

Valoración de Twister: 4.9
Valoración de Filmaffinity: 5.7

Muerte de un ciclista

2008-05-27T08:55:00.019+02:00

Título original: Muerte de un ciclista. Año: 1955. Duración: 90. País: España. Director: Juan Antonio Bardem. Guión: Juan Antonio Bardem. Música: Isidro B. Maiztegui. Fotografía: Alfredo Fraile (B&W). Reparto: Lucía Bosé, Alberto Closas, Bruna Corrà, Carlos Casaravilla, Otello Toso, Alicia Romay. Productora: Coproducción España-Italia; Guión Films / Trionfalcine.

Hace tiempo Alfa, un amable lector de mis blogs, granaino y buena gente, me animaba a ver películas españolas de las décadas de los 50 y 60, siguiendo su consejo he conseguido algunas cintas tales como ésta, Muerte de un ciclista, y otras como Calle Mayor, Calabuch, El verdugo... y algunas más de huidizo título a mi memoria. Alfa este post te lo dedico por tus buenas recomendaciones...

(Iba a poneros el video como siempre, pero al ser tan antigua sólo he encontrado videos con spoiler, os pongo uno: http://www.youtube.com/watch?v=D6gJcOcZRc8)

Una joven acomodada y su amante, profesor de universidad atropellan accidentalmente a un ciclista, para evitar que se conozca su secreto deciden esconder el trágico accidente, cargando consigo la culpa, pero salvando su posición en una sociedad vigilante e intrusiva como la burguesía franquista.

Películas como estas, clasificada como altamente peligrosa por la censura franquista, que obtuvo el Premio de la crítica en el festival de Cannes, recuerdan la terrible hipocresía de la dictadura, igual que el retrato de la burguesía que hace la película. La censura siempre me ha parecido algo inútil por la sencilla razón de que no se puede frenar una corriente de pensamiento escondiendo las obras finales de las personas, bueno, si se puede, pero la corriente sigue su curso.

Juan Antonio Bardem rueda una película soberbia, buen exponente del cine negro, que en boca de muchos sigue siendo una de las grandes del cine español de todos los tiempos. Se nota un buen director cuando nos obsequian con un trabajo de cámara excelente, con unos primeros planos tan buenos que algunas miradas dicen más sobre la trama que los interesantes diálogos. La crítica a la sociedad franquista es dura, más por el comportamiento de la gente, y sus conversaciones, y los contrastes entre escenarios que por una visión global del problema que vivían, algunos, que otros estaban la mar de bien.

Es difícil intentar destacar algún aspecto dentro de la genialidad que desborda toda la película, pero podríamos quedarnos con las actuaciones, tan impresionantes que algunas expresiones nos acompañaran a la cama para inundar nuestros sueños, una escena al compás de música flamenca la marcan las miradas, y la tensión la crean unos silencios que dicen mucho y un genial Carlos Casaravilla, bárbaro en toda la película.

Abusan demasiado de tiempos excesivamente lentos y de cortes que juegan al despiste para ponernos en otro escenario totalmente distinto, aunque es posible que esto genere algo más de tensión y fomente la atención del espectador. Lucía Bosé y Alberto Closas son el eje de la película, sus devaneos amorosos, y su impotencia para luchar contra el clasismo opresor, contra la comodidad...¡Qué miedo tenemos al cambio! Antes era todavía peor, imagínense una sociedad donde sus gobernantes prohibían que uno se saliese del carrilito que ellos te marcaban, imagínese intentar cambiar...

El cine y el público recibieron un gran regalo con esta película, que no puede faltar en ninguna colección. No duden en verla, es buenísima.

"Obra maestra, aún hoy una de las obras capitales del cine españo, una película comprometida y combativa, que arremete contra la burguesía de la época y ofrece un desolador retrato de la España franquista"
(Miguel Ángel Palomo: Diario El País)

Valoración de Twister: 8.9
Valoración de Filmaffinity: 8.0

Sospechosos habituales

2008-05-22T08:56:00.013+02:00

Título original: The Usual Suspects. Año: 1995. Duración: 105. País: Estados Unidos. Director:
Bryan Singer. Guión: Christopher McQuarrie. Música: John Ottman. Fotografía: Newton Thomas Sigel. Reparto: Kevin Spacey, Chazz Palminteri, Benicio del Toro, Gabriel Byrne, Stephen Baldwin, Pete Postlethwaite, Giancarlo Esposito, Dan Hedaya, Suzy Amis, Kevin Pollak. Productora: Polygram Film Entertainment / Spelling Films International.

Hacía tiempo que la cartelera se merecía una crítica como esta, una señora película, una de mis preferidas, no tanto por su alcurnia actoril como por su argumento demoledor. El único fallo achacable a esta obra es que es muy corta y nos deja un agrio sabor de boca por ello. Me arriesgaré a decir que a aquel que no le guste esta película no le gusta el cine.

El agente Kujan está ante un caso complicado, una masacre en un barco varado en el puerto de Los Angeles, todo apunta a una serie de conocidos delincuentes como principales sospechosos, uno de ellos, Roger "Verbal" King será interrogado con objeto de poder aclarar las cosas, pero la historia se va complicando enormemente y el agente Kujan se desespera.

Estas narrativas en restrospectiva son muy complicadas de rodar porque el espectador tiende a perderse en la maraña del tiempo, sin embargo en esta ocasión consiguen crear una confusión muy atrayente que anima a esforzarse por saber que está pasando y asi prepararnos, con un final bárbaro, para nuestro batacazo intelectual en los créditos.

El reparto es para echarse a temblar, Kevin Spacey (American Beauty, L.A. confidencial, Seven, Ciudad sin ley, Medianoche en el jardin del bien y del mal,... -que consiguió el Oscar al mejor actor secundario por esta interpretación), Chazz Palminteri (Balas sobre Broadway La prueba del crimen, Memorias de Queens...), Benicio del Toro (Traffic, Snatch: cerdos y diamantes, 21 gramos, Sin City...), Grabiel Byrne (Stigmata, Muerte entre las flores, Enemigo público, Asalto al distrito 13...) y muchos más buenos actores, desde principales hasta secundarios, echándose en falta algún personaje femenino. Es sobre los hombros de Kevin sobre los cuales recae el peso de la narrativa, pues es su relato el dará pie al desarrollo de la historia y unirá todos los cabos que podamos tener, pero tan despacito y tan descolocados los cabos que hasta el final no sabemos que figura están construyendo.

Para dar fuerza a la narración y desquiciar al agente Kujan y al espectador introducen la figura de un criminal tan peligroso para la policía como el demonio para los creyentes, Keyser Soze, las implicaciones de este intrigante y demoledor criminal con la historia y con los personajes es algo que tendreís que descubrir cuando la veaís (aquí su historia, no he querido poner el video porque contiene un tremendo spoiler: video)

Bryan Singer consigue trenzar una red magistral y hacerlo con inteligencia, a parte de un manejo sutil de la cámara y de saber conducir al elenco actoril con mano maestra introduce elementos, detalles que tocan la psicología del espectador, pequeños, mínimos pero colosales. No hay que perder de vista a este señor, productor de la archiconocida serie House, director de X-men y X-men 2 porque seguro que nos proporcionará más horas de buena diversión.

Los personajes están finamente caracterizados, tras tres frases los podemos encasillar y familiarizarnos con ellos, haciéndolos más cercanos, y la sutileza de saber que los hilos del espectáculo los mueve el misterioso Keyser les intriga a ellos tanto o más que a nosotros. Es esa complicidad entre los protagonistas y el espectador la que hace de una buena película una auténtica obra maestra, como es esta película.

Algunas perlas que nos deja esta película, en forma de buenas frases:

"El mejor truco que el diablo inventó fue convencer al mundo de que no existía" (- una buena adaptación de la frase de Baudelaire, que lleva a otra frase que os dejo en el aire: "Dios es el único ser que para reinar no tuvo ni siquiera la necesidad de existir"-)

"Prefiero no verlos más a tratar de vivir después de lo que les hicieron"

"Keaton siempre decía: "No creo en Dios, pero le temo". Pues bien, yo creo en Dios, pero le temo a Keyser Soze "

Valoración de Twister: 9.4
Valoración de Filmaffinity: 8.2

Código 46

2008-05-19T13:25:00.006+02:00

Dirección: Michael Winterbottom. País: Reino Unido. Año: 2003. Duración: 92 min. Género: Thriller, ciencia-ficción. Interpretación: Tim Robbins (William), Samantha Morton (María), Om Puri (Backland), Jeanne Balibar (Sylvie), Emil Marwa (Mohan), Nina Fog (Wole), Bruno Lastra (Bikku), Christopher Simpson (Paul), David Fahm (Damian Alekan), Nina Sosanya (Anya). Guión: Frank Cottrell Boyce. Producción: Andrew Eaton. Música: The Free Association. Fotografía: Alwin H. Kuchler y Marcel Zyskind.Montaje: Peter Christelis.Diseño de producción: Mark Tildesley. Dirección artística: Mark Digby y Denis Schnegg. Vestuario: Natalie Ward.

Este fin de semana he vuelto a escaparme a Segovia, y ahora con mi juguetito nuevo puedo ver películas allí, el tiempo incitaba a ello, no hemos visto el sol nada más que un par de horas en tres días, pues con una cervecita, unos canapeses y algo de voluntad me decidí a ver esta película, que alguien me recomendó (pudiera ser Jordi o Juanjo, ya pierdo neuronas). La elección no fue mal del todo, es original y dinámica, pero algo sensiblera.

William (Tim Robins) es enviado a Shangai a investigar un caso de estafa. En este mundo moderno en el que viven el gobierno lo controla todo, y viajar sin autorización se considera delito. En ese viaje William conocerá a María (Samantha Morton), y se enamorará de ella, pero su amor sólo puede durar 24 horas, el tiempo que tiene William para su estancia, más de ese tiempo se considerará una infracción.

Está catalogada como ciencia ficción, pero huelga decir que se queda en la superficie de la ciencia ficción al ser más fachada que argumentación, salvando la coherente actuación de Tim Robins. Cierto es que algunos de sus elementos argumentales están muy conseguidos y aumentan el interés del espectador, sin embargo todo se va diluyendo en una historia demasiado sentimental que nos induce a desear un final cercanísimo.

Intentar centrar la atención en lo que estamos viendo es lo más complicado de esta cinta que induce a divagar en las implicaciones de la fachada política y restrictiva de la sociedad que nos quieren enseñar. Dan demasiada importancia a la filosofía, o mejor a la ciencia onírica, que a la parte social o de investigación que todos esperamos ver cuando nos leemos la psinopsis.

Se deja ver, y una historia que podría ser nuestro futuro, donde nuestro DNI es nuestro ADN, y este es infalsificable, el control total del gobierno se centra en los genes. Veánla y comentamos.

Valoración de Twister: 6.3
Valoración de Filmaffinity: 6.1

Police Tactical Unit

2008-05-08T09:06:00.003+02:00

Título original: PTU (Police Tactical Unit). Año: 2003. Duración: 87 min. País: Hong Kong. Director: Johnnie To (AKA Johnny To). Guión: Kin Yee Au, Yau Nai-Hoi. Música: Chi Wing Chung. Fotografía: Cheng Siu-keung. Reparto: Simon Yam, Suet Lam, Ruby Wong, Maggie Siu, Eddy Ko, Jerome Fung. Productora: Milky Way Image Co.

Antes de comenzar esta crítica me veo obligado a pedir disculpas por haberme demorado tantísimo en actualizar esta cartelera, pero el 2007 me supuso un empacho de cine, con casi 150 películas vistas, necesitaba un descanso cineastil. Pero ya estoy de nuevo motivado, gracias a todos. Ayer, un día gris y caluroso tenía claro que era urgente ver una película y dado que las pendientes para ver que tengo no son muchas, debido a un problema en el ordenador que exige formatear y no me apetece, estuve dudando entre Código 46 y ésta, ambas dos de corta duración, me decidí por esta por el título llamativo que auguraba disparos y persecuciones, prometedor augurio que se quedó en un buen intento de hacer buen cine para conseguir una película del montón, o ni eso.

El sargento de la policía militarizada de Hong Kong pierde su arma reglamentaria en un encontronazo con un joven pandillero, para evitarse la regañiña de sus superiores se confabula con el cuerpo policial del PTU para encontrarla, tienen una noche antes de que se vean obligados a reportar el incidente.

El comienzo de la cinta nos hechiza con una música sensacional, unos personajes tan interesantes como extraños, y un argumento que predice acción a raudales. Toda esa ilusión creada en el espectador se disuelve con el avanze del metraje para convertirse en una unión de escenas a caballo entre el patetismo y la vergüenza. Aparecen y desaparecen personajes que más que ayudar al desarrollo de la trama nos desconciertan y resultan molestos.

Un argumento a priori prometedor, que parecía poder competir con algunas películas de los SWAT americanas, se convierte en un revoltijo de situaciones inconexas que pierden al espectador en pensamientos sombríos sobre su maldita estampa por haber tenido la lucidez de elegir esta película para su visionado.

Mafia, pandilleros, soplones, tensiones policiales entre distintos departamentos todo se entremezcla para cocinar esta película de sabor agrio, faltándole los ingredientes básicos, buenas actuaciones y una dirección coherente.

No pierdan el tiempo, vean otra película o leánse un libro. Gracias a todos por vuestra paciencia, espero ser constante a partir de ahora.

Valoración de Twister: 4.5
Valoración de Filmaffinity: 5.6

No es país para viejos

2008-03-03T15:28:00.006+01:00

Dirección: Ethan Coen y Joel Coen. País: USA. Año: 2007. Duración: 122 min. Género: Drama, thriller. Interpretación: Tommy Lee Jones (sheriff Bell), Javier Bardem (Anton Chigurh), Josh Brolin (Llewelyn Moss), Woody Harrelson (Carson Wells), Garrett Dillahunt (agente Wendell), Kelly Macdonald (Carla Jean Moss), Tess Harper (Loretta Bell). Guión: Joel Coen y Ethan Coen; basado en la novela homónima de Cormac McCarthy. Producción: Joel Coen, Ethan Coen y Scott Rudin. Música: Carter Burwell. Fotografía: Roger Deakins. Montaje: Roderick Jaynes. Diseño de producción: Jess Gonchor. Vestuario: Mary Zophres.

Tan alabada esta obra, tan en boca de todos y de los medios que tuve que verla, más por ser obra de los Cohen que por otra razón, me gusta su cine. Ésta no llega al nivel de Muerte entre las flores, El hombre que nunca estuvo allí, Fargo o El gran Lebowski y aún asi ha triunfado en la academía, más por el nivel de los contrincantes, creo yo.

Llewelyn Moss (Josh Brolin) se encuentra una camioneta rodeada por unos cuantos hombres muertos. Rebusca un poco y encuentra una maleta con dos millones de dólares y un cargamento de droga. Su error coger el dinero, error porque eso genera una ola de violencia, dónde los más viles criminales son contratados para recuperar el dinero, entre ellos Anton Chigurh (Javier Bardem).

Los Cohen vuelven a recuperar su sitio en un elaborado trabajo de cámara y un argumento rebuscado dónde resalta el guión, fiel a su estilo, su cine, regalándonos una primera hora de metraje tan sensacional como extraña, definición que ni pintada a toda la película por cortesía de Mónica - ¡está bien, pero es muy rara! -, que se diluye en un tramo final tan confuso como agotador. Una película que deja, sin lugar a dudas, espacio para un segundo visionado con la certeza de que encontraremos nuevos detalles, sensaciones...

Los personajes son muy "cohianos", sugerentes, exóticos, raritos, pero nos inyectan ese puntito de interés para evitar el hastío que en algunas escenas puede provocarnos el argumento difuso; puede que esta incosistencia se deba a un exceso de fidelidad a la novela homónima de Cormac McCarthy, aunque esa fidelidad les ha llevado a ser premiados por la academía de Hollywood. De entre todos los personajes, variopintos ellos, evidentemente destaca Javier Bardem, en una actuación soberbia, expléndida, tanto que podemos llegar a tocar la locura de su personaje, a sentirla y tenerla miedo. No menos meritoria es la de Josh Brolin, en la piel de un luchador, más de mente que de realidad, personaje que nos pone los pies en el suelo y nos ata a la historia, pués Tommy Lee Jones no hace más que despistar, lucir palmito o arruinar el presupuesto de la película para dejarnos dos expresiones y un par de frasecitas trabajadas.

No es una película que pueda gustar a todo el mundo, es una película que invita a reflexionar demasiado, pero a reflexionar no sobre moralinas o ideales, a reflexionar sobre lo que está pasando, sobre lo que estamos viendo y, lo peor, deberemos de hacerlo rápido o acabaremos nadando en un desierto de aburrimiento, perdidos buscando que alguien nos saque.

No puedo decir que no me guste esta película, pero si puedo decir que las he visto mucho mejores, más completas, ésta deja mucho a la imaginación, o más bien a las aptitudes deductoras del espectador, lo cual reduce drásticamente el interés de un público que posiblemente quiera disfrutar sin esforzarse. Para considerarla la mejor del año, como Hollywood, tendré que ver There will be blood y comparar con otras ya vistas en 2007, pero me temo que esta no sería mi elección.

Valoración de Twister: 6.7
Valoración de Filmaffinity: 7.4

Diarios de motocicleta

2008-03-02T22:17:00.009+01:00

Dirección: Walter Salles. Países: Argentina, Brasil, Chile, Perú y USA. Año: 2004. Duración: 126 min. Género: Drama. Interpretación: Gael García Bernal (Ernesto Guevara de la Serna), Rodrigo de la Serna (Alberto Granado), Mía Maestro (Chichina Ferreira), Mercedes Morán (Celia de la Serna), Susana Lanteri (Tía Rosana), Jean-Pierre Noher (Ernesto Guevara Lynch), Lucas Oro (Roberto Guevara), Marina Glezer (Celita), Sofia Bertolotto (Ana María), Facundo Espinoza (Tomás). Guión: José Rivera; basado en el libro "Notas de viaje" de Ernesto "Che" Guevara y en el libro "Con el Che por Sudamérica" de Alberto Granado.Producción: Michael Nozik, Edgard Tenembaum y Karen Tenkhoff. Producción ejecutiva: Robert Redford, Paul Webster y Rebecca Yeldham. Música: Gustavo Santaolalla. Fotografía: Eric Gautier. Montaje: Daniel Rezende. Diseño de producción: Carlos Conti. Vestuario: Beatriz Di Benedetto y Marisa Urruti.

En la montaña segoviana a las cuatro de la tarde es difícil tener otra ocupación que no sea relajarse; yo elegí el cine para pasar la tarde del sábado, tocó está película, por azar, allí no me ha llegado el internet para un informe pre-visionado que facilite la elección de una película sobre otra. Tan de cara me vino la suerte que me acabé por elegir esta cinta, que aprovecharé para dedicar a mi amigo bloguero Patón, un granadino comprometido, tenaz e inteligente, al cual le debía una dedicatoria por detalle reciente, y que no esperaba fuera tan pronto, pero creo que puedo sorprenderle y que puede gustarle esta película, para mi, la mejor que he visto este año, aún siendo antigua, me pesaría que la conociera porque tendría que buscar otra para cumplir mi propósito.

En 1952 Ernesto Guevara y Roberto Granados emprenden un viaje por carretera para recorrer toda américa latina. Su viaje les lleva desde Argentina a Venezuela, atravesando Chile, Perú y Colombia, un recorrido entre la opulencia y la más desoladora pobreza.

Diré que a pesar de estar basada en las notas del viaje de juventud del "Che", no es una cinta política, no narra la historia revolucionaria del problemático personaje, es un relato social, cercano, un grito a la realidad, buscando oídos que quieran escuhar lo que sucede en aquella parte del mundo.

Podemos dividir la película en varias partes, el inicio de la aventura como una introducción jovial y descacharrante, en la Argentina, la parte central a caballo entre los pueblos y las gentes como un espejo a la realidad social, de denuncia, para que conozcamos y una parte final en la leprosería de San Pablo en la orilla del amazonas peruano, como la parte más humana de la narrativa. El estado de ánimo del espectador varía muchísimo con la narración, en algunas nos atrapa, en otras nos repele y es en esos momentos cuando el guión nos arropa con su belleza y magnificencia, de lo más sorprendente, salvando la fotografía, soberbia, no podía ser menos: Machu-Pichu, Valparaíso, Desierto de Atacama, Amazonas, Patagonía...

Los dos actores principales destacan por su frescura, disfrutando del papel, congeniando con el espectador creando esa magia que diferencia unas obras de otras, como Javier Bardem en No es país para viejos, la psicopatía la retrata de maravilla, pues bien, nuestros aventureros nos trasmiten su visión del mundo, con sus diferencias, sus peleas y su verborrea.

Completaré la crítica con la canción "Al otro lado del río", de jorge Drexler, ganadora de el Oscar a la mejor canción en 2004 e integrada en la banda sonora de esta maravilla.

Déjense atrapar por esta demoledora historia, con un guión complejo que nos acercará a la desoladora verdad de la injustica humana. Para mi: imprescindible, necesaria y obra maestra.

"Los incas tenían un amplio conocimiento de astronomía, medicina y matemáticas entre otras cosas, pero los invasores españoles tenían la pólvora, ¿cómo sería América si las cosas hubieran sido diferentes?" (invita a la reflexión, ¿verdad?)

Valoración de Twister: 8.5
Valoración de Filmaffinity: 7.4

Distrito 13

2008-02-29T08:54:00.005+01:00

Título original: Banlieue 13. Año: 2004. Duración: 85 min. País: Francia. Director: Pierre Morel.Guión: Luc Besson, Bibi Naceri. Música: Bastide Donny, Da Octopuss, Damien Roques. Fotografía: Manuel Teran. Reparto: Cyril Raffaelli, David Belle, Dany Verissimo, Tony D'Amario, Bibi Naceri, François Chattot. Productora: Europa Corp. / TF1 Films Productions / Canal +.

Recuerdo cuando vi la película El retorno de los Yamakasi, sobre un grupo de jóvenes que David Belle guió durante unos años, enseñándoles lo que se conoce ahora como Parkour, y quedé impresionado por la destreza de estos atletas y por el espectáculo visual que ofrecen. Por eso no dudé en lanzarme a ver esta película.

En París, año 2013, el gobierno ha tomado la decisión de proteger a los ciudadanos de los barrios más conflictivos aislando estos con un muro de seguridad. Esto convierte a estos barrios en auténticas barriadas sin ley dónde mandan las bandas de criminales, Damien es un policía de élite experto en operaciones encubiertas que ha sido designado para introducirse en uno de estos distritos y recuperar una bomba de destrucción masiva que el gobierno ha perdido.

A priori la sinopsis augura una monumental cagada estilo mega-producción americana inundada de efectos especiales cuando la verdad es otra, esta es una película para impresionar al espectador con el Parkour, y algunas de las persecuciones son increibles, divertidísimas. Centrarse por completo en el espectáculo visual puede hacer desmerecer el guión, como ocurre en este caso, aunque el marco de la mafia, policía corrupta, "topos" y artes marciales confiere una mezcla sumamente atractiva para el espectador que disfrutará como un chiquillo de esta película.

Con una trama lineal, sin revueltas, se hace fácil la digestión de la cinta y su escasez de metraje no deja espacio para el hastío. Ver a David Belle practicar su arte es todo un lujo, este hombre es un fenómeno, un idealista como comprobamos en su entrada de la wiki.

Yo espero ansioso el estreno de Babylon A.D, su próxima película (como coreógrafo, no como actor), para estarme otro rato entretenido maravillándome con las aptitudes de estos fenómenos. La calidad de la película puede discutirse, pero no el divertimento que proporciona.

Valoración de Twister: 6.8
Valoración de Filmaffinity: 6.0

Syriana

2008-02-28T09:41:00.008+01:00

Dirección: Stephen Gaghan. País: USA. Año: 2005. Duración: 126 min. Género: Drama, thriller. Interpretación: George Clooney (Bob Barnes), Matt Damon (Bryan Woodman), Jeffrey Wright (Bennett Holiday), Chris Cooper (Jimmy Pope), William Hurt (Stan Goff), Mazhar Munir (Wasim), Tim Blake Nelson (Danny Dalton), Amanda Peet (Julie Woodman), Christopher Plummer (Dean Whiting), Alexander Siddig (Príncipe Nasir). Guión: Stephen Gaghan; basado en el libro "See no evil" de Robert Baer. Producción: Jennifer Fox, Michael Nozik y Georgia Kacandes. Producción ejecutiva: George Clooney, Steven Soderbergh, Ben Cosgrove y Jeff Skoll.Música: Alexandre Desplat.Fotografía: Robert Elswit. Montaje: Tim Squyres. Diseño de producción: Dan Weil. Vestuario: Louise Frogley.

Una deuda tenía pendiente con Javi Sanz, compañero de fatigas en la U.A.M, con esta película, y es hora de pagarla, una película muy de acorde con el sentimiento anti-globalizador que se extiende por estos tiempos, ¿que mala cosa la globalización, verdad? ¡El dinero en manos de unos pocos y los recursos secuestrados por esos pocos! ¡Libre circulación de dinero, pero no de personas! El cinismo del siglo XXI.

Una lucha mundial por el control del petróleo de las grandes empresas, capaces de dirigir la política de los estados para conseguir sus fines, la gran trama la manejan inspectores del gobierno, agencias de espionaje, jeques árabes, ejecutivos hasta los mozos que trabajan en las instalaciones petrolíferas.

Es una película que recuerda a la extraña Babel, casi mejor al contrario, pués ésta fue anterior, empezamos intrigados con una venta de armas y continuamos con el cierre de un negocio macro-económico para acabar nadando en un mundo tan aparentemente irreal que nos aterra por su pasmosa realidad, dónde los que manejan los hilos de la gran marioneta que es la humanidad se mueven con una ausencia de escrúpulos a la hora de tomar decisiones que nos acaban afectando a todos.

El montaje se hace extraño al principio pero según vamos viendo la luz gana enteros, aunque puede llegar a causar apatía en el espectador, unido a la presencia de Matt Damon, actor con el que no tengo afinidad alguna, más bien ojeriza, por su falta de naturalidad y por esas expresiones tan forzadas como ridículas.

El argumento es demoledor, si bien un guión es confuso e irregular pero la presencia de Clooney es arrolladora en un papel que debería tener más presencia en el film. Recomendada para aquellas mentes inquietas, pués a pesar de algunas carencias fílmicas, la pantalla se llena de Damon y eso desluce el resultado final, el mensaje nos llega.

Valoración de Twister: 6.5
Valoración de Filmaffinity: 6.4

Romper Stomper

2008-02-27T08:58:00.005+01:00

Título original: Romper Stomper. Año: 1992. Duración: 94 min. País: Australia. Director: Geoffrey Wright. Guión: Geoffrey Wright. Música: John Clifford White. Fotografía: Ron Hagen.Reparto: Russell Crowe, Daniel Pollock, Jacqueline McKenzie, Alex Scott, Leigh Russell, Daniel Wyllie, James McKenna, Eric Mueck. Productora: The Australian Film Commission / Film Victoria / Seon Film Productions.

No tenía la más mínima intención de ver esta película, pero al informarme un poco sobre ella ofrecía una temática skinhead muy del gusto de mi amigo Mikel, entonces me dije, ¡ánimo!, la ves y se la dedicas, pero ahora ya no lo tengo tan claro, la temática skin es sólo una excusa, en este caso, para contar las peripecias de una banda de delincuentes, no la base de la película, aún asi dedicaré esta crítica a Mikel, a pesar de no ser muy buena.

Hando (Russel Crowe) es el lider de una banda de skinhead de Melbourne y tiene una batalla personal contra las personas de origen asiático del centro de la ciudad, cuasantes, según él, de la impureza racial de Australia. Con lo que no contaba Hando es con la resistencia de los asiáticos a ser apaleados.

El comienzo de la película nos augura diversión sin límites que luego se queda en una burda imitación del cine americano de "un poco de todo" con resultado de producto de estercolero por las tramas laterales que no llevan a ninguna parte y por puntos oscuros en el desarrollo que siembran confusión en el espectador, ávido de carnaza.

El motor de la película es el racismo de un grupo de juventudes nazis (que no skinheads) y su amor por la violencia, pero la gasolina de ese motor es un guión simplón que roza el patetismo, salvándose una excelente banda sonora que nos deja algunas escenas realmente buenas (una persecución por los callejones de Melbourne es lo mejor de la película bajo una música bastante aplastante, aquí el enlace al disco).

La película, a parte de por la banda sonora, se salva por una impresionante actuación de Russel Crowe, de los mejores papeles que le he visto hacer, pero por lo demás no llega nada más que a un aprobado ramplón, pués está saturada de escenas que no riman con una trama tan violenta. No entiendo la manía de los directores de hacer humanos a sus personajes, en el cine se puede hacer cualquier cosa y puede gustar, encasillándose en los estándares se consigue la apatía de un público cada vez más descontento entre la baja calidad de los sub-productos, la parafernalia y los abusivos precios.

Llega a entretener por su violencia, por Crowe y por la música, pero eso no hace que sea una buena película, más bien mala y rancia, veánla por su excelente música, por su temática, pero no esperen que les guste más allá del entretenimiento que proporciona.

Valoración de Twister: 5.0
Valoración de Filmaffinity: 5.8

Monstruoso

2008-02-21T23:42:00.003+01:00

Dirección: Matt Reeves. País: USA. Año: 2008. Duración: 85 min. Género: Acción, ciencia-ficción, thriller. Interpretación: Lizzy Caplan (Marlena), Jessica Lucas (Lily), T.J. Miller (Hud), Michael Stahl-David (Rob), Mike Vogel (Jason), Odette Yustman (Beth). Guión: Drew Goddard. Producción: J.J. Abrams y Bryan Burk. Fotografía: Michael Bonvillain. Montaje: Kevin Stitt .Diseño de producción: Martin Whist. Vestuario: Ellen Mirojnick.

Hoy estaba dudando entre El Verdugo y Monstruoso, finalmente me he decantado por ésta última posiblemente equivocándome en la elección, pero como fiel seguidor de la ciencia ficción, del frikismo y de la innovación, me he lanzado a por la más novedosa, también para discutir con Patón sobre esta extraña película, extraña, mareante y curiosa película. Y bien que da para discutir, en lo bueno y en lo malo, que de ambas facetas anda repletita.

Un grupo de amigos celebra una fiesta de despedida a uno de ellos que se muda a Japón por trabajo, risas, alcohol... y un temblor de tierra sacude Manhattan, lejos de ser un terremoto la "monstruosa" verdad sacudirá a los amigos que emprenden una carrera colectiva buscando una salida a la ratonera en la que se convierte la ciudad.

He leido críticas comparando esta historia con Godzilla y no las comparto en absoluto, el "bicho" japonés está rodeado de un aura mítica y las películas están más centradas en el espectáculo visual que lo que ocurre con esta cinta que busca el impanto psicológico, el retrato del pánico, la locura de la mente y las divagaciones ante situaciones límite.

El guión está centrado en el amiguismo de la pandilla y eso se hace pesado ante los buscadores de ciencia ficción pura, pero, huelga decirlo, no se acerca a la pesadez que causa la puñetera cámara al hombro, que del mareo casi dan ganas de escaparse y decidarse a otra cosa.

Consiguen, para sufrimiento del espectador, emborracharnos con un argumento innovador que hace del misterio y del pánico su bandera y acabamos por disfrutar de esta película, aunque deseemos que acabe y la cámara se esté quietecita (me pasó con Gang Tapes y con la brujta de Blair, prefiero imagen fija, prefrencias de uno, fíjate).

Dar tanto valor a una trama que tienes que descubrir aunque parezca evidente, con unos personajes que se hacen cercanos porque son tan reales que nos ayudan a digerir la historia, resulta fundamental para poder digerir está paranoia. Voy a ver si se me pasa el mareo durmiendo, mareo que hace que no le de un notable a esta película.

Valoración de Twister: 6.0

Valoración de Filmaffinity: 5.9

Shaolin Soccer

2008-02-21T11:17:00.017+01:00

Título original: Siu lam juk kau (Shaolin Soccer). Año: 2001. Duración: 111 min. País: Hong Kong. Director: Stephen Chow. Guión: Stephen Chow & Kan-Cheung Tsang. Música: Raymond Wong. Fotografía: Pak-huen Kwen & Ting Wo Kwong. Reparto: Stephen Chow, Zhao Wei (AKA Vicki Zhao), Man Tat Ng, Yin Tse, Sarondar Li, Yut Fei Wong . Productora: Coproducción HK-USA; Universe Entertainment & Star Overseas.

Una buena definición para esta película puede ser que es una película para frikis, una paranaoia de acción y humor oriental, difícil de sentirlo como propio, al contrario que con Kun-fu-sion en la que uno se desternilla de la risa; Shaolin Soccer es para asombrarse, para fliparse con recuerdos de Oliver y Benji, aunque el parecido sea irrisorio. Yo soy un forofo de esta película (tres veces la he visto ya) y ansioso estoy de que salga la versión basket, Kun-fu Dunk para volver a disfrutar con estos locos asiáticos.

Sing tiene un sueño, acercar el arte Shaolin a la gente, pero sus escasos recursos económicos se lo impiden. Cuando conoce a Fung, un ex-futbolista fracasado, ambos tejen un plan para fusionar kung-fu con futbol y cumplir ambos sus sueños, el resultado de esa unión será espectacular.

Antes de continuar con la reseña os haré una recomendación para el que la quiera ver, es imprescindible verla en versión original con subtítulos, la versión en castellano es totalmente nefasta, con los diálogos desacertadísimos que hacen que el humor desaparezca. Esta película hay que afrontarla con la idea de lo que vamos a ver o se nos antojará bananera, no hay que buscar argumento, no lo tiene, hay que buscar efectos especiales, humor rancio y algo de fororismo por las artes marciales descomunales.

Toda ella es un sinsentido, desde los personajes hasta los diálogos. Las técnicas de Shaolin son desternillantes (cabeza de hierro, mano vacía, pierna de gancho, camisa de hierro....). El primer partido en el que el extraño equipo entra en contacto con el mundo del futbol recuerda a las películas de los Monty Python, y puede ser una de las escenas más memorables, que no mejor, que yo recuerdo. Yo no dudaría en recomendarla, pero ya se de gente a los que no les ha gustado en absoluto, hay que ser valiente o como dije en alguna ocasión ser amante del otro cine.

Valoración de Twister: 6.5
Valoración de Filmaffinity: 6.4

Una historia del Bronx

2008-02-20T09:03:00.008+01:00

Título original: A Bronx Tale. Año: 1993. Duración: 122 min. País: Estados Unidos. Director: Robert De Niro. Guión: Chazz Palminteri. Música: Butch Barbella. Fotografía: Reynaldo Villalobos. Reparto: Robert De Niro, Chazz Palminteri, Lillo Brancato, Joe Pesci, Francis Capra, Taral Hicks, Katherine Narducci. Productora: Savoy.

Con la película de Optimistas ya metida en el lector de cd's vi por el rabillo del ojo este título, Una Historia del Bronx, y la luz se hizo, raudo fui a cogerla, la puse y a disfrutar de esta mezcolanza de cine negro, cine social y mafia. Se que hice promesas de ver algunas películas espero cumplirlas en breve, pero ya tuve una racha de cine social o moral y ahora tengo que desengrasarme, volveré a la carga, quizás tras este fin de semana en la selva segoviana.

Calogero vive en el Bronx, un barrio con una fuerte identidad, de vecinos tiene a unos mafiosos cuyo jefe, Sonny, se convierte en un ídolo para el joven italiano. Un tiroteo del que el pequeño es testigo convierte a "C" en el protegido de Sonny, relación que el padre del joven desaprueba enérgicamente. Esta película narra el desarollo de la vida del pequeño Calogero desde la infancia hasta la madurez.

Siempre hay que echar mano a los clásicos y esta cinta se ha convertido en uno de ellos por su pluralidad de historias, desde el racismo, hasta el amor y la dificultad de educar a un hijo en unos valores que para ti son sagrados. Básicamente la raiz de la historia son los coqueteos del joven con la mafia, aunque cobra muchísima fuerza la historia del racismo, elegir entre el amor o las amistades.

El papel de Robert De Niro es más un papel chiquito que una soberbia actuación, está para unir historias, para descentralizar la atención del espectador y enfocarla en otra rama argumental. El guión tiene una fuerza arrolladora, a pesar de momentos algo pasteles, a mi modo de ver, en los que abunda una moralidad que se me hace empalagosa.

Destaca una música muy unida al guión, al barrio, a la época y saberla mimetizar con las imágenes y que animen a seguir escuchando, viendo, disfrutando es loable. Un par de escenas de esta película son míticas, la historia de la prueba de la puerta y cuando entran los moteros en el bar de los italianos, estas escenas con esa música de fondo te hacen gritar: ¡qué grande es el cine!

Soy poco partidario de la voz en off, un recurso barato de lo que no se sabe contar con imágenes, pero en este caso es casi necesaria, un nexo entre los sentimientos del niño y la realidad del barrio. Esa voz en off nos introduce en la historia, nos engaña y atrapa hasta que ya formamos parte de ella.

Ni que decir tiene que es un título imprescindible en toda colección, en toda estanteria y casi obligatoria para ver, con un argumento directísimo, unos personajes simpáticos y .... y .... Buenísima.

Valoración de Twister: 8.4
Valoración de Filmaffinity: 7.7

El otro cine

2008-02-19T11:44:00.001+01:00

Repasando las últimas películas que he criticado me he dado cuenta de que me he pasado al cine comercial, por eso en este post quiero abrir una puerta al cine más escondido, al otro cine, el que siempre me gusta dar a conocer. Voy a proponeros algunos títulos, que no he visto, con el firme propósito de verlos a la mayor brevedad y poder discutirlos. Evidentemente ninguno de los títulos serán de la factoría Hollywoodiense, porque el otro cine no sale de allí, el otro cine es ese que los pseudo aficionados palomiteros dicen que películas más raras ves, ¿de chinos? ¿de autor? si esas son un rollo... ¿un rollo? veamos, no están minadas de efectos especiales, pero si de historias interesantes, historias diferentes. Negarse a ver el otro cine es negarse a poder criticar el buen y el mal cine, negarse a la grata experiencia de conocer otras formas de expresión. Aquí mi propuesta:

- Optimistas: de Goran Paskaljević (Serbia) - cinco mini-historias con un marco común, la Serbia que dejó Milosevic. Cine social y moral, con un lema: optimismo es la manía de sostener, cuando todo va mal, que todo va bien (Voltaire). Pre-Valoración: 6,3.

- Inner Senses: de Chi-Leung Law (Hong Kong) - una joven vive agobiada por el acoso de unos fantasmas que busca ayuda en un psicólogo recomendado por una amiga. No creo que esté a la altura de otros títulos, pero estamos proponiendo, para bien o para mal. Pre-Valoración: 5,4.

- Dolls: de Takeshi Kitano (Japón) - Tres historias de amor y dolor, el retrato de las posibilidades del amor, pasado, presente y futuro, dicen que una de las grandes obras del cine moderno. Carlos Boyero dijo: Su hipersensibilidad me resulta insoportable, y esto viniendo de "su eminencia" parece un piropón... Pre-Valoración: 7,6.

- No amarás: de Krzysztof Kieslowski (Polonia) - Tomek es un voyeur obsesionado con su vecina, con el fin de inmiscuirse en su vida se hace pasar por repartidor de leche. Dicen simplemente que es una película necesaria, punto. Pre-Valoración: 8,1.

- Vacas: Julio Medem (España) - La historia comienza en Guipúzcoa, en 1875. En una trinchera carlista, durante la guerra, un aizkolari logra salvar la vida embadurnándose con sangre de uno de los muertos, y dejándose apilar con los cadáveres. La presencia de una vaca le produce una extraña sensación, que se volverá obsesiva. Los comienzos de Medem al más alto nivel. Pre-Valoración: 7,1.

- El secreto de Vera Drake: de Mike Leigh (Inglaterra) - La historia de una mujer que practicaba abortos ilegales en el Londrés de los cincuenta. La actriz principal, Imelda Staunton, obtuvo numerosos premios por esta interpretación que dicen magistral. Pre-Valoración: 7,0.

- Ju Dou: de Zhang Jimou (China) - Un hombre compra a Jou Dou para que le de un hijo varón, este niega su impotencia maltratando a la joven, que encuentra consuelo en la amistad y el amor de un sobrino del amo. Esta historia narra ese amor prohibido y convulso. Pre-Valoración: 7,9.

Espero criticar alguno de estos títulos, posiblemente varios, antes de que acabe este mes, palabra.

La semilla del diablo

2008-02-18T09:56:00.008+01:00

Título Original: Rosemary's Baby. Año: 1968. Duración: 136 min. País: Estados Unidos. Director: Roman Polanski. Guión: Roman Polanski (Novela: Ira Levin). Música: Christopher Komeda (AKA Krysztof T. Komeda). Fotografía: William A. Fraker. Reparto: Mia Farrow, John Cassavetes, Ruth Gordon, Ralph Bellamy, Sydney Blackmer, Maurice Evans, Angela Dorian, Patsy Kelly, Elisha Cook. Productora: Paramount Pictures.

La semana pasada fue complicada, tuve una ardua lucha contra un troyano (Win32:Small-JMK) que me plantó cara durante tres o cuatro días, hasta que al final di con la manera de eliminarlo, no otra que toquetear el registro del windows, algún día tendré que pasarme a Linux. El sábado tras una ardua sesión de spa y un vermuth más largo que una maratón, líquido no perdimos, segurísimo, decidimos sobrellevar la resaca con noche de cine, una de suspense, tocó La semilla del diablo, que empieza rara rara, pero te atrapa, te absorbe y la final resulta ser una maravilla, excepto el título, menos drogas necesitan algunos ¿a quien se le ocurre traducir una película con un título que es el máximo exponente del spoiler?

Guy y Rosemary se mudan a un enorme edificio de apartamentos a empezar una nueva etapa de su vida, un edificio con un trágico pasado de accidentes mortales. Pronto descubriran a sus nuevos vecinos, los señores Castevet, y serán conscientes de lo meticones que son cuando ya los tengan manejando los hilos de sus vidas.

Un claro ejemplo de como hacer cine de terror sin excesivas parafernalias, manejando a los actores con mano férrea para conseguir que ellos sólos creen una atmósfera agobiante e intrigante, esa intriga es el punto fuerte de esta película, y el retrato de la obsesión, o locura, de la joven Rosemary.

La maestría de Polanski marca toda la película, la cámara incómoda muchas veces, cercana cuando tiene que serlo, mimando más a unos personajes que a otros, la vieja Minnie copa la pantalla con su rostro, genial. El cambio de los colores, de la decoración, la música... es díficil centrar la crítica en un punto en una película tan completa, pero podríamos valorar por encima de todo la empatía que crean los personajes con el espectador y al edificio Dakota, que como bien dice Patón, parece un personaje más de la película, gracias Patón por ese detalle.

Yo he debido de ver la película con un par de escenas nuevas, una en la que aparece un extraño sueño que por supuesto no deberían haberla incluido en el montaje, destroza la trama y deja abierta una ventana para que el espectador resuelva el misterio antes de tiempo.

Os animo a verla, es una gran obra de arte de obligado visionado, puede o no gustar pero la calidad de la cinta es indiscutible. Se me dijo por estos lares que me animara a valorar las películas, voy a empezar con ésta, un experimento que espero nos guste a todos, pondré mi valoración y la de la página Filmaffinity, un excelente portal de cine dónde los usuarios son los críticos, por eso me gusta, nada de profesionalismos:

Valoración de Twister: 7.0

Valoración de Filmaffinity: 7.8

El último tren a Auschwitz

2008-02-14T09:44:00.003+01:00

Dirección: Joseph Vilsmaier y Dana Vávrová. Países: Alemania y República Checa. Año: 2006. Duración: 122 min. Género: Drama. Interpretación: Gedeon Burkhard (Henry Neumann), Lale Yavas (Lea Neumann), Lena Beyerling (Nina Neumann), Juraj Kukura (Dr. Friedlich), Sibel Kekilli (Ruth Zilberman), Roman Roth (Albert Rosen), Brigitte Grothum (Gabrielle Hellmann), Hans Jürgen Silbermann (Jakob Noschik), Ludwig Blochberger (Crewes). Guión: Stephan Glantz; basado en un argumento de Art Bernd. Producción: Artur Brauner. Música: Chris Heyne. Fotografía: Joseph Vilsmaier. Montaje: Uli Schön. Dirección artística: Jaromir Švarc. Vestuario: Jarmila Konečná.

Desde que me leí la biografía de Hitler (1889-1936) de Ian Kershaw me aficioné a las películas de temática nazi o ambientadas en la segunda guerra mundial, Enemigo a las puertas, La vida es bella, Stalingrado, Amen, Mediterráneo, El ogro, El libro negro, El hundimiento, La gran evasión... son algunas de ellas, quedándome por ver urgentemente La zona gris y El tren de la vida. Por eso me he lanzado a ver esta película, también ha ayudado que Juanjo me dijera que estaba muy bien, con ánimo de saciar mi curiosidad, pero me he encontrado con una cinta diferente, algo excesiva y pesada, dónde se agradece que hayan intentado innovar.

En el año 1943 los nazis quieren limpiar Berlín de judíos. Un tren sale de la estación de Grunewald con 688 judíos hacia Auschwitz, seis días tarda el tren de la muerte en llegar hacía el campo de exterminio. Esta es la historia de los "habitantes" de uno de los vagones durante esos seis fatídicos días.

El empiece de la película se hace flojo por el desinterés de los actores y por la superficialidad con la que nos introducen en la historia. A media cinta ya estamos enganchados totalmente por un argumento voraz que intriga, a pesar de las dosis exageradas de dramatismo forzado (la historia lo requiere así), digo forzado porque los actores no congenian con el espectador, y ha de ser la caracterización, el maquillaje y el "ambiente" los que transmitan el dolor y el drama de esta pobre gente.

La búsqueda del acercamiento de los personajes al espectador lo intentan con ridículos flash back, un montaje débil que podrían haber introducido al inicio, pués resta fuerza a la narrativa. Sin embargo el cambio en el ánimo de los personajes, tanto física como mentalmente, a lo largo de esos seis fatídicos días lo bordan, de lo mejor de la película.

Pasadas las dos horas de la película, ya en los créditos, no se nos escapa ni una lágrima, del estupor, de la vergüenza y de la ira que se nos han quedado tatuados (una par de miradas de la niña de los Neumann y de la hija del Doctor todavía no he conseguido quitármelas de la cabeza), lo que significa un buen trabajo de la dirección, el mensaje ha llegado.

La demencia humana con sus salvajes consecuencias está reflejada en la triste Historia. Todas las buenas obras de un pueblo se pierden por la locura de un maldito hombre, el odio es una enfermedad más contagiosa que la tolerancia y la convivencia. Tristeza.

John Rambo

2008-02-08T11:25:00.000+01:00

Dirección: Sylvester Stallone. Países: USA y Alemania. Año: 2008. Duración: 92 min. Género: Acción, drama. Interpretación: Sylvester Stallone (John Rambo), Julie Benz (Sarah Miller), Paul Schulze (Dr. Michael Burnett), Matthew Marsden (School Boy), Graham McTavish (Lewis), Rey Gallegos (Diaz), Jake La Botz (Reese), Tim Kang (En-Joo), Maung Maung Khim (Tint), Ken Howard (Arthur Marsh).Guión: Sylvester Stallone; sobre el personaje creado por David Morrell.Producción: Avi Lerner, John Thompson y Kevin King Templeton. Música: Brian Tyler. Fotografía: Glen MacPherson. Montaje: Sean Albertson. Diseño de producción: Franco-Giacomo Carbone. Vestuario: Lizz Wolf.

Volver a enfrentarse al todopoderoso Rambo en la gran pantalla embriaga al espectador de una terrorífica emoción, incluso con un Stallone cascado, cascadísimo y feo como siempre, pero el papel de John Rambo es el suyo, su obra maestra, para mi por encima de Rocky, y con esta película vuelve a demostrar que es mal actor, que no sabe dirigir, y que esas cualidades son nimiedades cuando se interpreta al gran cajuna de los soldados, al carismático Rambo.

La vida combativa de John parece que ha llegado a su fin, ahora vive en la jungla al norte de Tailandia, su sustento son la pesca y la caza de serpientes. Esa tranquilidad se rompe cuando un grupo de misioneros le pide ayuda para llegar a Birmania, pais asolado por la guerra, a nuestro amigo Rambo no le queda otra salida que volver a combatir.

En el momento en que sale el logo de la productora ya estamos ansiosos por ver a Rambo emerger de algún barrizal cuchillo entre los dientes, nos sobra la introducción de los personajes, la tonta mujer, muy ñoña ella, que intenta moralizar el vacío de la vida de Rambo... ¡queremos carnaza! Decían en las críticas de los expertos que le sobraba violencia a la cinta, no sé que ideas tendrán estos criticuchos sobre lo que es una guerra, yo tampoco, pero puedo imaginarme que si te disparan sangras y que de las armas salen balas y no rosas.

Es violenta y mucho, y muy entretenida, yo he disfrutado como un chiquillo con su juguete nuevo, aunque le falten las pilas y tenga que imaginarme su funcionamiento, en este caso el guión, que de malo apesta, pero no buscamos una película exquisita, buscamos la vuelta de Rambo, un sesentón al que no se le ha olvidado mandar a los malísimos al hoyo.

Los 90 minutos se hacen escasos ante la vorágine de acción, tanto por parte del sanguinario ejército birmano como por las dotes de nuestro protagonista; algunas de las escenas bien podían competir con el violento desembarco de Normandía de Salvar al Soldado Ryan. Que bueno este regreso de Stallone, viejito, eso si.

Hitman

2008-02-07T20:08:00.000+01:00

Dirección: Xavier Gens. Países: USA y Francia. Año: 2007. Duración: 100 min. Género: Acción, thriller. Interpretación: Timothy Olyphant (Agente 47), Dougray Scott (Mike Whittier), Olga Kurylenko (Nika), Robert Knepper (Yuri Marklov), Ulrich Thomsen (Belicoff), Michael Offei (Jenkins), Henry Ian Cusik (Udre Belicoff). Guión: Skip Woods; basado en el videojuego. Producción: Pierre-Ange Le Pogam, Charles Gordon y Adrian Askarieh. Música: Geoff Zanelli. Fotografía: Laurent Barès. Montaje: Carlo Rizzo y Antoine Vareille. Diseño de producción: Jacques Bufnoir.Vestuario: Olivier Beriot.

Uno ve el trailer de esta película y sabe automáticamente a lo que se va a enfrentar, y eso necesitaba yo, tiros y más tiros, nada de uso neuronal. Hace muchos años jugué al juego de ordenador del mismo nombre y al ver la película me he acordado de mis días de universidad, de esas escapadas para hacer de todo menos estudiar, en una de esas escapadas conocí este juego, a parte de otros menesteres a los que me dedicaba por aquel entonces.

Un buen número de asesinatos poco aleatorios a lo largo del mundo tienen en jaque a Mike Whittier (Dougray Scott), un comprometido agente de la Interpol, la pista del asesino le conduce a Rusia, pero este asesino es sumamente correoso, es el mejor, ¿quien ganará el pulso?

La sinopsis parece indicar que el protagonista es el afanado inspector, cuando en realidad ese honor recae en el misterioso asesino (Timothy Olyphant), sin sentimientos, salvo la venganza o el honor. El argumento es demasiado lineal, ¿a quien le importa cuando buscamos acción extrema?, uno mata y el otro le persigue, mujer de bandera por medio, papel encajado con calzador para lucimiento de la actriz en cuestión y para acallar las voces de sólo reparto masculino, malo con una miajilla de conciencia y bueno super enrollao y honorable. Bien, ya tenemos los ingredientes, los juntamos, les agitamos un pelín, poco para no marear al espectador, efectos especiales como si se fuera a acabar el mundo y p'alante...

Posiblemente los entusiastas del juego disfrutaran esta película que me recordaba mis sueños adolescentes de super-hombre ducho en multitud de ramas de lucha, armas y demases técnicas. 100 minutejos de acción correctita, no más, con la angustiante, o sobrante, historieta con la chavala de buen ver que poco o nada acompaña o mejora la historia.

Uno de los claros ejemplos de película entretenida y poco más, buena para solventar un momento de tedio extremo.

Voces inocentes

2008-02-06T11:18:00.000+01:00

Dirección: Luis Mandoki. País: México. Año: 2004. Duración: 106 min. Género: Drama. Interpretación: Carlos Padilla (Chava), Leonor Varela (Kella), Gustavo Muñoz (Ancha), José María Yazpik (tío Beto), Ofelia Medina (Mamá Toya), Daniel Giménez Cacho (cura), Jesús Ochoa (chofer). Guión: Oscar Torres y Luis Mandoki. Producción: Luis Mandoki, Alejandro Soberón Kuri y Lawrence Bender. Música: André Abujamra. Fotografía: Juan Ruiz-Anchia. Montaje: Aleshka Ferrero. Diseño de producción: Antonio Muñohierro.

La guerra es una gran vergüenza que no beneficia a nadie salvo a los que viven de las miserias de los demás. Creía que iba a ver una película más, un drama pasteloso indagando en lo simple, y puede que el principio todo indicara que iba a ser así, pero con el correr de los minutos la angustía y la ansiedad me emborracharon para acabar lloriqueando como un mocoso en los tramos finales en esta versión de la guerra más infantil que madura a través de los ojitos de chavita, un salvadoreño de once años.

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Qué triste se oye la lluvia en los techos de cartón
qué triste vive mi gente en las casas de cartón
Viene bajando el obrero casi arrastrando sus pasos
por el peso del sufrir,
mira que mucho ha sufrido
, mira que pesa el sufrir
Arriba deja la mujer preñada
abajo está la ciudad
y se pierde en su maraña
hoy es lo mismo que ayer,
es un mundo sin mañana
Qué triste se oye la lluvia en los techos de cartón
qué triste vive mi gente en las casas de cartón
Niños color de mi tierra,
con sus mismas cicatrices
millonarios de lombrices,
y por eso
qué triste viven los niños en las casas de cartón
qué alegres viven los perros en casa del explotador
Usted no lo va a creer pero hay escuelas de perros
y les dan educación pa' que no muerdan los diarios
pero el patrón hace años, muchos años
que está mordiendo al obrero
Qué triste se oye la lluvia en los techos de cartón
qué lejos pasa la esperanza en las casas de cartón
(Casas de Carton, Cancion prohibida que cantaban los revolucionarios)

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Chava es un crio de once años que vive en un pueblo que es el límite entre los terrenos controlados por el ejército y el FMLN, su vida se complica cuando su padre les abandona y el asume el papel del hombre de la casa, la inocencia de su yo niño se pierde día a día con la terrible verdad de la guerra, de la cual nadie está a salvo, un año le queda para ser niño o convertirse en otro instrumento al servicio militar, obligatorio a partir de los 12 años en un pais devastado por la guerra...

No recordaba yo una película que me llegara tanto al corazón, suena muy sensibloide pero es asi, de adolescente era yo muy revolucionario, y es que Carlos Padilla (chavita) traspasa que hay entre la ficción y la realidad en una interpretación que abraza al espectador y le lleva de la manita al Salvador, gritando, ¿no lo ves? ¿por qué nos quieren matar si nosotros no hemos hecho nada?

Puede pecar de un exceso de dramatismo, una recreación forzada para buscar la compasión, sobre todo en una parte final algo peliculera, menos realista quizás, pero esa saturación es la que hace buena a esta película, los niños son mucho más viscerales que los adultos, yo he tenido una impresión de mayor realidad precisamente por esta versión de la guerra escrita por un infante asustado, que es obligado a crecer para sobrevivir.

A aquellos que levanten la voz ante las injusticias les llegará más el supuesto mensaje de esta película, donde de la neutralidad de un pueblo se acaba entrando poquito a poquito en la revolución...

Me quedo con los niños, que actuaciones, y recuerdo, una y otra vez, algunas imágenes dignas del mejor director del famoseo de Hollywood, que fuerza, que genialidad de película. ¡Qué fotografía! No sigo, no sigo, veánla, y me cuentan, pero es imprescindible.

"Los que se van sufren más que los que se quedan, los que se quedan sólo pueden luchar"

Final Fantasy VII: Advent Children

2008-02-05T09:00:00.000+01:00

Título original: Final Fantasy VII: Advent Children. Añó: 2005. Duración: 2005. País: Japón. Director: Tetsuya Nomura, Takeshi Nozue. Guión: Tetsuya Nomura, Kazushige Nojima . Música: Nobuo Uematsu, Kenichiro Fukui, Keiji Kawamori, Tsuyoshi Sekito, Kyosuke Himuro. Fotografía: Animation. Reparto: Animation. Productora: Visual Works / Square Enix.

Estaba dejando de lado el cine asiático y eso es imperdonable, dudaba entre La maldición de la flor dorada, Trono de sangre y Final Fantasy VII, elegí esta última película sólo porque duraba menos, tengo pendientísima la de Kurosawa pero siempre acabo haciendo pereza con ella. Además una de acción y animación a golpe de lunes resetea el cerebro para empezar la semana con buen pie.

Cloud Strife vive en el retiro afectado por una extraña enfermedad, el Geostigma, que le está dejando sin energía. Este retiro se va al traste cuando aparecen tres extraños acusándolo de esconder a "madre" algo que desconcierta a Cloud pues no sabe de que están hablando. La insistencia de estos extraños lleva a Cloud a la acción, descubriendo la verdad del Geostigma.

Mi ineptitud a la hora de hacer una sinopsis aceptable para esta película se debe a mi desconocimiento de la historia previa, mi ignorancia sobre el famoso juego de ordenador que da nombre a la saga. A pesar de todo esto, la película se disfruta, y mucho, y se deja entender.

La calidad de las animaciones es evidente, con unas escenas de acción increiblemente visuales y divertidas acompañadas por una música magnífica, de las mejores bandas sonoras que he escuchado en mucho tiempo.

Los fanboys de la saga la encontraran excitante, yo como mucho puedo decir que divertida ya que deja alguna laguna en la trama. Yo buscaba efectos especiales, acción y díversión y de todo esto esta película va sobrada, y con calidad. Si hay alguien interesado en saber más acerca de esta película le dejo el enlace a la Wiki donde hacen una crítica de calidad.

Borrascas a la vista

2008-02-04T11:26:00.000+01:00

El sábado fue un día duro, me quedé sin conexión a internet, entraronme sudores fríos, cierto temblor de manos, ansiedad... una especie de síndrome de abstinencia a los 30 minutos de verificar que era problema de la compañia de telecoladrones, tras la consiguiente llamada al servicio de coacción al cliente mis sospechas se tornaron reales, ¡que naranjas señor! que ya mandaremos un técnico a la central y que si manzanas traigo...

Tenía la friolera de 4 horas por delante, sin el interné, hasta la cita del vermuth, la ansiedad crecía, me había prometido mejorar la crítica de Ciudad de Dios o ver alguna película, si, ese era un buen remedio para mi desesperada situación, y me puse El tercer hombre, pero el estado esquizoide en el que estaba buceando no me dejaba disfrutar de la película y me puse a divagar sobre los próximos estrenos de cine, sobre el futuro en este año huelguista. Abandonada la película a su suerte empecé mis divagaciones.

Dicen, que no yo, que el cine está en un buen momento. Mi idea es que el 2007 no ha sido mal año, pero tampoco excelente, y las expectativas para 2008 no son esperanzadoras, no por la calidad del cine pero si por la variedad y más si hablamos del cine español. El cine, en general, tiene muchísima calidad pero el que podemos encontrar en las salas suele rozar el aprobado simplón, razón por la cual la gente no acude a los cines y, no olvidemos, que es un entretenimiento caro, y va a más.

Febrero viene fuerte con No country for old men y el premiadísimo Bardem, que de tanto baño de multitudes va acabar ahogándose y Sweeny Todd del gran Tim Burton. Que no falte la de efectos especiales de Hollywood, Jumper, que promete y promete y será algo para olvidar, o no, esto del cine es un enigma aunque uno pueda hacer sus cábalas. Buenas impresiones me causa Buda explotó por vergüenza, una película iraní que intenta reflejar el talibanismo, tendremos que verla y de las españolas me quedaré con Clandestinos, del mundo abertxale.

El año del remake y las sagas, vuelve Hulk, Rambo, Narnia, Funny games, Indiana Jones, Batman, The eye, Hellboy... Gran reflejo de la escasez de ideas y del miedo a la innovación, a estancarse en las mismas historias de siempre.

Desde Asia nos llegan ecos de algunas películas, ¿llegarán a estrenarse aqui? Muchas películas se quedan en el tintero por el monopolio de las grandes productoras que casi tienen los cines en propiedad, sigamos con Asia que me entra la vena reivindicativa, buena pinta tiene A man who was superman, dónde un hombre se cree un superhéroe que ha de proteger al planeta, A Frozen flower, un film histórico sobre la dinastía Koryo, y muchos más estrenos que podreís descubrir en Séptimo Vicio.

Yo seguiré buscando este cine y el otro cine, el raro, el bueno, el mejor y el malo, para que demos un pasito más allá del cine de siempre. Intentaré seguir pluralizando el blog. Bueno después de toda esta declaración de intenciones para 2008 este post se vuelve absurdo. Adios.

"La apatía es la solución, es decir, resulta más fácil abandonarse a las drogas que enfrentarse a la vida, robar lo que uno quiere que ganárselo, pegar a un niño que enseñarlo. Por otra parte el amor requiere esfuerzo, trabajo".

Negocios ocultos

2008-02-01T08:48:00.000+01:00

Dirección: Stephen Frears. País: Reino Unido. Año: 2002. Duración: 97 min. Género: Drama, thriller. Interpretación: Audrey Tautou (Senay), Chiwetel Ejiofor (Okwe), Sergi López (Sneaky), Sophie Okonedo (Juliette), Benedict Wong (Guo Yi), Zlatko Buric (Iván), Sotigui Kouyaté (Shinti), Abi Gouhad (Hijo de Shinti), Jean-Philippe Écoffey (Jean Luc), Jeffrey Kissoon (Controlador del taxi). Guión: Steven Knight. Producción: Tracey Seaward y Robert Jones. Música: Nathan Larson. Fotografía: Chris Menges. Montaje: Mick Audsley. Diseño de producción: Hugo Luczyc-Wyhowski. Dirección artística: Rebecca Holmes. Vestuario: Odile Dicks-Mireaux.

Esta vez tenía las ideas claras, quería ver esta película porque se habla muy bien de ella y, creanme, con razón. La inmigración no es cosa de broma y tiene más de ganas de vivir dignamente que de delincuencia, a pesar de los discursos de algunos sectores. En este caso es una historia ficticia pero, ¿por qué no puede ser real?

Okwe, un nigeriano ahogado por la inmensidad de Londres, trabaja de día de taxista y de noche de conserje de un Hotel de reputación ambigua, vive en un pequeño cuarto compartido con Senay, inmigrante turca. La monotonía de la vida de Okwe se rompe con el descubrimiento de algo asombroso en una de las habitaciones del hotel, sus consecuencias amenazarán a ambos personajes.

Es la dura narrativa lo que me ha impresionado, la cercanía de los personajes y por supuesto, la solvencia de Audrey Tautou como actriz, todo ello unido a una cámara cálida y cercana convierten a esta película en una obra estupenda para ver, pensar, debatir e inquietarse. No han buscado conmover al espectador con tópicos baratos, más bien uno se conmueve por la fuerza de la historia y por unos actores que nos regalan unas increibles actuaciones.

Los personajes los vamos conociendo según avanza la historia por lo que nos vamos a ahorrar las tediosas introducciones del cine moderno que dan masticada la historia al espectador, en este caso tenemos que estar atentos, sin perder detalle, pues los temas que tratan son complicados y variados, inmigración ilegal, falsificación de documentos, acoso laboral, indefensión del "sin papeles", desesperación por vivir...

Tras los créditos se nos queda un regusto amargo en el gaznate al recordar la hostilidad de las sociedades modernas hacía el colectivo foráneo que sólo buscan un sueño y se dan de bruces con una realidad opresiva que conlleva a una soledad insoportable, al final su mochila de viaje es aquel que está en su misma situación.

"...olvida ya de una vez ese estúpido sueño, lo nuestro se llama supervivencia..."

Crónicas

2008-01-31T08:54:00.000+01:00

Dirección y guión: Sebastián Cordero. Países: México y Ecuador. Año: 2004. Duración: 108 min. Género: Thriller. Interpretación: John Leguizamo (Manolo Bonilla), Damián Alcázar (Vinicio Cepeda), Leonor Watling (Marisa), José María Yazpik (Iván), Gloria Leyton (Esperanza), Camilo Luzuriaga (detective Bolívar Rojas). Producción: Alfonso Cuarón, Jorge Vergara, Guillermo del Toro, Bertha Navarro e Isabel Dávalos.Música: Antonio Pinto. Fotografía: Enrique Chediak. Montaje: Luis Carballar e Iván Mora. Diseño de producción: Eugenio Caballero. Vestuario: Mónica Ruiz Ziegler.

Ayer me atacó la indecisión, no me vaía capaz de elegir película alguna, estuve tentado entre el Niño de Barro, Crónicas, THX 1138, Time, End Game, Haven... miraba críticas, sinópsis, pero la desidia y el cansancio me tenían embotado, así que me obligué a decirme usando el infalible método del orden de lista, la primera y punto... ¡Et voilà! Acerté y me sorprendí de que esta película, Crónicas, me resultara totalmente desconocida... cuestión del azar en esta ocasión.

La ciudad de Babahoyo, Perú, está conmocionada por los asesinatos de el monstruo, un perturbado criminal que se dedica a matar a niños. Un grupo de periodistas encabezados por Manolo Bonilla (John Leguizamo) llegan para cubrir la noticia del entierro de tres de los niños a tiempo para asistir a un linchamiento popular, Manolo salva la vida del pobre que iba a ser ajusticiado. Ese hombre le propone a Manolo el reportaje de su vida, información del monstruo, a cambio de un reportaje que limpie su mancillado nombre.

Me he liado con la sinopsis, lo reconozco, pero no quería introducir un peligroso spoiler. Sorprende agradablemente la soberbia fotografía que adorna toda esta película, desde el primer frame. Un instante le vale al director para introducir la tensión, para emborracharnos con la trama. La arrolladora fuerza visual y el realismo de las actuaciones, tanto principales como secundarias y "de bulto" hacen que nos transportemos a las calles de esta ciudad y paseemos con sus gentes, que nos metamos en la piel de los reporteros que investigan el caso. Un realismo demoledor, inusual en el cine de hoy en día, ni tan siquiera en el periodismo actual tan drogado de sensacionalismo y politiqueo.

Damian Alcázar tiene a bien brindarnos una actuación espectacular, detallista, llegando a provocarnos la sensación de que nos está hablando al oido. El discurrir gira en torno a un reportaje periodístico, no policial, y esa diferencia hace que el thriller tenga un cariz más cercano al espectador.

De esas películas que te dejan imágenes tatuadas en la retina, que te provoca un aluvión de sentimientos y que dejan algunas preguntas en el aire. ¿Qué somos capaces de hacer por ambición? ¿Justicia o egoísmo?

"...él siente que tiene el poder, el control de todo..."

Mis películas, mis favoritas, mis debilidades

2008-01-29T22:10:00.000+01:00

Hoy me pesa la nostalgia, recuerdos del mejor cine. Voy a compartir con vosotros los trailers de algunas de las mejores películas que conozco, que no tienen porque ser las mejores de la historia, son simplemente las mejores para un Twister tontuno, algunas se resisten a que las critique, mi humildad no da para reseñar semejantes obras, otras como El Señor de los anillos, me dan pereza por su inmensidad, que mis críticas son chiquitas y romperían los moldes de esta cartelera, lo haré, con tiempo. Ahí van, despacito, con mimo...

El padrino

El golpe

El señor de los anillos

El bueno, el feo y el malo

Ciudad de dios

El hombre que nunca estuvo alli

Stalingrado

Por supuesto que hay más, por supuesto que mejores, pero estas son las que he elegido, todas, para mi, obras maestras. Disfrutén estos aperitivos.

The man from earth

2008-01-29T10:35:00.000+01:00

Título original: Jerome Bixby's The Man from Earth. Año: 2007. Duración: 87 min. País: Estados Unidos. Director. Richard Schenkman. Guión: Jerome Bixby. Música: Mark Hinton Stewart. Fotografía: Afshin Shahidi. Reparto: John Billingsley, Ellen Crawford, William Katt, Annika Peterson, Richard Riehle, David Lee Smith, Alexis Thorpe, Tony Todd, Steven Littles, Robbie Bryan, Chase Sprague. Productora: Falling Sky Entertainment.

Me gusta la ciencia ficción al estilo Asimov y Scott Card, una ciencia ficción cargada de filosofía y esta película es una fiel seguidora de esa corriente de pensamiento. Ciencia ficción sin escenografía, una historia narrada pero sumamente deliciosa. No me atrevo a recomendarla por su extrañeza, pero os aseguro que yo sigo fascinado por esta joya.

John prepara la mudanza, se va sin avisar, misteriosamente sus amigos se han enterado y se presentan en su casa pidiendo explicaciones, John se las dará, ¿podrán digerir la existencia de un hombre de más de 14.000 años?

Confieso que la sinopsis a mi me dejó intrigado, al recordar esta película uno sonrie ante la inteligencia del guión y esa trama que pasa inadvertida al principio y que te golpea con una inusitada fuerza cuando presientes hasta donde quieren llegar. Un guión que puede lavar conciencias o derribar las creencias menos fuertes, para mi una maravilla.

Las actuaciones no buscan sorprender buscan contar y el papel de David Lee Smith es extensísimo, con unos monólogos difíciles, aún asi me quedo con la actuación de Richard Riehle, resultón, una puntita de humor, genial. Es complicado buscar fallos en una cinta que te ha enamorado; mucho tiempo llevaba sin encontrar una película a la altura de mis humildes aspiraciones y esta cumple perfectamente, pura filosofía, ciencia ficción y algo de religión en la palestra, todo unos ingredientes de calidad para un gran cocktail.

El marco docto y sapiente de los personajes, el guión inconmesurable y una ambientación minimalista hacen de esta película una gran joya para disfrute de los más inquietos intelectualmente, pues ideará situaciones y jugará con la historia. Toda una lección de como hacer cine fantástico sin salir de una habitación, sin efectos especiales y sin un presupuesto extratosférico, pero claro poca taquilla tendrá esta película estando los aliens, los rockys, y las estrellitas de Hollywood... tenemos el cine que nos merecemos.

Os animo a verla, pero despejaditos y con ganas de pensar, pues es una película conversacional, una novela hecha cine.

Fresh

2008-01-24T08:53:00.000+01:00

Título original: Fresh. Año: 1994. Duración: 110 min. País: Estados Unidos. Director: Boaz Yakin. Guión: Boaz Yakin. Música: Stewart Copeland. Fotografía: Adam Holender. Reparto: Sean Nelson, Giancarlo Esposito, Samuel L. Jackson, Ron Brice, José Zúñiga, Luis Lantigua, N'Bushe Wright. Productora: Miramax.

En este mini ciclo de cine social que estoy haciendo me faltaba el mundo de la droga, el submundo tan castigado por la filmografía americana. Se hablaba bien de esta película de cine independiente y me he animado a verla en estos días inciertos donde un maldito virus está castigando mi ya sufrido esqueleto, asi que arropadito y con altas dosis de concentración me obligué a vencer el sueño para ver esta buena película.

Fresh es el correo de la droga de los camellos locales de Brooklyn, a sus doce años ya demuestra una inteligencia fuera de lo normal lo que le hace ganarse la confianza de los maleantes. La difícil situación familiar le hace jugar una especial partida de ajedrez con su vida, una partida demasiado compleja para un niño.

La frialdad de toda la película es exasperante, la vida de Fresh es precisamente eso, fría y eso para un niño es sumamente duro, el quiere mantener el control de su vida pero esa tarea es complicada en el mundo de la droga.

El breve papel de Samuel L. Jackson, modelando la mente de Fresh con sutileza es determinante en el desarrollo de la trama pero prescindible en el enfoque general, se agradece contar con él, pero se intuye que se ha hecho para contar con una base sobre la que iniciar el marketing. Contar con un actor de primera línea no hace que el resto de actores estén a la altura, en este caso algunas de las actuaciones se ven muy forzadas. No debemos olvidar que es una ópera prima y se notan algunas carencias y aún asi el resultado final es bastante bueno.

La fuerza inicial de la película, presentación de los personajes, algunos diálogos conseguidos, se pierde en cuanto el director, Boaz Yakin, se ahoga en la vida personal de los personajes, forzándo al espectador a participar de sus intimidades, eso diluye la atención en la trama que nos mantenía ensimismados, la utilización de un niño para los trapicheos. La resolución del argumento es demasiado infantil, demasiado fácil, demasiado irreal, pero el niñito Fresh (Sean Nelson) nos mantiene enganchados, tensos, expectantes...

Consigue su objetivo, que no es otro que entretener, pero abusa de los tópicos y de un vocabulario algo forzado que hace que un guión flojo se convierta en flojillo. Numerosos fallos estoy sacando a una ópera prima excelente que me he tragado sin respirar.

Disparando a perros

2008-01-22T09:06:00.000+01:00

Dirección: Michael Caton-Jones. Países: Reino Unido y Alemania. Año: 2005. Duración: 115 min. Género: Drama. Interpretación: John Hurt (padre Christopher), Hugh Dancy (Joe Connor), Dominique Horwitz (capitán Charles Delon), Clare-Hope Ashitey (Marie), Nicola Walker (Rachel), Louis Mahoney (Sibomana), David Gyasi (François), Jack Pierce (Mark), Steve Toussaint (Roland), Victor Power (Julius). Guión: David Wolstencroft; basado en un argumento de Richard Alwyn y David Belton. Producción: David Belton, Pippa Cross y Jens Meurer. Música: Dario Marianelli. Fotografía: Ivan Strasburg. Montaje: Christian Lonk.Diseño de producción: Bertram Strauss. Vestuario: Dinah Collin.

Hutus y Tutsis protagonizan esta terrible historia, yo he tenido un mal dormir por ello, me ha recordado el cinismo del mundo occidental, en Irak, Bosnia y Kosovo intervienen por cercanía o motivos económicos, pero en Rwanda abandonan el pais a su suerte, más que el pais abandonan a su gente, una sociedad que ha sido condicionada mental y políticamente por las antiguas colonizaciones salvajes de los blancos europeos. Este párrafo extraido de la wikipedia lo dice todo:

"El genocidio fue financiado, por lo menos en parte, con el dinero sacado de programas de ayuda internacionales, tales como la financiación proporcionada por el Banco Mundial y el Fondo Monetario Internacional bajo un Programa de Ajuste Estructural. Se estima que se gastaron 134 millones de dólares en la preparación del genocidio -- ya de por sí una de las naciones más pobres de la Tierra -- con unos 4,6 millones de dólares gastados sólo en machetes, azadas, hachas, cuchillos y martillos . Se estima que tal gasto permitió que uno de cada tres varones hutus tuviera un machete nuevo"

En 1994 la ONU ordena la retirada de tropas de la escuela técina de Kigali y eso origina la masacre de 2500 Tutsi a manos de la mayoría Hutu, esta es el relato de aquella matanza.

Contar con John Hurt para esta historia es un regalo impagable, le da fuerza al relato, a pesar de interpretar a un misionero católico, con los prejuicios que eso me genera. El guión gira en torno a esta terrible realidad sólo adornado con algún intento forzado para lograr todavía más dramatismo, pero podemos decir que es extremadamente fiel a la realidad, incluso en el afán del padre católico de capear el temporal a base de rezos.

Sigo conmocionado por esta película, la ambientación, la música, la cámara... Todo milimetrado para conseguir el efecto deseado, un sentimiento de impotencia y horror. Es cierto que pierde credibilidad en algunos compases, ganándola con crudas imágenes casi más periodísticas que cineastiles.

Terrible crítica de un genocidio rodada con corrección, sin genialidad, pero no siempre en el cine buscamos obras maestras, también buscamos denuncias, realidades palpables. Poco importa si los Tutsi golpearon primero, o fueron los Hutus, o fueron los belgas, lo que importa es que pasó y los grandes ejércitos, esos que han secuestrado la defensa de la paz mundial, ni siquieran miraron para otro lado, miraban, veían, comprendían y esperaban, ¿por qué?

No busquemos una joya del cine, busquemos aprender, saber la verdad, esto ocurrió, y en esta cinta se encargan de contarlo bien, quizás adornado con un discurso católico aberrante. Después de verla uno siente que esta película es de visionado obligatorio a pesar de algunas evidentes carencias, sigo horrorizado.

"En Bosnia veía a las mujeres muertas en la calle y lloraba, cualquiera podría ser mi madre, pero aqui, aqui sólo son africanos muertos"

Tsotsi

2008-01-21T11:47:00.000+01:00

Dirección: Gavin Hood. Países: Reino Unido y Sudáfrica. Año: 2005. Duración: 94 min. Género: Drama. Interpretación: Presley Chweneyagae (Tsotsi), Terry Pheto (Miriam), Kenneth Nkosi (Aap), Mothusi Magano (Boston), Zenzo Ngqobe (Butcher), Zola (Fela Ndlovu), Rapulana Seiphemo (John), Nambitha Mpumlwana (Pumla), Jerry Mofokeng (Morris), Ian Roberts (Capitán Smit), Percy Matsemela (Zuma).Guión: Gavin Hood; basado en la novela "Tsotsi" de Athol Fugard. Producción: Peter Fudakowski. Música: Mark Killian y Paul Hepker. Fotografía: Lance Gewer. Montaje: Megan Gill. Diseño de producción: Emelia Weavind. Dirección artística: Mark Walker. Vestuario: Nadia Kruger y Pierre Vienings.

Unos delirios febriles me han tenido este fin de semana atadito al sofá en las montañas segovianas con menos dosis de cerveza de las habituales y probando un chacharro nuevo que me han regalado en estas fiestas, un Dvd portátil, una maravilla, asi me puedo llevar el cine conmigo. Tenía muchas ganas de ver esta película tan renombrada y premiada, Totsi, y esa espinita ya me la he quitado, merece la pena verla por la temática social aunque carezca de maestría cineastil, fría, seca, huidiza, simplona, típica...

Tsotsi es un joven sin conciencia que vive en una de las barriadas que rodean Johannesburgo, lidera una pequeña pandilla de delincuentes de poca monta. En uno de sus golpes Tsotsi roba un BMW con un bebito dentro. Ese pequeño niño le enseñará una lección, la responsabilidad de tener a alguien a tu cargo...

Estamos ante la película ideal que resulta interesante y no pasa de regular, es la forma de hacer cine intentando impactar pero manteniendo las formas de lo políticamente correcto, algo que ni de lejos se acerca a la cruda realidad. Tsotsi tiene un pasado olvidable y nos lo presentan como un maleante con una conciencia dormida y, a pesar de la correcta actuación de Presley Chweneyagae, con un futuro predecible desde los primeros compases.

Me esperaba una cinta más crítica, más ahogada en los suburbios y no tan centrada en la persona del personaje principal quizás es mi lado detectivesco el que se ha sentido más defraudado por esta película. Se repite el mismo error de muchas producciones, un buen empiece nos inocula una gran tensión y expectación que se va esfumando con el correr del metraje y por la incansable búsqueda de algunos anticuados directores del lagrimeo y el impacto visual simplón, tocando la moral del espectador.

Un guión cargado de frases demoledoras que, adornado con alguna que otra buena imagen, posiblemente la llevó a ganarse el Oscar a la mejor película extranjera en 2006, a mi juicio, sin merecerlo por buscar lo fácil; premiar la falta de ideas nunca me ha parecido correcto y ese es otro mal endémico del cine comercial con sus guiones prefabricados que olvidan el arte y se insolan con los dineros de las taquillas a base de productos de menor calidad, y luego los cines vacíos...ah claro la piratería!

Saben llevar la historia correctamente e introducir pequeñas píldoras de marginalidad que llegan a conmover, más por el marco social de la cinta que por el buen hacer de los personajes. Esa descompensación social en unos metros, del rico al pobre, de la alegría al hambre hacen reflexionar y ahí es donde está el acierto del director, por lo demás no deja de ser un producto repetitivo y con un final para marujas de cinco de la tarde.

La isla de los condenados

2008-01-15T08:59:00.000+01:00

Título original: The Condemned. Año: 2007. Duración: 113 min. Pais: Estados Unidos. Director: Scott Wiper. Guión: Scott Wiper, Rob Hedden (Historia: Andy Hedden, Scott Wiper, Rob Hedden). Música: Graeme Revell. Fotografía: Ross Emery. Rerparto: Steve Austin, Vinnie Jones, Robert Mammone, Victoria Mussett, Rick Hoffman, Christopher Baker, Samantha Healy, Madeline West, Luke Pegler. Productora: Lions Gate Films.

Ayer tenía la convicción de que quería ver una película de acción para resetear mis castigadas neuronas y pasar un rato divertido viendo hostias como panes, incluso con esas convicciones esta película no es la adecuada, han querido globalizar la maldad con el morbo, atándolo con la cuerda del servicio secreto, para adornarlo todo con discursos baratos cargaditos de moralinas que dicen lo que quieren oir por allá o, peor todavía, que te dicen como quieren que pienses. El resultado de todo esto es una montaña enorme de despropósitos malolientes sacados de la más vil alcantarilla, pero ojo algo entretiene que yo me la tragué enterita.

Un ricachón quiere hacer un programa distinto, un reality show violento y real; para ello junta en una isla a 10 condenados a muerte con la libertad y absolución como premio, el reality será retransmitido por internet.

Poco más de argumento puedo incluir en la sinopsis, es lo que hay, casi nada. Me sorprendo tremendamente cuando las campañas de marketing se centran en promocionar sub-productos como éste que no merecen más categoría que la que pueda tener un buen rollo de papel higiénico. Supongo que ante la huelga de guionistas algunas cintas las escriben en los patios de colegio, ni eso, daría mejor resultado.

Ni siquiera en el argumento han sido originales pues recuerda peligrosamente a Battle Royale y a Dead or Alive (ambas anteriores y ambas realitys en una isla dónde sólo puede ganar uno, curioso no? ahh y ambas de acción)

Estropear una cinta de acción, que ha de ser simplemente eso, al estilo de las primeras de Van Damme, con un apestoso thriller sin trama y bastante transparente y cargar al espectador con escenitas sensibleras que buscan el lagrimeo y, por supuesto, introducir un par de malos malísimos sacados de algún infierno amoral nos transporta a las peligrosas arenas movedizas de los telefilmes; que no falte la parrafada con los personajes en silencio, voz quasi off, ensalzando ciertos valores morales, ¡ay! todavía me da algún escalofrío. El cine, señor director, no ha tiene por qué estar salpicado de pensamientos reales, puede ser todo pura ficción.

Sigamos destripando, la cámara es mareante, no se está quieta en las escenas de acción, las que yo quería ver, se marea uno; el montaje se convierte en chapuza, de esas que ni regaladas las queremos, en el momento en que cortan los escasos momentos que nos interesan y los sustituyen por los entresijos del reality. Me explico, como si en el Gran Hermano te pusieran lo que hace el cámara y no los chavales que están siendo filmados. Los primeros 30 minutos de la película puedo encajarlos perfectamente, y lo haré, en el saco de la mayor basura que he visto en mi vida.

Creo que ya podeís haceros una pequeña idea de qué me ha parecido esta película, no sigo que se me están agarrotando hasta los dedos. Cero patatero.

This is England

2008-01-13T21:50:00.000+01:00

Dirección y guión: Shane Meadows. País: Reino Unido. Año: 2006. Duración: 98 min. Género: Drama. Interpretación: Thomas Turgoose (Shaun), Stephen Graham (Combo), Jo Hartley (Cynth), Joe Gilgun (Woody), Andrew Shim (Milky), Vicky McClure (Lol), Rosamund Hanson (Smell), Andrew Ellis (Gadget), Kieran Hardcastle (Kes), Jack O'Connell (Pukey Nicholls). Producción: Mark Herbert.Música: Ludovico Einaudi. Fotografía: Danny Cohen. Montaje: Chris Wyatt. Dirección artística: Mark Leese.Vestuario: Jo Thompson.

Esperaba enfrentarme a una película tipo I.D. o Hooligans de fascios futboleros, maleantes y farrulleros, pero esta película es distinta, es un drama alrededor de la experiencia de un niño con un grupo skin. Siempre que se habla de skin-heads tendemos a confundirlos con nazis o fascistas. Agradezco a Gonza que me sacara de esas erróneas conclusiones, los skin surgieron con la fusión de los rude boys jamaicanos con los mod ingleses, en esta sencilla película podemos ver la diferencia entre ambas definciones.

Shaun (Thomas Turgoose) a sus 12 años es un chico solitario, triste por la muerte de su padre en la guerra de las Malvinas. Un grupo skin le saca de la monótona vida que lleva, le acogen y le dan su amistad. El pequeño grupo de amigos se verá sacudido por la llegada de Combo (Stephen Graham), un skin racista, que cambiará la dinámica del grupo de amigos con consignas nacionalistas.

Esta película deja un sabor de boca amargo, una tristeza embriagadora, no por la historia, que las hay más duras y ya estamos inmunizados, más bien por la espantosa realidad de la misma, por las consignas políticas que arrastran a muchos jóvenes. No es una crítica al movimiento skin, es un llanto por el movimiento racista.

Los actores Thomas Turgoose y Stephen Graham realizan unas interpretaciones impresionantes y eso contribuye a aumentar la calidad de la obra, que ya se ha llevado unos cuantos premios de festivales independientes. Es Thomas el culpable de que nos perdamos en la pantalla, buceando en esta vibrante narrativa, sin desperdicio, que acompañada con una música correctísima hacen de esta película algo digno de ver.

La visión del movimiento skin que nos muestran es la de un movimiento inculto, soez y arrollador vista a través de los tristes ojos de Shaun, el niño-hombre perdido en el rídiculo mundo de los adultos.

El resultado final, bajo el marco de la Inglaterra de la Tacher, es una película difícil de digerir, áspera y que posiblemente no gustará a todos los públicos, pienso que está dirigida a la gente con inquietudes sociales, críticas y ávidas de conocimiento. Incluso siendo pesada me ha gustado, mi amigo Mikel me ha envenenado con su pasión por este tipo de cine y ya no hay cura posible, veanla y discutimos.

Una tapita de bandas sonoras

2008-01-13T10:42:00.000+01:00

American gangster

2008-01-09T09:27:00.000+01:00

Dirección: Ridley Scott. País: USA. Año: 2007. Duración: 157 min. Género: Drama policiaco. Interpretación: Russell Crowe (Richie Roberts), Denzel Washington (Frank Lucas), Chiwetel Ejiofor (Huey Lucas), Cuba Gooding Jr. (Nicky Barnes), Josh Brolin (detective Trupo), Carla Gugino Laurie Roberts), John Hawkes (Freddie Spearman), Ted Levine (Lou Toback), Armand Assante (Dominic Cattano), Common (Turner Lucas), John Ortiz (Javier Rivera). Guión: Steven Zaillian. Producción: Brian Grazer y Ridley Scott. Música: Marc Streitenfeld. Fotografía: Harris Savides. Montaje: Pietro Scalia. Diseño de producción: Arthur Max. Vestuario: Janty Yates.

El cine parecía tener olvidadas a las mafias, Ridley Scott me ha hecho soñar de nuevo con el cine de gangsters, ¡si señor! Empezar el año con una película como esta es hacerlo con buen pie, esperemos que otros estrenos no defrauden, Los crímenes de Oxford, El mundo no es para viejos, El último tren a Auschwitz, John Rambo, Clandestinos, Sweeney Tood, El caballero oscuro, .... y muchas más parecen augurar un año de buen cine.

Nueva York es un estercolero maloliente de policías corruptos y delincuentes dónde la mafia campa a sus anchas sobornando desde jueces hasta comisarios. En esa ciudad Frank Lucas (Denzel Washington) quiere vivir su sueño americano escalando en la vida criminal con pericia. Richie Roberts (Russell Crowe) es un astuto policía que intuye un cambio en el hampa e intenta luchar para evitarlo.

Ni siquiera Promesas del Este tiene este toque corleniano que apreciamos en esta película, más al estilo del cine de los 80. Ridley ha sabido huir de las insufribles moralinas que inundan el cine criminal de Hollywood y a filmado una obra correctísima que entretiene desde el primer minuto. La ambición de Frank y su inteligencia las retrata a la perfección el camaleónico Dezel Washington en una gran actuación.

El guión merece una seria alabanza y más en estas tempestades de protestas en las que las productoras mantienen su posición dominante y explotadora, el futuro cercano del cine americano está en manos de los guionistas, ¿cuantos estrenos quedan en la chistera a los colosos magnates? En American gangster el guión es soberbio, curradito, de esos que llegan al espectador por su dureza y claridad.

Esta historia se basa en una historia real, el gran problema de la corrupción policial neoyorquina durante la guerra de Vietman, las consecuencias políticas de la guerra y el auge de la drogodependencia en la sociedad, tanto civil como militar, son el escenario para esta joyita del cine mafioso y eso genera un argumento fuerte y verosímil, que Ridley Scott aprovecha sabiamente.

Es más una historia humana que de organización, quizás por la fortaleza del papel de Russell que obliga a un tapado de la vida de Frank. Para no perder detalle de nada y sobretodo para disfrutar de esta maravillosa película, a pesar de su duración.

Soy leyenda

2008-01-08T12:02:00.000+01:00

Dirección: Francis Lawrence. País: USA. Año: 2007. Duración: 101 min. Género: Drama, ciencia-ficción. Interpretación: Will Smith (Robert Neville), Alice Braga (Anna), Dash Mihok (Macho Alpha), Salli Richardson (Zoë), Willow Smith, Charlie Tahan (Ethan). Guión: Mark Protosevich y Akiva Goldsman; basado en la novela de Richard Matheson. Producción: Akiva Goldsman, James Lassiter, Erwin Stoff, David Heyman y Neal Moritz. Música: James Newton Howard. Fotografía: Andrew Lesnie. Montaje: Wayne Wahrman. Diseño de producción: Naomi Shohan. Vestuario: Michael Kaplan.

Por estrañas razones maritales accedí a ver esta película, digo extrañas porque yo quería ver American Ganster, al final la vi solito, pero mi proposición no fue tenida en cuenta en ningún momento, me quedo con la segunda con los ojos cerrados, Soy leyenda puede pasar por fugaz entretenimiento, tan tan tan fugaz como prescindible, pero c'est la vie, tocó verla e intentar disfrutarla para acabar pidiendo la hora como los futboleros.

Un terrible virus ha infectado al mundo, un virus que saca la violencia interior y la multiplica, Robert Neville (Will Smith) un brillante científico es inmune a esta desgracia y ahora busca desesperado supervivientes y una cura para el terrible mal.

Mi esperada desilusión no está en la actuación de Will Smith, que siempre me recuerda a Tom Hanks al buscar personajes adecuados a su perfil y no adecuarse él al perfil del personaje, ahí es donde se demuestra el buen hacer, lo otro es simplemente tener caché para elegir; mi desilusión está en que esta vez me esperaba una película alejada de los discursos baratos y un director, Francis Lawrence, que busca conmover y no narrar, que no se tirara por lo fácil; no soñaba yo con un guión que bien podía estar colgado en un tablón de anuncios de algún tabloide inglés. Defraudado me he quedado con esta película, que no estafado.

Destaco el argumento, sacado de la novela escrita por Richard Matheson en 1954, y quizás las fantásticas imágenes de Nueva York devastada. La actuación de Will Smith es resultona, poco más, si bien llega a conmover al espectador, en mi caso ostentosamente aburrido tras los primeros 30 minutos de buen cine, transformados en 100 minutos de ñoñerías, lagrimeos y bostezos.

En fin, discutible su calidad, discutible sus actuaciones, pero indiscutible su aburrimiento. No sigo, que me vuelvo a enfadar, ¡feliz año de nuevo a todos en este mi primer post del 2008!.

Recordando 2007 en 365 palabras

2007-12-28T09:37:00.000+01:00

Os debo un montón de críticas (Syriana, Distrito 13, Sangre Fácil, Cédula Terrorista, Casino, El padrino, El señor de los anillos, Pulp Fiction... y más que no me acuerdo), os debo un agradecimiento por la fidelidad que mostraís, os debo... Ahí va mi 2007 en 365 palabras, de cine claro:

Un año que empieza con la muerte de Superman (Hollywoodland, largo thriller, buenas actuaciones) y termina con la vuelta de Ridley Scott arropando a Russell Crowe en American Ganster (ansioso por verla estoy) no puede decepcionar, aunque el cine español se quede en un aprobado ramplón, salvándose por La caja Novak y Bosque de sombras (El orfanato es más marketing que calidad, aunque guste, y Las trece Rosas en los Goya suene a broma navideña).

Acabando el invierno Mel sorprende con Apocalypto, muchos detractores tiene esta salvaje historia que a mi me impactó y maravilló, pero se queda eclipsado ante las maravillasosas La vida de los otros, La ciencia del sueño y Cartas desde Iwo Jima, obligatorias para todo buen cinéfilo. Llega la primavera calentado motores, 300, Shooter, Zodiac, Oceans Thirteen, Disparando a perros, Sherk 3, El buen pastor… para que sudemos en Verano, en Springfield, con la rata, persiguiendo al bueno de Bourne y aplaudiendo al maestro Tarantino que vuelve con Death proof.

Con el frío viene el marketing de nuevo para que nos calentemos en los cines o quememos la mula, geniales Promesas del Este y Persépolis, pero hay muchas más: Shoot’em up y Hitman para esquivar balas, épicas con Beowulf y el Arca de Noé y las familiares de todos los inviernos.

Un año que deja buenas cosas, un año que promete remakes de gran parné ante la escasez de ideas de las grandes productoras agobiadas por el cine independiente, que gana adeptos, y preocupadas por Asia y sus ideas, poco a poco se vencen los mitos de España es así y una de chinos.

Todo no es regocijo en el año en que los artistas españoles cobrarán un impuesto por vender productos que no tienen porque gustar al público llano, entre la ley del cine y el canon audiovisual yo me siento atracado, de subvención a manutención va una distancia que quieren salvar sin ideas culturales que vender.

Soñando con un año de buen cine que los Cohen dicen que no es para viejos pisaremos con fuerza en Enero para no perder pie entre turrón y cine, esperemos del bueno y del malo, en la diversificación está la calidad.

¡¡Feliz Año!!

Promesas del este

2007-12-18T09:54:00.000+01:00

Dirección: David Cronenberg. Países: Reino Unido, Canadá y USA. Año: 2007. Duración: 100 min. Género: Drama, thriller. Interpretación: Viggo Mortensen (Nikolai Luzhin), Naomi Watts (Anna Khitrova), Vincent Cassel (Kirill), Armin Mueller-Stahl (Semyon), Sinéad Cusack (Helen), Jerzy Skolimowski (Stepan). Guión: Steve Knight. Producción: Paul Webster y Robert Lantos. Música: Howard Shore. Fotografía: Peter Suschitzky. Montaje: Ronald Sanders. Diseño de producción: Carol Spier. Vestuario: Denise Cronenberg.

En algunos círculos dicen que es la mejor película del año, tengo mis dudas al respecto, demasiado corta para tan buena historia y tan meritorio montaje y guión. Podríamos situarla a las espaldas de La vida de los otros y Persépolis. Es buena, muy buena, y agradezco a Paton su recomendación. Una película de mafiosos, mi género favorito, contada con excesiva frialdad pero denunciando una situación demasiado real y con una monumental actuación de Viggo Mortensen.

Una joven pide ayuda, en el hospital consiguen salvar a su hijo pero no a ella. Anna la comadrona quiere buscar a la familia de la joven para evitar que el bebito entre en la red social de asistencia, esa búsqueda la conduce a Semyon, un restaurador encantador que le brinda todo su apoyo. Semyon es mucho más de lo que parece ser y Anna poco tardará en descubrirlo, mezclarse con la mafia rusa...

Dos minutos tardamos en ser absorbidos por una narrativa agresiva, dos minutos más bastan para dejarnos perplejos por un argumento huracanado, feroz. David Cronenberg busca engatusarnos con imágenes más que con un rebuscado guión, de ahí la genialidad de esta cinta. El guión, discreto, revolotea sobre la historia distraido para lanzarnos perlas envenenadas para atraernos más y más consiguiendo que no perdamos detalle alguno.

Hay historia para tres horitas de película, son tantas las cosas que quieren contarnos que se me hace corta y el resultado final queda algo descafeinado, ¿posible segunda entrega? Destacable por encima de todo Viggo Mortensen, increible caracterización del personaje y toda una lección de seriedad interpretativa.

Muestra la poco sutileza de la mafia, al más puro estilo Casino o Godfellas, ¿para que escondernos? La línea recta es el camino más corto entre dos puntos, eso lo deja claro el jefe Seymon, para mi uno de los lemas de la mafia y David Cronenberg así lo refleja. El único problema, por bucarlo, adrede, con alevosia, es que nos deja a medio cocer. Le falta un empujoncito para ser perfecta, le falta la brutalidad de El clan de los irlandeses, la inteligencia de Muerte entre las flores y el acabado de Godfellas, pero no lo olvidemos, es buena, muy buena, y hay que verla.

Idiocracia

2007-12-17T09:23:00.000+01:00

Dirección: Mike Judge. País: USA. Año: 2006. Duración: 84 min. Género: Comedia. Interpretación: Luke Wilson (Joe Bauers), Maya Rudolph (Rita), Dax Shepard (Frito), Anthony Campos (Secretario de Defensa), David Herman (Secretario de Estado), Sonny Castillo, Kevin McAfee (Bailiff), Robert Musgrave (Keller), Ryan Melton, Justin Long (doctor), Patrick Fischler, Darlene Hunt. Guión: Mike Judge y Etan Cohen; basado en un argumento de Mike Judge. Producción: Mike Judge y Elysa Koplovitz. Música: Theodore Shapiro. Fotografía: Tim Suhrstedt. Montaje: David Rennie. Diseño de producción: Darren Gilford. Vestuario: Debra McGuire.

A las nueve de la mañana y a 4 grados bajo esperando a que un soñoliento mecánico tenga a bien cambiar dos ruedas a mi maldito coche perdí toda iniciativa y decidí, unilateralmente, que iba a ser un sábado de cine, arropaito, con palomitas y algo calentito para beber, tres horas en la calle bajo temperaturas polares tienen ese efecto en mi, un fiel defensor de temperaturas elevadas. Tres películas me vi, las tres de regulares a pésimas, la primera, Idiocracia, la peor de las tres, con diferencia. Se salvo de acabar en la basura el chirriar de mi entumecido esqueleto.

La humanidad se está volviendo estúpida, tonta con pleno significado, el ejército investiga para ponerle solución. El plan es la hibernación, para probar los primeros prototipos encuentran dos "voluntarios" no del todo modélicos, Joe y Rita. Cuando despiertan de la hibernación comprueban que la evolución inversa a transformado a la humanidad en una mar de ineptitud.

La sinopsis resulta atractiva prometiendo un buen argumento, mentira. Estamos ante el mejor ejemplo de mal guión, mejor dicho lamentable, horroroso, montaje chapucero y narrativa vergonzosa, pésima. A pesar de todo consigue hacernos llegar el mensaje, tanta comodidad, tanto relajar nuestro intelecto puede llevarnos al desastre, ¿qué pensaís? Yo pienso que es bastante probable, tanto nos especializamos en una única cosa que hasta cambiar una bombilla va a requerir un profesional. Para contarnos esta reflexión construyen una montaña de tópicos y sandeces que nos conduce al lado más oscuro del aburrimiento, un té con pastas con tu vecina octogenaria te deparará más emociones que esta película.

Mi enfado no está en la calidad de la película, está en el destrozo de un argumento que prometía, de una idea interesante y en una narrativa que ronda peligrosamente la descalificación del espectador. Sin embargo la puñetera película tiene un nosequé que nos deja sentaditos sufriendo hasta que termina, tan tan tan aburrida no es, bahh! Entretenidilla

Rebuscando y cogidita con pinzas podríamos quedarnos con la actuación de Dax Shepard, bufff que pena de argumento echado a perder en una pseudo-comedia, trilladita, todo sea dicho, en Hollywood.

La fuga de Segovia

2007-12-13T23:40:00.000+01:00

Título Original: La fuga de Segovia. Año: 1981. Duración: 115 min. Pais: España. Director: Imanol Uribe. Guión: Angel Amigo, Imanol Uribe. Música: Xabier Laza, Amaia Zubiria. Fotografía: Javier Aguirresarobe. Reparto: Xabier Elorriaga, Mario Pardo, José Pedro Carrión, Guillermo Montesinos, Patxi Bisquert, Ovidi Montllor, José María Muñoz. Productora: Frontera Films Irún S.A.

En esta España que se rompe, que dicen, en esta España apátrida, que dicen, en esta España que no respeta las costumbres y tradiciones, que anula las identidades del que quiere sentir como propias unas raices quasi-prohibidas, que digo yo, en esta España es normal que esta película no gustara, pues a mi me ha gustado, me ha emocionado la exasperante objetividad de la narración, con un respeto ofensivo, sobre la fuga, real, de estos 29 presos de ETA y del MIL (Movimiento Ibérico de Liberación), terroristas y criminales; pero la verdad, la historia ahí está y podemos contarla, Imanol Uribe lo hace cámara en mano. Este despropósito de demonizar lo vasco o lo catalán y negarles su lengua y su folclore es, de tan ridículo, vergonzante y humillante, ¡vale ya!

En Abril de 1976 un grupo de presos de diversas bandas terroristas se escapan de la cárcel de Segovia adelantándose a la amnistía que sucedió a la caíde del régimen dictatorial de Franco y esta película relata esa histórica fuga.

Es la narrativa imparcial la causa de que se disfrute esta película, los aires setenteros y la música, homenaje a la cultura vasca, crean el clima perfecto. Carece de actuaciones para recordar y abusa de un discurrir monótono pero está tan bien enfocada que nos deja esa sensación de deleite tras haber disfrutado de un rato ameno, llevándonos aprendido algo de historia, algo que pasó realmente.

Sin la pomposidad y exageración del cine americano, que tiene trillado esta historia de las fugas (Fuga de Alcatraz, Evasión o Victoria, Cadena Perpétua, La gran evasión...) se puede conseguir un resultado aceptable, seamos sensatos con el cine español que ante la ausencia de millonarios presupuestos han de buscarse las mañas para que el barco llegue a buen puerto.

El buen trabajo fotográfico y unos decorados trabajados generan una buena atmósfera de la que respira el argumento. Lo mejor, la música, lo peor, que fue una hecho real.

Sympathy for lady Vengeance

2007-12-13T10:32:00.000+01:00

Dirección: Park Chan-Wook. País: Corea del Sur. Año: 2005. Duración: 112 min. Género: Drama, thriller. Interpretación: Lee Yeong-ae (Lee Geum-ja), Choi Min-sik (Sr. Baek), Tony Barry (padrastro), Oh Dal-soo (Sr. Chang), Anne Cordiner (madrastra), Go Su-hee (Ma-nyeo), Kim Hye-jeong (Woo So-young), Kim Byeong-ok (sacerdote), Kim Shi-hoo (Geun-shik), Kwon Yea-young (Jenny). Guión: Jeong Seo-gyeong y Park Chan-wook. Producción: Lee Chun-yeong, Lee Tae-hun y Cho Young-wuk. Música: Cho Young-wuk. Fotografía: Jeong Jeong-hun. Montaje: Kim Jae-beom y Kim Sang-beom. Diseño de producción: Jo Hwa-seong. Vestuario: Jo Sang-gyeong.

Ayer mi duda era ver J.S.A. (Joint Security Area) o Sympathy for lady Vengeance, ambas de Park Chan-Wook, eso lo tenía claro, ya tocaba. Con esta película termina la Trilogía de la venganza de la cual Oldboy forma parte y como ésta me dejó fascinado en cuanto ha caido en mis manos la siguiente raudo la he visto. Carece de la fuerza de su predecesora pero el resultado es excelente y el trabajo visual terrorífico.

Lee Geum-ja es condenada a 13 años de carcel por el secuestro y asesinato de un niño cuando tenía 20 años, esa acusación será el detonante de una terrible venganza, fraguada a fuego lento durante todos esos años de presidio y Lee Geum-ja la ejecutará sin vacilación.

Es la brillante interpretación de Lee Yeong-ae (Lee Geum-ja) la verdadera sorpresa de esta violenta narración hilada con un guión entretenido y original (dentro de las cotas de la venganza), aburrida en breves momentos pero impactante y desgarradora en su conjunto. La venerable habilidad de Park Chan-Wook para recrear un universo visual capaz de transmitir la sensación precisa adornada con la música perfecta podemos apreciarla en esta cinta pasional.

Con Oldboy yo esperaba una película de acción extrema, tópicazo asiático, pero me encontré con una cinta que me provocó un esfuerzo mental sorprendente, en este caso la perspectiva de la venganza es diferente, desde los cimientos de ésta hasta la decoración de interiores, poco a poco nos van destapando cómo lo van a hacer. Pequeños saltos al pasado en la narración van difuminando los huecos en la trama y marcan el camino para la traca final calculada durante 13 años...

Unas interpretaciones minuciosas y brillantes terminan de adornar esta gran película, menos que su predecesora pero mucho más que muchas otras películas, yo encantado de haberla visto.

Redacted

2007-12-12T09:12:00.000+01:00

Dirección y guión: Brian De Palma. País: USA. Año: 2007. Duración: 90 min. Género: Drama bélico. Interpretación: Izzy Diaz (Angel Salazar), Daniel Stewart Sherman (B.B. Rush), Patrick Carroll (Reno Flake), Mike Figueroa (sargento Jim Ross), Ty Jones (Sweet), Rob Devaney (McCoy), Kel O'Neil (Gabe Blix), Zahra Kareem Alzubaidi (Farah), Bridget Barkan. Producción: Simone Urdl, Jennifer Weiss y Stephen Traynor. Fotografía: Jonathan Cliff. Montaje: Bill Pankow. Diseño de producción: Phillip Barker. Vestuario: Jamila Alaeddin.

Con el objeto de denunciar una acción deleznable cometida por soldados del ejército de Estados Unidos en Irak Brian de Palma rueda esta película. Este tipo de cine me atrae e intento buscar tiempo para ver alguna de vez en cuando y en este caso he acabado con un enfado soberano, no por que la cinta sea mala sino por el lenguaje usado que me recuerda el cinismo político y, en muchos casos, periodístico que rodea esta guerra innecesaria. La denuncia que hace De Palma es correcta pero bastante superficial, me esperaba que trataran el tema con más profundidad. Decepción puede ser mi valoración final.

En marzo de 2006 un grupo de soldados violó y mato a una joven iraquí y también a toda su familia en la localidad Mahmudiya, esta película es una denuncia de ese hecho, un retrato de las experencias de los soldados que intervinieron, los que no intervinieron y lo permitieron y de los que callaron.

El montaje me ha disgustado al estar en formato de falso-periodismo o pseudo-documental, simulando estar rodada por los mismos protagonistas de la historia cámara en mano. Esta fórmula elegida siempre me ha parecido incómoda de ver pués deja a un lado la labor fotográfica y la ambientación buscada es la hiper-realidad, así ni se consiguen buenas películas ni buenos documentales pues es pura ficción rodada con aires de realismo.

Hablaba antes de lenguaje políticamente correcto, mi duda es si De Palma ha querido dar la versión que ha utilizado la prensa o su versión, de ahí mi enfado, no se posiciona pero si da a entender una posición que yo no comparto, ¿por qué un iraquí que pone una bomba contra unos militares invasores es un terrorista y un militar que dispara cohetes en su carro blindado es un soldado o pertenece al ejército por la libertad? ¿por qué los que se oponen a que invadan tu pais por la fuerza y te impongan un gobierno acorde a las ideas del invasor son insurgentes y no defensores de su pais o patriotas? Estas preguntas no las resuelve, no las plantea siquiera, se limita a una versión dialogada de testosterona americana enlatada en espécimes yankis de la raza humana.

El salto entre video familiar y reportaje periodístico es bastante molesto, la falsedad de la versión iraki sobre la versión americana me hace pensar en el hecho de que en aquellas salas cinematográficas americanas o ruedas algo políticamente correcto, allá que no acá, o tienes aseguradas butacas vacías en los cines. Indignación y cabreo me esta insirando el recuerdo de esta película, si esa era la meta que perseguía Brian chapó, lo ha conseguido, no podemos quedarnos indiferentes tras ver esta película o seríamos simples amebas.

Se echan en falta actores con fuerza, pero estropearían la idea de documental y soldados anónimos, ¿que gran estrellita de Hollywood iba a aceptar un proyecto semejante? A pesar de esta reseña sanguinaria la película está muy bien, entretiene, hace pensar... que más.

Espero impaciente que alguien ruede una película desde la perspectiva de Irak, más profunda que Irak, el valle de los lobos, y sus ciudadanos masacrados e invadidos por el único pais de este maldito planeta que ha usado armas de destrucción masiva contra otro pais, ese pais que nos quiere vender su política como la única posible. ¡No a la guerra!, ese grito es el que arranca esta película, bravo Brian de Palma...

Lilja 4-ever

2007-12-11T09:05:00.000+01:00

Título original: Lilja 4-ever. Año: 2002. Duración: 109 min. País: Suecia, Dinamarca. Director: Lukas Moodysson. Guión: Lukas Moodysson. Música: Nathan Larson. Fotografía: Ulf Brantås. Reparto: Oksana Akinshina, Artiom Bogucharskij, Pavel Ponomarev, Elina Beninson, Ljubov Agapova. Productora: Coproducción Suecia-Dinamarca; Memfis Film AB.

Llevo ya minutos buscando inspiración para empezar la reseña de esta película, al parecer mis recuerdos se reducen a imágenes, a una sensación de impotencia que todavía me tiene conmovido y mantiene amordazadas mis palabras. En pocas ocasiones podemos tener la suerte de ver una película que nos recuerda que algunos somos afortunados de poder vivir como lo hacemos y nos lo recuerda con la vileza de mostrarnos las penurias de otros. Comparto con Irian Hallstatt, responsable de que yo viera esta película, mi rechazo al cine social en mi caso por no compartir los excesivas licencias que éste normalmente se permite, pero Moodysson nos acerca a la historia como si estuvieramos viéndola con unos prismáticos...

En una ciudad empobrecida de Rusia Lilja, una jovencita adolescente, es abandonada por su madre lo que convierte su vida en una pesadilla, sin comida, sin recursos. Sólo se mantiene a flote gracias a la amistad de Volodya, un niño sin hogar, encantador. Lilja encuentra la ilusión en los brazos de Andrei que le promete una vida mejor en Suecia, ese viaje le mostrará la realidad de un mundo que aplastará lo poco de valor que le quedaba a la pobre Lilja.

En conjunto resulta una obra desgarradora y punzante, un espejo a una realidad tangible, lejos de ser imaginada. Cuesta adaptarse a la narrativa directísima de Moodysson ahora bien, una vez nos atrapa no soltará la presa tan fácilmente, a mi me tiene todavía amarrado. La historia gira en torno a Lilja, una actuación fantástica y natural, y el motor de esa historia es un carburante social nauseabundo, abandonado a su suerte por gobiernos desinteresados. ¿Cómo cambiar de vida si todo lo que conoces, todo lo que ves y todo lo que te cuentan es lo mismo?

El montaje es merecedor de mis alabanzas, una música perfecta en cada ocasión, por esa cámara que igual te muestra un sentimiento que una imagen perturbadora, y esos decorados que parecen atravesar la pantalla y sustituir los de nuestro salón... si la narración flojea enseguida nos inyectan otra sensación, otra pincelada que nos acerca a la pantalla con ganas de agarrarla, hemos de esforzarnos para no zarandear la televisión en inútiles gestos de impotencia pensando ¡Lilja, pobre Lilja!

Dos minutos bastan, bajo la afixiante Mein Herz Brennt de Rammstein, para dictar sentencia sobre Lilja, eso es lo triste, su futuro en apenas dos minutos. El espectador ignorante puede identificarse con el bueno de Volodya, ese niñito amable y cariñoro que actúa como la conciencia de Lilja y de cuyas sonrisas podríamos aprender.

Estas películas que te secuestran el intelecto durante horas, pensando, soñando con ella son escasas y merecen ser tenidas muy en cuenta. Esta película es una denuncia de la explotación sexual y te deja un regusto amargo y una sensación de abatimiento dolorosa.

(Post dedicado a Irian Hallstatt por darme a conocer esta película)

Corto Maltés

2007-12-10T15:51:00.000+01:00

Dirección: Pascal Morelli. País: Francia. Año: 2002. Duración: 92 min. Género: Animación, drama, aventuras. Guión: Natalia Borodin y Thierry Thomas; basado en el cómic "Corto Maltés en Siberia" de Hugo Pratt. Producción: Robert Réa. Música: Franco Piersanti. Montaje: Benoit Humbert.

Los lectores asiduos de este blog, de haberlos, conocerán mi predilección por las películas de animación, siempre intento intercalar alguna entre mis proyecciones, esta vez le tocaba a Corto Maltés, basada en los comics de Hugo Pratts. Os resumiré la vida de este intrépido personaje que a mi me interesó en un principio (sacado de la wikipedia), nace en Malta en 1887, de madre sevillana y padre inglés, estudió la Cábala y el Talmud en Córdoba, empezó a viajar muy joven, Egipto, Manchuria, Argentina, Italia, India, China, Nueva Orleans... una vida de viajes y aventuras que como poco provoca envidia. Esta es la historia de Corto Maltés en Siberia, en plena guerra civil tras la revolución rusa.

En 1919 Asia es un continente caótico, todos quieren sacar tajada de la guerra en Rusia, y Corto no quiere quedarse sin su trozo de pastel, el premio que buscan es el oro del gobierno contrarrevolucionario ruso en manos del almirante Kolchak. Corto cuenta con la ayuda de su viejo amigo Rasputin y la sociedad secreta de "Las Linternas Rojas" y con extraños aliados y locuaces enemigos.

El interés que despertó en mi el artículo de la Wiki no queda reflejado en la pantalla, bien por un dibujo que ramplón bien por una narración saltarina que esquiva el interés. A pesar de ello se disfruta y nos entretenemos con sus simpáticos personajes dotados de fuerte carácter y con el marco de la guerra siberiana y las Tríadas (sociedades secretas chinas) que embellecen esta correcta obra sin barnizar.

No puedo pasar por alto la ausencia de sonrisas, incluso en los momentos más duros se sonríe, todos los rostros son hiper-serios, abrumador. Me ha resultado ambigüa y huidiza.

Un par de escenas, la de los trenes en siberia por ejemplo, son tan buenas que alumbran toda la película, la guinda la ponen algunos personajes que ponen el toque de humor y el exotismo que necesitamos para esquivar el aburrimiento, no por el guión ni por el argumento, bastante buenos, pero si por una manera gris, difusa, de narrar la historia, quizás habiendo leido los comics...

Atraco perfecto

2007-12-10T09:48:00.000+01:00

Título original: The Killing. Año: 1956. Duración: 83 min. Pais: Estados Unidos. Director: Stanley Kubrick. Guión: Stanley Kubrick (Novela: Lionel White. Diálogos: Jim Thompson). Música: Gerald Fried. Fotografía: Lucien Ballard (B&W). Reparto: Sterling Hayden, Coleen Gray, Vince Edwards, Jay C. Flippen, Marie Windsor, Ted DeCorsia, Elisha Cook, Joe Sawyer, Timothy Carey, Jay Adler, Joe Turkel, Kola Kwarian, James Edwards, Tito Vuolo, Cecil Elliott, Dorothy Adams, Herbert Ellis, Pary Carroll. Productora: MGM / UA.

El cine perdió a un gran genio con la muerte de Stanley Kubrick y este blog chiquito no tenía ninguna reseña de él, me he decantado por Atraco Perfecto (The killing), una obra imprescindible en su variada filmografía (La naranja mecánica, Lolita, Espartaco, La chaqueta metálica, Senderos de gloria, El resplandor, Telefono Rojo, 2001: Una odisea en el espacio, ...) destacable por unos guiones soberbios y unos argumentos logradísimos.

Johnny Clay ha decidido retirarse dando el último golpe de su vida, el atraco a un hipódromo. Reune a un grupo de gente amargada para el golpe y con una precisión inusitada planea el atraco que les resolverá las vidas a todos.

Unos primeros instantes con voz en off nos auguran una película confusa. Está rodada como si fuera un puzzle, sabemos el dibujo final, tenemos las piezas y las vamos uniendo pero siempre falta la maldita última pieza que sabemos perdida y no paramos de buscarla. Las primeras piezas son los personajes todos y cada uno presentados en su justa medida, las siguientes piezas son las emociones que influyen en sus actos futuros y las últimas las forma la trama que aparece despacito y nos arranca ese aplauso en el último minuto.

Existe la manía generalizada, en el cine, en estos tiempos de estropear con saña y alevosía los finales empotrando minutos de metraje insufribles y sobrantes para mantener a la gente sentadita en la butaca por algún motivo cruel del director, Kubrick soluciona eso con un final impredecible que arranca una sonrisa y nos convence, si no lo estábamos ya, de que la pelicula ha merecido el tiempo que hemos empleado en ella, nos deja una sensación agradable, contentos.

La cámara es hostil, esta sensación la he tenido en muchas películas de Kubrick, pero nos embauca misteriosamente, no sea nos vayamos a perder algo, ese gusanillo en el estómago, esa ansiedad que sufren los personajes nos la trasladan irremediablemente ya sea por el sobresaliente guión o por la molesta música, pero consigue su objetivo, poco parpadeo y mucha atención.

Incunable para los amantes del cine negro o los admiradores de Kubrick, que ya en aquellos tiempos rodaba estas joyitas.

Las 13 rosas

2007-12-09T08:11:00.000+01:00

Dirección: Emilio Martínez-Lázaro. País: España. Año: 2007. Duración: 132 min. Género: Drama. Interpretación: Pilar López de Ayala (Blanca Brisac), Verónica Sánchez (Julia Conesa), Marta Etura (Virtudes González), Nadia de Santiago (Carmen), Gabriella Pession (Adelina García), Félix Gómez (Perico), Fran Perea (Teo), Enrico Lo Verso (Cánepa), Asier Etxeandía (Enrique), Alberto Ferreiro (Valentín), Adriano Giannini (Fontenla), Goya Toledo (Carmen Castro), Bárbara Lennie (Dionisia Manzanero), Secun de la Rosa (Satur), Luisa Martín (Dolores). Guión: Ignacio Martínez de Pisón; basado en un argumento de Pedro Costa, Ignacio Martínez de Pisón y Emilio Martínez-Lázaro; inspirado en el libro "Trece rosas rojas" de Carlos Fonseca. Producción: Pedro Costa y Enrique Cerezo. Música: Roque Baños. Fotografía: José Luis Alcaine. Montaje: Fernando Pardo. Dirección artística: Edou Hydallgo. Vestuario: Lena Mossum.

Hoy puedo decir, ya con unas horas de buen sueño encima, que he visto una película que me ha aburrido superlativamente y que no me ha gustado en absoluto, de esas que necesitan solo los tres primeros minutos para defraudar al espectador. Es una decepción pués el argumento prometía, el reparto parecía resultón y la temática se ha convertido en dolorosa actualidad gracias a la Ley de memoria histórica pero el transcurrir es tan lento y pasteloso que perdemos el interés y eso es difícil conseguirlo con un argumento a priori resultón. Un 10 a la campaña de marketing que ha hecho que nos interesemos por esta pírrica cinta llenita de despropósitos.

El 1 de Abril de 1939 las tropas franquistas entran en Madrid terminando con la guerra, los republicanos huyen. Instaurado el régimen se ejecuta una durísima represión contra los enemigos de Franco, esta represión lleva a la cárcel a nuestras protagonistas por colaborar con los malvadísimos rojos y se las impondrá una condena ejemplar, la pena de muerte.

La primera equivocación en el rodaje es la falta de fuerza de los personajes, nada creibles en un entorno mal ambientado, la segunda es el rodaje subjetivo de la cinta cargada de excesivos juicios de valor innecesarios para contar cualquier historia y el tercero es el empalagoso dramatismo centrado en las señoritas protagonistas. No soy yo quién para instruir en el rodaje de una película pero si soy alguien para quejarme del pésimo resultado.

Me ha recordado sospechosamente a los subproductos de la factoria hollywoodiense que tienen una buena historia y la ruedan para el público marujil, el espectador que se conmueve con un bailecito y no con una situación represiva.

El argumento es bueno, no puede ser de otra forma, es una historia real. En el rodaje se hechan en falta algunas escenas más explicativas, algunos personajes aparecen y desaparecen como la niebla y otras escenas las suprimiríamos sin vacilación, alrededor de una hora quitaba yo.

Sé que me estoy cebando con la película, pero dos horitas y... con el culo pegado a la butaca, sin cerveza siquiera para sobrellevar el mal rato, tragándote una película que te aburre desde el minuto uno es una situación dura. La caracterización de los personajes, el entorno y la ambientación es lo que estropea una buena historia rodada con desinterés.

Omagh

2007-12-08T15:20:00.000+01:00

Dirección: Pete Travis. Países: Irlanda y Reino Unido. Año: 2004. Duración: 106 min. Género: Drama. Interpretación: Gerard McSorley (Michael Gallagher), Michèle Forbes (Patsy Gallagher), Brenda Fricker (Nuala O'Loan), Stuart Graham (Victor Barker), Peter Balance (Mark Breslin), Pauline Hutton (Sharon Gallagher), Fiona Glascott (Cathy Gallagher), Kathy Kiera Clarke (Elizabeth Gibson), Clare Connor (Caroline Gibson), Gerard Crossan (Hugh), Ian McElhinney (Stanley). Guión: Guy Hibbert y Paul Greengrass. Producción: Ed Guiney y Paul Greengrass. Fotografía: Donal Gilligan. Montaje: Clive Barrett. Dirección artística: David Wilson. Vestuario: Eimer Ní Mhaoldomhanaigh.

"...algunos de nosotros creemos en Dios y ahora, tal vez, algunos no tengamos Dios..."

Esta es la tercera película que veo en relación al terrorismo del IRA, En el nombre del padre y Bloody Sunday son las otras dos, y esta es la primera que aborda el problema desde el punto de vista de las víctimas de la barbarie. No recuerdo la última vez que me emocioné tantísimo con una película, en ésta las lágrimas se me han escapado, tampoco soy capaz de nombrar alguna que refleje una realidad con tanta seriedad y respeto, bravo Pete Travis!

Irlanda estaba de enhorabuena tras el Acuerdo de Paz de Viernes Santo, pero dentro de la banda terrorista del IRA había disidentes que no querían un acuerdo entre Londres y Dublín y planearon un atentado suficientemente atroz para evitar el acuerdo y volver de nuevo al eterno conflicto, esta es la historia de ese atentado, visto por los ojos de Michael Gallagher (Gerard McSorley), un afectado por la bomba en el tranquilo pueblo de Omagh.

Es complicado no hacer juicios subjetivos a la hora de criticar esta película, fiel espejo de la cruenta realidad que representan los atentados terroristas, narrada de manera apolítica y sincera, cercana a un documental. Desvela un hecho histórico que posiblemente se ha querido olvidar, el esfuerzo político por la paz no conoce víctimas.

Han recreado a la perfección una familia modelo que nos resulta muy cercana, compartiremos su dolor cuando ocurre el atentado, ese dolor nos acaricia, nos conmueve y nos punza espoleado por una magistral actuación de Gerard McSorley, su aflicción traspasa la pantalla y nos arropa con tristeza. Pasados los minutos inciales navegamos en torno a la formación de una asociación de víctimas hundidas por el silencio de las autoridades y que buscan culpables desesperadamente, sus pesquisas nos dejaran indignados: "...ya ha habido más de dos mil muertes sin resolver desde el comienzo del conflicto, ¿por qué íbamos a ser nosotros diferentes?..."

Una narrativa realista unida a una cámara amiga, cercana, hacen de esta película de visionado imprescindible para aquellos que sus inquietudes les lleven a enjuiciar las actuaciones políticas o simplemente le choque esta violencia gratuita y amarga, ¿por qué?

Quiero huir de juicios personales para no ensuciar la crítica pero esta película me ha vuelto a tatuar la dolorosa verdad de aquellos que nacimos y vivimos en un pais secuestrado por el terrorismo... mi opinión es que duele perder a un ser querido, pero nunca será lo mismo que éste muera a que a éste lo maten, nunca. Perdonen mi ambigüedad, pero quiero evitar valoraciones subjetivas, acabo. Un adios conmovido.

"...yo creía que esto se había terminado..."

El secreto de Anthony Zimmer

2007-11-30T08:45:00.000+01:00

Dirección y guión: Jérôme Salle. País: Francia. Año: 2005. Duración: 90 min. Género: Thriller. Interpretación: Sophie Marceau (Chiara), Yvan Attal (François), Sami Frey (Akerman), Gilles Lellouche (Müller), Daniel Olbrychski (Nassaïev), Samir Guesmi (Driss), Dimitri Rataud (Perez). Producción: Olivier Delbosc, Marc Missonnier y Alain Terzian. Música: Frédéric Talgorn. Fotografía: Denis Rouden. Montaje: Richard Marizy. Diseño de producción: Laurent Piron. Vestuario: Carine Sarfati.

Estoy haciendo, sin quererlo, un pequeño ciclo de cine francés, El señor Ibrahim y las flores del Corán, Persépolis, Mala Sangre, Monsieur Hire y ahora ésta película de Jerôme Salle, director totalmente desconocido para mi. Para cerrar el mes no es precisamente la mejor película de las cinco, pero para una noche como la de ayer era la más corta que tenía entre manos...

La policia tiene en el punto de mira a Anthony Zimmer, un estafador internacional, pero no saben su aspecto, el único posible contacto es Chiara (Sophie Marceau), la única persona por la que Anthony arriesgaría su "invisibilidad". Por fin Chiara y Anthony se citan, la policía está de enhorabuena, él no llega a la cita pero si una carta, acercate a un desconocido para que crean que soy yo. ¿Quien le iba a decir a ese desconocido que su existencia se iba a convertir en una pesadilla?

Un thriller original rodado con bastante torpeza sería el resumen perfecto para esta película demasiado previsible en su transcurrir pero novedosa en su argumento. Esa simpleza en la narrativa que hace que podamos anticipar algunas situaciones me ha exasperado porque estaba enfrentándome a una trama de engaños, intrigas y traiciones que me tenía encandiladito, aunque, bien mirado, el entretenimiento que proporciona es el adecuado, quizás mas que eso, para que disfrutemos, con un final magistral, que no se olvida, de esos en los que pensamos ¡este tío es una hacha!

Las actuaciones rondan el desastre de no ser por Sophie Marceau, la cámara es demasiado simple, sin malabarismos, para este género pero nos consiguen enganchar con algunas escenas bastante buenas, con la belleza de Sophie y con un guión correcto, a ratos correctísimo.

Cine fresquito, de cuarto y mitad, de ese que nos carga las pilas gastadas de tanta super-mega-hiper-producción americana, un thriller para pensar e intentar disfrutarlo pese a sus visibles carencias. Merece tenerse en cuenta por su originalidad.

Monsieur Hire

2007-11-27T23:19:00.000+01:00

Título original: Monsieur Hire. Año: 1989. Duración: 88 min. Pais: Francia. Director: Patrice Leconte. Guión: Patrice Leconte & Patrick Dewolf (Novela: George Simenon). Música: Michael Nyman. Fotografía: Denis Lenoir. Reparto: Michel Blanc, Sandrine Bonnaire, Luc Thullier, André Wilms, Philippe Dormoy, Eric Berenger, Marielle Berthon.

Sentaditos en nuestro sofá la distancia entre la pantalla y nosotros se alarga si la película es una castaña pero en pocas ocasiones las imágenes parecen salir de la pantalla encontrado su sitio en nuestro salón, Monsieur Hire retrata la cotidiana soledad envuelta en un hermoso thriller que me alegro de haber visto. Una de esas películas para ver despacio, sin prisas, al calor de la chimenea que ralentiza el invierno.

La única ilusión de Hire es llegar a casa y ponerse a mirar por la ventana espiando a Alice, su hermosa vecina de la cual está perdidamente enamorado. La exasperante vida rutinaria de Hire se complica al ser acusado del asesinato de una adolescente.

No negaré que el argumento pudiera ser trivial en un primer vistazo a la sinopsis pero desecharemos esa impresión con el correr del metraje gracias a una narración hermosísima, adornada con una excepcional actuación de Michel Blanc (Monsiuer Hire). El retrato de la adusta soledad del excentrico Hire en contraste con la morbosa personalidad de Alice es el epicentro de la película, el amor incondicional pintadito con un pincel maestro.

Estos thriller "chiquitos" tienen el incoveniente de ser propensos al desinterés, anulado en esta película por una necesidad del espectador de imaginar situaciones que nos sugieren y no nos cuentan, por la cámara, que parece no perderse detalle ni de los atípicos personajes ni del entorno. Un espejo al corazón de la gente.

La aparente sencillez de la narrativa se desborda tan pausadamente que nos pillará desprevenidos, ahí es donde el trabajo de Patrice Leconte como director roza la perfección, impresionado me he quedado, no me esperaba un resultado tan bueno.

"No soy peligroso, no tenga miedo... soy el señor Hire"

Candidaturas foráneas al Oscar 2008

2007-11-27T17:30:00.000+01:00

No me gusta conceder relevancia a unos premios que miran mucho el ombligo propio y olvidan miles de películas en una sóla categoría, "mejor pélícula de habla no inglesa", y que se autodenominan los premios a las mejores películas del año, magnificando un concurso que engloba la producción de un par de vanidosos paises, pero ya saben, el marketing manda. El próximo año las candidatas a ese honroso premio son todas estas:

Argentina: XXY, de Lucia Puenzo
Alemania: The Edge of Heaven, de Fatih Akin
Australia: The Home Song Stories, de Tony Ayres
Austria: The Counterfeiters, de Stefan Ruzowitzky
Azerbayán: Caucasia, de Farid Gumbatov
Bangladesh: On the Wings of Dreams, de Golam Rabbany Biplob
Bélgica: Ben X, de Nic Balthazar
Bosnia Herzegovina: It’s Hard to Be Nice, de Srdan Vuletic
Brasil: The Year My Parents Went on Vacation, de Cao Hamburger
Bulgaria: Warden of the Dead, de Ilian Simeonov
Canadá: Days of Darkness, de Denys Arcand
Chile: Padre Nuestro, de Rodrigo Sepulveda
China: The Knot, de Yin Li
Colombia: Satanás, de Andi Baiz
Corea: Secret Sunshine, de Chang-dong Lee
Croacia: Armin, de Ognjen Svilicic
Cuba: The Silly Age, de Pavel Giroud
Dinamarca: The Art of Crying, de Peter Schonau Fog
Egipto: In the Heliopolis Flat, de Mohamed Khan
Eslovaquia: Return of the Storks, de Martin Repka
Eslovenia: Short Circuits, de Janez Lapajne
España: El orfanato, de J. A. Bayona
Estonia: The Class, de Ilmar Raag
Filipinas: Donsol, de Adolfo Alix, Jr.
Finlandia: A Man’s Job, de Aleksi Salmenpera
Francia: Persepolis, de Marjane Satrapi & Vincent Paronnaud
Georgia: The Russian Triangle, de Aleko Tsabadze
Grecia: Eduart, de Angeliki Antoniou
Holanda: Duska, de Jos Stelling
Hong Kong: Exiled, de Johnnie To
Hungría: Taxidermia, de Gyorgy Palfi
India: Eklavya – The Royal Guard, de Vidhu Vinod Chopra
Indonesia: Denias, Singing on the Cloud, de John De Rantau
Irak: Jani Gal, de Jamil Rostami
Irán: M for Mother, de Rasoul Mollagholipour
Irlanda: Kings, de Tom Collins
Islandia: Jar City, de Baltasar Kormakur
Israel: Beaufort, de Joseph Cedar
Italia: The Unknown, de Giuseppe Tornatore
Japón: I Just Didn’t Do It, de Masayuki Suo
Kazakistán: Mongol, de Sergei Bodrov
Líbano: Caramel, de Nadine Labaki
Luxemburgo: Little Secrets, de Pol Cruchten
Macedonia: Shadows, de Milcho Manchevski
México: Luz silenciosa, de Carlos Reygadas
Noruega: Gone with the Woman, de Petter Naess
Perú: Crossing a Shadow, de Augusto Tamayo
Polonia: Katyn, de Andrzej Wajda
Portugal: Belle Toujours, de Manoel de Oliveira
Puerto Rico: Love Sickness, de Carlitos Ruiz & Mariem Perez
República checa: I Served the King of England, de Jiri Menzel
Rumania: 4 Months, 3 Weeks and 2 Days, de Cristian Mungiu
Rusia: 12, de Nikita Mikhalkov
Serbia: The Trap, de Srdan Golubovic
Singapur: 881, de Royston Tan
Suecia: You, the Living, de Roy Andersson
Suiza: Late Bloomers, de Bettina Oberli
Tailandia: King of Fire, de Chatrichalerm Yukol
Taiwan: Island Etude, de Chen Huai-En
Turquía: A Man’s Fear of God, de Ozer Kiziltan
Uruguay: The Pope’s Toilet, de Enrique Fernandez & Cesar Charlone
Venezuela: Postcards from Leningrad, de Mariana Rondon
Vietnam: The White Silk Dress, de Luu Huynh.

En mis últimos post estoy abusando de las listas de películas, entiendan que hago un par de reivindicaciones, una por los guionistas y otra por un cine plural sin abusivos monopolios, sin nombrar películas no podremos conocerlas. A veces hemos de levantar la voz para hacernos oir...

4 Aperitivos de lo que está por venir, trailers.

2007-11-27T10:40:00.000+01:00

Los crímenes de Oxford (Alex de la Iglesia)

Mi hermano es hijo único (Daniele Luchetti)

Lust, caution (Ang Lee)

Hitman (Xavier Gens)

Beowulf

2007-11-26T22:28:00.000+01:00

Título original: Beowulf. Año: 2007. Duración: 115 min. Pais: Estados Unidos. Director: Robert Zemeckis. Guión: Roger Avary, Neil Gaiman. Música: Alan Silvestri. Fotografía: Robert Presley Reparto: Ray Winstone, Angelina Jolie, Anthony Hopkins, Robin Wright Penn, Crispin Glover, John Malkovich, Alison Lohman, Brendan Gleeson. Productora: Warner Bros. Pictures / Paramount Pictures / ImageMovers / Shangri-La Entertainment.

Desde niño he soñado con reinos donde la espada es juez y parte y esos desvelos me llevaron a interesarme por libros fantásticos como El señor de los anillos, La crónicas de Elric de Melniboné, El elfo oscuro, Dragonlance, Crónicas de Belgarath, El señor del tiempo... dónde impera la magia y la destreza con las armas, ahora, ya crecidito, sigo con esos fantásticos relatos y toda película que se les parezca la engullo, como ésta.

El reino danés está siendo acosado por el demonio Grendel, numerosos guerreros intentarán acabar con la bestia pero sólo lo conseguirá Beowulf y se convertirá en el centro de la ira de la desconsolada madre del monstruo, esa lucha entre ambos convertirá a Beowulf en una leyenda.

Impresiona la técnica de filmación, una poderosa estrategia visual de digitalización que quita la respiración, un trabajo logradísimo que sirve para maquillar una historia pobremente contada que lleva nuestra mente de la indiferencia a un escandaloso disfrute de un producto argumentalmente ramplón. Repleta de escenas épicas y de una calidad artísitica deliciosa desmerecedoras del parco guión que las acompaña y lo suficientemente buenas por si solas para convertir esta película en un título muy digno de ser visto.

Un trabajo resultón, con la de cámara realista e impactante para una historia evocadora de otras mejores aunque no por eso mejor narradas. Me quedo con algunas de las escenas, anotadas desde ya en mi lista de las mejores del año, y el soberano entretenimiento que ofrece, poco más.

Frases con carácter, para recordar

2007-11-26T16:00:00.000+01:00

"No los odias?, esos silencios incómodos. ¿Por qué necesitamos decir algo para rellenarlos?. Es por eso que sabes que has encontrado a alguien especial. Puedes estar callado durante un puto minuto y disfrutar del silencio". Uma Thurman (Pulp Fiction)

"Es noticia?, si. ¿Lo vamos a emitir?, claro que no. ¿Por qué?, ¿por qué no dice la verdad?, ¡No!. Porque dice la verdad, ¡por eso no lo vamos a emitir". Al Pacino (El dilema)

"El odio es un lastre, la vida es demasiado corta para estar siempre cabreado". Edward Norton (American History X)

"Soy el sargento de artillería Highway. He bebido más cerveza, he meado más sangre, he echado más polvos y he chafado más huevos que todos vosotros juntos, capullos". Clint Eastwood (El sargento de hierro)

"No me importa que al morir no haya otra vida, lo que me preocuparía es que si hubiera otra fuera igual que esta". Candela Peña (Princesas)

"El mejor truco que el diablo inventó fue convencer al mundo de que no existía". Kevin Spacey (Sospechosos Habituales)

Sobre guiones, apoyando a las cabezas pensantes

2007-11-26T12:32:00.000+01:00

Un guionista es un escritor pese a aquellos que quieren esconder esa realidad y un escritor cobra por sus obras, un guionista cobra por contrato, se venda su trabajo mucho o no, piden participar de los derechos de autor, pastel que se reparten las productoras y no creo que sea una petición tan descabellada. En una cadena de fabricación como Hollywood un parón de tres semanas por falta de materia prima debe acarrear unas pérdidas enormemente cuantiosas, la lección espero la aprendan y valoren a un colectivo vital para el cine. El estancamiento de la "meca del cine" es incontestable, anclada en actores resultones ($$) y derechos comprados a golpe de talonario ($$), entre tanto remake, re-remake, versión extendida, secuela, pre-cuela y bazofia Asia y Europa van entrando en las salas para regocijo de los espectadores. A pesar de mi crítica al cine de allá es obligado reconocer que el cine necesita a hollywood, tiene muchísimas obras magníficas, y las tendrá.

Para reiterar mi apoyo a este colectivo os traigo la lista de los "101 greatest screenplay" (101 mejores guiones del cine) elaborada por la Writters Guild of America (Asociación de guionistas) y aunque es algo nacional, entendido esto como poco abierta hacía títulos extranjeros, merece la pena ser ojeada. Evidentemente la valoración será discutible pero la calidad de las películas innegable, pués ahí tenemos a grandes guionistas, muchos de ellos grandes desconocidos, conozcámoslos por un día.

1. CASABLANCA Screenplay by Julius J. & Philip G. Epstein and Howard Koch.

2. THE GODFATHER Screenplay by Mario Puzo and Francis Ford Coppola.
3. CHINATOWN Written by Robert Towne
4. CITIZEN KANE Written by Herman Mankiewicz and Orson Welles
5. ALL ABOUT EVE Screenplay by Joseph L. Mankiewicz.

6. ANNIE HALL Written by Woody Allen and Marshall Brickman
7. SUNSET BLVD. Written by Charles Brackett & Billy Wilder and D.M. Marshman, Jr.
8. NETWORK - Written by Paddy Chayefsky
9. SOME LIKE IT HOT Screenplay by Billy Wilder & I.A.L. Diamond.
10. THE GODFATHER II Screenplay by Francis Ford Coppola and Mario Puzo.
11. BUTCH CASSIDY AND THE SUNDANCE KID Written by William Goldman
12. DR. STRANGELOVE Screenplay by Stanley Kubrick and Peter George and Terry Southern.
13. THE GRADUATE Screenplay by Calder Willingham and Buck Henry.
14. LAWRENCE OF ARABIA Screenplay by Robert Bolt and Michael Wilson.
15. THE APARTMENT Written by Billy Wilder & I.A.L. Diamond
16. PULP FICTION Written by Quentin Tarantino.
17. TOOTSIE Screenplay by Larry Gelbart and Murray Schisgal.
18. ON THE WATERFRONT Screen Story and Screenplay by Budd Schulberg.
19. TO KILL A MOCKINGBIRD Screenplay by Horton Foote.
20. IT'S A WONDERFUL LIFE Screenplay by F. Goodrich & Albert Hackett & Frank Capra.
21. NORTH BY NORTHWEST Written by Ernest Lehman
22. THE SHAWSHANK REDEMPTION Screenplay by Frank Darabont.

23. GONE WITH THE WIND Screenplay by Sidney Howard.
24. ETERNAL SUNSHINE OF THE SPOTLESS MIND Screenplay by Charlie Kaufman.
25. THE WIZARD OF OZ Screenplay by N. Langley, Florence Ryerson and Edgar Allan Woolf

26. DOUBLE INDEMNITY Screenplay by Billy Wilder and Raymond Chandler.
27. GROUNDHOG DAY Screenplay by Danny Rubin and Harold Ramis.
28. SHAKESPEARE IN LOVE Written by Marc Norman and Tom Stoppard
29. SULLIVAN'S TRAVELS Written by Preston Sturges
30. UNFORGIVEN Written by David Webb Peoples
31. HIS GIRL FRIDAY Screenplay by Charles Lederer.
32. FARGO Written by Joel Coen & Ethan Coen
33. THE THIRD MAN Screenplay by Graham Greene.
34. THE SWEET SMELL OF SUCCESS Screenplay by Clifford Odets and Ernest Lehman.
35. THE USUAL SUSPECTS Written by Christopher McQuarrie
36. MIDNIGHT COWBOY Screenplay by Waldo Salt.
37. THE PHILADELPHIA STORY Screenplay by Donald Ogden Stewart.
38. AMERICAN BEAUTY Written by Alan Ball
39. THE STING Written by David S. Ward
40. WHEN HARRY MET SALLY Written by Nora Ephron
41. GOODFELLAS Screenplay by Nicholas Pileggi & Martin Scorsese.
42. RAIDERS OF THE LOST ARK Screenplay by Lawrence Kasdan.
43. TAXI DRIVER Written by Paul Schrader
44. THE BEST YEARS OF OUR LIVES Screenplay by Robert E. Sherwood.
45. ONE FLEW OVER THE CUCKOO'S NEST Screenplay by L. Hauben and Bo Goldman.

46. THE TREASURE OF THE SIERRA MADRE Screenplay by John Huston.
47. THE MALTESE FALCON Screenplay by John Huston.

48. THE BRIDGE ON THE RIVER KWAI Screenplay by Carl Foreman and Michael Wilson.

49. SCHINDLER'S LIST Screenplay by Steven Zaillian.
50. THE SIXTH SENSE Written by M. Night Shyamalan
51. BROADCAST NEWS Written by James L. Brooks
52. THE LADY EVE Screenplay by Preston Sturges.
53. ALL THE PRESIDENT'S MEN Screenplay by William Goldman.
54. MANHATTAN Written by Woody Allen & Marshall Brickman
55. APOCALYPSE NOW Written by John Milius and Francis Coppola.
56. BACK TO THE FUTURE Written by Robert Zemeckis & Bob Gale
57. CRIMES AND MISDEMEANORS Written by Woody Allen
58. ORDINARY PEOPLE Screenplay by Alvin Sargent.
59. IT HAPPENED ONE NIGHT Screenplay by Robert Riskin. Based
60. L.A. CONFIDENTIAL Screenplay by Brian Helgeland & Curtis Hanson.
61. THE SILENCE OF THE LAMBS Screenplay by Ted Tally.

62. MOONSTRUCK Written by John Patrick Shanley
63. JAWS Screenplay by Peter Benchley and Carl Gottlieb.
64. TERMS OF ENDEARMENT Screenplay by James L. Brooks.
65. SINGIN' IN THE RAIN Screen Story and Screenplay by Betty Comden & Adolph Green.
66. JERRY MAGUIRE Written by Cameron Crowe
67. E.T. THE EXTRA-TERRESTRIAL Written by Melissa Mathison
68. STAR WARS Written by George Lucas
69. DOG DAY AFTERNOON Screenplay by Frank Pierson.
70. THE AFRICAN QUEEN Screenplay by James Agee and John Huston.
71. THE LION IN WINTER Screenplay by James Goldman.
72. THELMA & LOUISE Written by Callie Khouri
73. AMADEUS Screenplay by Peter Shaffer.
74. BEING JOHN MALKOVICH Written by Charlie Kaufman
75. HIGH NOON Screenplay by Carl Foreman. Based
76. RAGING BULL Screenplay by Paul Schrader and Mardik Martin.
77. ADAPTATION Screenplay by Charlie Kaufman and Donald Kaufman.
78. ROCKY Written by Sylvester Stallone
79. THE PRODUCERS Written by Mel Brooks
80. WITNESS Screenplay by Earl W. Wallace & William Kelley.

81. BEING THERE Screenplay by Jerzy Kosinski.
82. COOL HAND LUKE Screenplay by Donn Pearce and Frank Pierson.
83. REAR WINDOW Screenplay by John Michael Hayes.
84. THE PRINCESS BRIDE Screenplay by William Goldman.

85. LA GRANDE ILLUSION Written by Jean Renoir and Charles Spaak
86. HAROLD & MAUDE Written by Colin Higgins
87. 8 1/2 Screenplay by Federico Fellini, Tullio Pinelli, Ennio Flaiano, Brunello Rond.
88. FIELD OF DREAMS Screenplay by Phil Alden Robinson.
89. FORREST GUMP Screenplay by Eric Roth.
90. SIDEWAYS Screenplay by Alexander Payne & Jim Taylor.
91. THE VERDICT Screenplay by David Mamet.
92. PSYCHO Screenplay by Joseph Stefano.
93. DO THE RIGHT THING Written by Spike Lee
94. PATTON Screen Story and Screenplay by Francis Ford Coppola and Edmund H. North.
95. HANNAH AND HER SISTERS Written by Woody Allen
96. THE HUSTLER Screenplay by Sidney Carroll & Robert Rossen.
97. THE SEARCHERS Screenplay by Frank S. Nugent.
98. THE GRAPES OF WRATH Screenplay by Nunnally Johnson.
99. THE WILD BUNCH Screenplay by Walon Green and Sam Peckinpah.

100. MEMENTO Screenplay by Christopher Nolan.
101. NOTORIOUS Written by Ben Hecht

Persépolis

2007-11-25T23:22:00.000+01:00

Dirección: Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud. País: Francia. Año: 2007. Duración: 95 min. Género: Animación, drama. Doblaje original: Chiara Mastroianni (Marjane adolescente y adulta), Catherine Deneuve (Tadji, madre de Marjane), Danielle Darrieux (abuela), Simon Abkarian (Ebi, padre de Marjani), Gabrielle Lopes (Marjane niña), François Jerosme (tío Anouche). Guión: Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud; basado en las novelas gráficas de Marjane Satrapi. Producción: Marc-Antoine Robert y Xavier Rigault. Música: Olivier Bernet. Montaje: Stéphane Roche. Diseño de producción: Marisa Musy.

Estaba impaciente por ver esta película, se rumoreaba que era impactante al retratar una vida gobernada por la religión en un pais limitado de libertades, Irán, tras verla me he quedado en blanco como un diario sin estrenar, dudando entre rellenarlo con mi pluma occidental o llorar porque no me salen las palabras apropiadas. Rompe moldes, pero hemos de tener mucho cuidado en juzgar unos valores que no entendemos aunque sean totalmente injustos. Se me han escapado errantes lágrimas con esta película, tristes por un realidad contrastada, tristes por una realidad que no comprendo.

Marjane nace bajo el régimen del Sha pocos años antes de la revolución que alaban sus padres, ignorantes de que supondría un paso hacía un gobierno fundamentalista. Es educada en valores de igualdad y libertad y eso marcará su fuerte personalidad, algo complicado para una mujer bajo un poder religioso. Esta es la historia de la vida de esta joven que hubo de emigrar, de sus amores y desamores, para buscar una felicidad escurridiza.

Impresiona que un dibujo tan sencillo, simplón, sea capaz de transmitir tanta emoción y establezca una empatía hacía el espectador tan fuerte, trazos que parecen fijarse en la retina, alguno tengo todavía hilado en ella y le cuesta irse. Dialogos medidos, mordaces, crueles y situaciones tremendamente reales nos narran una pequeña historia entre muchas, la enfarragosa tarea de querer ser libre en un pais en donde está prohibido, imaginate si para colmo eres mujer: "teníamos tantas ganas de ser felices que acabamos olvidando que no éramos libres"

El argumento intenta abarcar la historia reciente de Irán y lo consiguen contundentemente con el error de utilizar una versión demasiado europeizada, difícil hablar, sin politizar, de una forma de vida extraña a nuestros ojos. Sé que estoy siendo abstracto, incoherente, y la razón es que no quiero demonizar por prejuicios. Sigo traumatizado por la bochornosa situación de la mujer que nos muestran, frases como esta: "...el velo es un signo de libertad..." hacen que asome a mis labios una contundente pregunta, ¿libertad no sería poder elegir entre llevarlo o no llevarlo?

Dejaré aparcadas mis convicciones para continuar con la crítica por riesgo a embarrarme y desfigurar la reseña. La película es tan completa que refleja el cambio que sufre la juventud en los 80-90, pasando por la verdadera cara de la inmigración y no olvidándose que la sociedad mira para otro lado ante algunas verdades.

Sublime el pasaje aderezado con la canción Eye of the Tiger en que nuestra entrañable protagonista abre de nuevo los ojos al mundo para decir no me quereís, pués tendreís que aguantaros, aqui estoy. Una película de visonado obligatorio para que cada cual se forme su opinión, quizás alguno no se encharque tanto como yo a la hora de hablar de esta película que a mi me ha fascinado.

La dama de Shanghai

2007-11-25T09:25:00.000+01:00

Título original: The Lady From Shanghai. Año: 1947. Duración: 87 min. País: Estados Unidos. Director: Orson Welles. Guión: Orson Welles (Novela: Sherwood King). Música: Heinz Roemheld. Fotografía: Charles Lawton Jr. (B&W). Reparto: Rita Hayworth, Orson Welles, Everett Sloane, Glenn Anders, Ted de Corsia, Erskine Sanford. Productora: Columbia Pictures.

En el cine hay muchos idealistas que quieren romper moldes y darnos su propia versión de él, Orson Welles fue uno de ellos, trabajaba en cualquier puesto para financiarse sus proyectos privados, muchos de los cuales se quedaban en simples bocetos. Welles ha hecho verdaderas obras de arte a pesar de las manipulaciones que las productoras hacían siempre con sus creaciones, tras el montaje de esta película Orson manifestó: "Si en el laboratorio hubieran rayado iniciales y números de teléfono sobre los negativos, no podría sentirme más desgraciado sobre los resultados" y, fijénse, salió una obra de arte a pesar de no estar conforme el genio, ¿Qué nos hubiera dado si le hubiesen dejado trabajar a gusto?

Michael O'Hara (Orson Welles) defiende a Elsa (Rita Hayworth) de unos ladrones y queda prendado de ella, la mujer le propone que trabaje para su marido en un yate. El está enamorado de ella y con la ayuda del socio del marido ideará un plan para fugarse con la bella dama, pero en la maraña de intrigas y asesinatos que tendrán lugar ninguno saldrá indemne...

Las buenas películas destacan por la meticulosidad con la que se cuida hasta el más mínimo detalle incluidas las actuaciones, magníficas en este caso y en La dama de Shanghai todos los detalles están sobradamente calculados y mimados. El elenco de actores obsequiará al espectador con unas actuaciones de esas que combiene recordar. Es la genialidad de Orson, su buen hacer, la que convierte 80 minutos en una cadena de momentos inigualables.

Una confusa trama, rebuscada, nos mantendrá brújula en mano buscando el norte en este bosque de intrigas y los hilarantes y mordaces diálogos son la guinda para este delicioso pastel, prueba ello de un sólido y gran guión. Convertir un tedioso juicio en pantalla en un acontecimiento desternillante donde la trama se retuerce es como poco obra de un maestro. Orson enseñó al resto de directores que la cámara puede hacer maravillas, colocada en cualquier parte puede resultar natural, artística. Algunas de las escenas de está película, como la "de los espejos", bien podrían estar entre las mejores que se hayan rodado nunca (cuidado, este video contiene detalles de la trama y el argumento)

El metraje es excesivamente corto para una intriga como ésta, donde nos perdemos y se deja demasiado a la intuición del público, anonadado por la belleza de Rita y la magnificencia de Orson.

Terminaré esta reseña con algunas curiosidades sobre el accidentado rodaje que "vió" el divorcio de la pareja Orson y Rita y que dejó alguna estrámbotica situación:

"Welles no aguantaba al maquillador Robert J. Schiffer, desque que chocaran al incio de la grabación en el plató que imitaba a Central Park (unos 30 árboles de pega, movidos por rodillos, creaban la ilusion de que el coche a caballos avanzaba por el parque). Le despidió tras una discusión. Pero era el favorito de Rita y ésta le soltó al jefe de producción que no trabajaría más hasta que volviera su amado Bob. Esto sí, Rita no se atrevió a decírselo a Orson. Así que Shiffer maquillaba en secreto a la actriz y un ayudante la retocaba en plató... hasta que llegó el momento de volar a México. Schiffer, borracho, primero, se chivó a la prensa sobre el vuelo que el equipo, en secreto, iba a coger. Después, los del estudio escondieron en el avión a Schiffer. En el vuelo, Rita se había quedado dormida cuando entraron en una zona de turbulencias. Orson se lanzó hacia la cabina del piloto con ganas de cantarle las cuarenta, abrió la portezuela y descubrió allí a Schiffer. Por una gran casualidad, el piloto y el maquillador habían combatido juntos en la Segunda Guerra Mundial, y le había invitado a la cabina. Poco antes de las turbulencias, el comandante había puesto el piloto automático y abandono su sitio, dejando sólo a Schiffer, que no tuvo tiempo de dar explicaciones a un iracundo Welles que pensó que era una venganza y comenzó a destrozar el avión." (Gregorio Belinchón, colección Cine de Oro de El País)

Millenium actress

2007-11-24T17:26:00.000+01:00

Título original: Sennen joyu (Millennium Actress). Año: 2001. Duración: 87 min. País: Japón. Director: Satoshi Kon. Guión: Satoshi Kon, Sadayuki Murai. Música: Susumu Hirasawa. Fotografía: Hisao Shirai. Productora: Bandai Visual Co. / Chiyoko Commitee / Mad House / WoWow / Genco.

Irian-Hallstatt, cinéfilo y gran crítico, me ha recomendado esta película que, casualmente, tenía en mente ver esta tarde. Este mes estoy escorándome hacía oriente y sus películas, no es algo programado, mis motivaciones son aleatorias, y esta película es otra muestra de este último ensañamiento personal, mío, para con el cine. Será la segunda crítica de una película de Satoshi Kon que será publicada en este blog y espero que sea del agrado de los lectores, tanto, al menos, como el que yo he obtenido viéndola.

Genya Tachibana está de enhorabuena, va a realizar un documental sobre su musa, su heroina, la actriz Chiyoko Fujiwara que lleva desaparecida de la vida pública 30 años, para que se le conceda la entrevista lleva consigo un regalo para la actriz, algo que ella perdió hace mucho años, un obsequio que removerá el pasado de la sufrida señora y abrirá las puertas de sus recuerdos a los entrevistadores.

Leyendo la sinopsis uno piensa en el truño que va a ver equivocándose por completo, pués cuando la anciana actriz narra su historia viajamos al pasado de Japón del siglo XIX y la pantalla se inunda con una magnífica historia de amor, platónica. Te deja ese sabor de boca amargo cuando un buen relato se acaba justo cuando ya estás a lomos del caballo bravío persiguiendo a la princesa del cuento, ésto es lo principal de la historia, que podemos ser partícipes de los recuerdos de los demás. Me ha recordado a esos libros que, al leerlos, nos secuestran con sus relatos y las descripciones la visualizamos en nuestra mente sin necesidad de verlas, nosotros somos espectadores, jaleamos a los personajes mientras somos capaces de ponerles un rostro e imaginarnos su entorno.

Un dibujo realista que cuida el detalle más nimio da más fuerza a esta conmovedora narración, escurridiza por momentos y que nos obliga a estar muy atentos por riesgo a perdernos en el argumento, escaso pero certero éste. Algunos hilarantes comentarios aguaran el excesivo dramatismo tanto por la historia como por los sensibloides personajes, que intentarán arrancarnos alguna huidiza lágrima.

¿Prodíamos poner en orden nuestros recuerdos para narrarlos con paciencia a alguien? Perderíamos el hilo entre saltos en el tiempo, como en esta película, magnífica no lo olviden.

Toro salvaje

2007-11-24T14:58:00.000+01:00

Tirulo Original: Raging Bull. Año: 1980. Duración: 128 min. Pais: Estados Unidos. Director: Martin Scorsese. Guión: Paul Schrader & Mardik Martin. Fotografía: Michael Chapman (B&W). Reparto: Robert De Niro, Cathy Moriarty, Joe Pesci, Frank Vincent, Nicholas Colasanto, Theresa Saldana, Mario Gallo, John Turturro. Productora: United Artists.

Hoy me he alumbrado mi mañana de Sábado con este clásico, que ya tocaba uno, de Martin Scorsese, bahh poca cosa la de este hombre, Casino, Infiltrados, Uno de los nuestros, La edad de la inocencia, Gansters de Nueva York, El Cabo del Miedo..., nótese mi tono irónico pués estamos ante uno de los grandes. Unas horas con Robert de Niro y puedo asegurar que la vida merece disfrutarse y esto del cine es un disfrute, créanme. Ya pasado el sofoco adulador entremos en materia.

Jake La Mota (Robert de Niro) es un boxeador con sueños de gradeza, es bueno, lo sabe y quiere aspirar al título, su manager y hermano Joey (Joe Pecsi) tendrá que ayudarle a calmar su alocado temperamento para lograr esas triunfales aspiraciones. Es difícil controlar y querer a un salvaje paranoico, machista y engreido como Jake y ese conflictivo carácter arrastrará su felicidad y la de sus allegados al abismo.

Reseñar un film como éste es para mi harto difícil, por eso tengo en el tintero obras como El padrino, Uno de los nuestros, Una Historia del Bronx, ... mis películas base, mi pasión, el cine negro o "de mafia" como lo llamo yo. Hablar de aquellos títulos que más nos gustan es complicado sin caer en la adulación empalagosa, y más en una de las obras que encumbraron el cine de los 80.

El relato resume biografía del boxeador Jake La Mota en un retrato brutal de él mismo, su mentalidad, su obrar cotidiano, su vida, y para ello Robert es un maestro en uno de sus mejores papeles, sin duda alguna. El retrato de la ambición humana es perfecto en este trotar entre las décadas en blanco y negro, dónde la sociedad viril adormecía los sueños de las mujeres.

No recordaba un trabajo fotográfico tan magnífico, ahora me fijo más, y una cámara que hace la historia más personal, más creible, perfecta. Sentarnos en la butaca y enfrentarnos a una película de estas características es una experiencia gratificante por esa visión de la época de La Cossa Nostra, ambientada con maestría. Pese a todo no es una película donde la mafia sea la protagonista, es Jake el centro, la motivación y el huracán que la mueve.

Como quiero huir de una crítica empalagosa no voy a extenderme más, animaros a que la veaís a aquellos que no lo hicieran en su momento porque disfrutareís con la dureza de sus imágenes y os sobrecogereís con la brutal personalidad de Jake.

Un franco, 14 pesetas

2007-11-23T16:01:00.000+01:00

Dirección: Carlos Iglesias. País: España. Año: 2006. Duración: 105 min. Género: Drama, comedia. Interpretación: Carlos Iglesias (Martín), Javier Gutiérrez (Marcos), Nieve de Medina (Pilar), Isabel Blanco (Hanna), Iván Martín (Pablito), Tim Frederik (Pablo), Eloísa Vargas (Luisa), Aldo Sebastianelli (Tonino), Ángela del Salto (Carmen).Guión: Carlos Iglesias; en colaboración con Central de Guiones. Producción: José Manuel Lorenzo, Eduardo Campoy y Susana Maceiras. Música: Mario de Benito. Fotografía: Tote Trenas. Montaje: Luisma del Valle. Dirección artística: Enrique Fayanás. Vestuario: José M. de Cossío y Puy Uche.

Tanto se está hablando últimamente de inmigración que muchos, quizás los que no tienen un pasado difícil o aquellos de mente escurridiza, han olvidado que nosotros emigramos hacía paises como Francia, Alemania y, al igual que en esta película, Suiza,... Ese pasado es el que evoca esta película, la España de los 60 dónde el trabajo era complicado y, por mucho que digan, inestable.

Martín y Marcos deciden viajar a Suiza en busca de trabajo. Agarran unos ahorrillos, unos bocatas de chorizo y "omelette", se despiden de las familias y con las maletas en la mano se dirigen a su destino con sueños de millonarios y el temor del que viaja "sin papeles". Marchan con la esperanza de trabajar como mecánicos fresadores en una fábrica y se sorprenderán de las libertades que tienen las gentes de allí y que ellos ni han soñado, el régimen, ya saben.

El relato está contado con nostalgia, cercano a esas historias de chimenea abrazados por las palabras del abuelo, al mío le dedico esta reseña, pués sus historietas de la guerra nos han arropado alguna fría cena de invierno. Es ese cariño en la narración lo que se enfrenta a la crudeza de la historia, de la maldita verdad del obrero español en aquella época.

Las cadenas de la mujer en una sociedad que la anula y los topicazos del español pandereta, borrico y escandaloso también los retrata el novel Carlos Iglesias, en éste su estreno cinematográfico. Indagando en los errores de dirección encuentro una excesiva frialdad en las actuaciones, exceptuando Nieve de Medina (Pilar, esposa de Martin) que borda el papel de la mujer que quiere y no la dejan, y que nos resultan en algunas ocasiones visiblemente forzadas. El resultado final es bastante aceptable para un debutante en la dirección, que mejorando la cámara y ejerciendo un mayor dominio de los actores, cosa no hará si no "sale" de sus propias películas, podrá regalarnos buenas cosas.

Un irritante dramatismo ambientado en la españa de los 60 que pone los pelos de punta por las implicaciones sobre nuestro pasado y que sobrecarga al espectador por esa rémora sospechosa y peligrosa hacía el cine de los "Pajares y Esteso", con cariño por supuesto, pero que se disfruta, en mi caso bastante poco. Estas películas están bien porque en mi opinión, claro está, se puede perdonar pero jamás olvidar, el día que olvidemos la venda volverá a nuestros ojos y podremos tropezar de nuevo.

Fernando Fernan Gómez

2007-11-22T09:50:00.001+01:00

La vida de este gran intelectual nos ha dejado infinidad de buenos y malos trabajos, hoy en sus exequias no entraré a valorar sus obras, sólo nombrarlas por si ustedes tienen interés en algunas de ellas (fuente wikipedia):

Filmografía como director

Manicomio (1954)
El mensaje (1955)
El malvado Carabel (1956)
La vida por delante (1958)
La vida alrededor (1959)
Sólo para hombres (1960)
La venganza de Don Mendo (1961)
Y el mundo sigue (1963)
Los palomos (1964)
El extraño viaje (1964)
Ninette y un señor de Murcia (1965)
Mayores con reparos (1966)
Crimen imperfecto (1970)
Cómo casarse en 7 días (1971)
Yo la vi primero (1974)
La querida (1976)
Bruja, más que bruja (1976)
Mi hija Hildegart (1977)
Cinco tenedores (1979)
Mambrú se fue a la guerra (1986)
El viaje a ninguna parte (1986)
El mar y el tiempo (1989)
Fuera de juego (1991)
Siete mil días juntos (1994)
Pesadilla para un rico (1997)
A Porta do Sol (1998)
Lázaro de Tormes (2001)

Filmografía como actor

Rosas de otoño (Juan de Orduña, Eduardo Morera, 1943)
Se vende un palacio (Ladislao Vajda, 1943)
Turbante blanco (Ignacio F. Iquino, 1943)
Viviendo al revés (Ignacio F. Iquino, 1943)
Cristina Guzmán (Gonzalo Delgrás, 1943)
Noche fantástica (Luis Marquina, 1943)
La chica del gato (Ramón Quadreny, 1943)
Empezó en boda (Raffaello Matarazzo, 1944)
Una chica de opereta (Ramón Quadreny, 1944)
Mi enemigo y yo (Ramón Quadreny, 1944)
Eres un caso (Ramón Quadreny, 1945)
Espronceda (Fernando Alonso Casares, 1945)
Se le fue el novio (Julio Salvador, 1945)
El destino se disculpa (José Luis Sáenz de Heredia, 1945)
El camino de Babel (Jerónimo Mihura, 1945)
Bambú (José Luis Sáenz de Heredia, 1945)
Domingo de carnaval (Edgar Neville, 1945)
La próxima vez que vivamos (Enrique Gómez, 1946)
Los habitantes de la casa deshabitada (Gonzalo Delgrás, 1946)
Es peligroso asomarse al exterior (Alejandro Ulloa, Arthur Duarte, 1946)
Noche sin cielo (Ignacio F. Iquino, 1947)
La muralla feliz (Enrique Herreros, 1947)
La sirena negra (Carlos Serrano de Osma, 1947)
Embrujo (Carlos Serrano de Osma, 1947)
Hoy no pasamos lista (Raúl Alfonso, Rafael Alonso, 1948)
Pototo, Boliche y compañía (Ramón Barreiro, 1948)
Encrucijada (Pedro Lazaga, 1948)
La mies es mucha (José Luis Sáenz de Heredia, 1948)
Botón de ancla (Ramón Torrado, 1948)
Vida en sombras (Lorenzo Llobet Gracia, 1948)
Noventa minutos (Antonio del Amo, 1949)
Alas de juventud (Antonio del Amo, 1949)
Facultad de letras (Pío Ballesteros, 1950)
Tiempos felices (Enrique Gómez, 1950)
El último caballo (Edgar Neville, 1950)
La noche del sábado (Rafael Gil, 1950)
Balarrasa (José Antonio Nieves Conde, 1951)
La trinca del aire (Ramón Torrado, 1951)
El capitán Veneno (Luis Marquina, 1951)
Cincuenta años del Real Madrid (Rafael Gil, 1952)
El sistema Pelegrín (Ignacio F. Iquino, 1952)
Me quiero casar contigo (Jerónimo Mihura, 1952)
Los ojos dejan huellas (José Luis Sáenz de Heredia, 1952)
La conciencia acusa (Georg Wilhelm Pabst, 1953)
Esa pareja feliz (Juan Antonio Bardem, Luis García Berlanga, 1953)
Aeropuerto (Luis Lucia Mingarro, 1953)
Nadie lo sabrá (Ramón Torrado, 1953)
Manicomio (Fernando Fernán Gómez, Luis María Delgado, 1954)
Rebeldía (José Antonio Nieves Conde, 1954)
Morena Clara (Luis Lucia Mingarro, 1954)
La otra vida del capitán Contreras (Rafael Gil, 1955)
El guardián del paraíso (Arturo Ruiz Castillo, 1955)
Congreso en Sevilla (Antonio Román, 1955)
El mensaje (1955)
Lo scapolo (El soltero, Antonio Pietrangeli, 1955)
La gran mentira (Rafael Gil, 1956)
El fenómeno (José María Elorrieta, 1956)
El malvado Carabel (1956)
Viaje de novios (León Klimovsky, 1956)
El inquilino (José Antonio Nieves Conde, 1957)
Las muchachas de azul (Pedro Lazaga, 1957)
Faustina (José Luis Sáenz de Heredia, 1957)
Un marido de ida y vuelta (Luis Lucia Mingarro, 1957)
Los ángeles del volante (Ignacio F. Iquino, 1957)
La vida por delante (Fernando Fernán Gómez, José Luis de la Torre, 1958)
Ana dice sí (Pedro Lazaga, 1958)
La vida alrededor (1959)
Luna de verano (Pedro Lazaga, 1959)
Soledad (Mario Craveri, Enrico Gras, Félix Acaso, 1959)
Bombas para la paz (Antonio Román, 1959)
La ironía del dinero (Edgar Neville, Guy Lefranc, 1959)
Sólo para hombres (1960)
La vida privada de Fulano de Tal (José María Forn, 1960)
Crimen para recién casados (Pedro Luis Ramírez, 1960)
Les Trois etc. du Colonel (Los tres etc. del coronel, Claude Boissol, 1960)
La venganza de Don Mendo (1961)
Adiós, Mimí Pompón (Luis Marquina, 1961)
Fantasmas en la casa (Pedro Luis Ramírez, 1961)
¿Dónde pongo este muerto? (Pedro Luis Ramírez, 1962)
Benigno, hermano mío (Arturo González hijo, 1963)
Rififí en la ciudad (Jesús Franco, 1963)
La becerrada (José María Forqué, 1963)
Un vampiro para dos (Pedro Lazaga, 1965)
El mundo sigue (1965)
Ninette y un señor de Murcia (1965)
La mujer de tu prójimo (Enrique Carreras, 1966)
Mayores con reparos (1966)
La vil seducción (José María Forqué, 1968)
¿Por qué pecamos a los cuarenta? (Pedro Lazaga, 1969)
Las panteras se comen a los ricos (Ramón Fernández, 1969)
Carola de día, Carola de noche (Jaime de Armiñán, 1969)
Un adulterio decente (Rafael Gil, 1969)
Estudio amueblado 2.P. (José María Forqué, 1969)
El triangulito (José María Forqué, 1970)
De profesión, sus labores (Javier Aguirre, 1970)
Crimen imperfecto (1970)
Pierna creciente, falda menguante (Javier Aguirre, 1970)
Cómo casarse en 7 días (1971)
Las Ibéricas F.C. (Pedro Masó, 1971)
Los gallos de la madrugada (José Luis Sáenz de Heredia, 1971)
Vera, un cuento cruel (Josefina Molina, 1973)
Don Quijote cabalga de nuevo (Roberto Gavaldón, 1973)
La leyenda del alcalde de Zalamea (Mario Camus, 1973)
Ana y los lobos (Carlos Saura, 1973)
El espíritu de la colmena (Víctor Erice, 1973)
Yo la vi primero (1974)
El amor del capitán Brando (Jaime de Armiñán, 1974)
Sensualidad (Germán Lorente, 1975)
Pim, pam, pum... ¡fuego! (Pedro Olea, 1975)
Yo soy Fulana de Tal (Pedro Lazaga, 1975)
Jó, papá (Jaime de Armiñán, 1975)
La querida (1976)
El anacoreta (Juan Estelrich, 1976)
Bruja, más que bruja (1976)
Gulliver (Alfonso Ungría, 1976)
Las cuatro novias de Augusto Pérez (José Jara, 1976)
Imposible para una solterona (Rafael Romero Marchent, 1976)
Reina Zanahoria (Gonzalo Suárez, 1977)
La ragazza dal pigiama giallo (La chica del pijama amarillo, Flavio Mogherini, 1977)
Más fina que las gallinas (Jesús Yagüe, 1977)
Parranda (Gonzalo Suárez, 1977)
Chely (Ramón Fernández, 1977)
Los restos del naufragio (Ricardo Franco, 1978)
Arriba Hazaña (José María Gutiérrez Santos, 1978)
Madrid al desnudo (Jacinto Molina, 1979)
Milagro en el circo (Alejandro Galindo, 1979)
Mamá cumple cien años (Carlos Saura, 1979)
Yo qué sé (Emma Cohen, 1980)
Maravillas (Manuel Gutiérrez Aragón, 1981)
127 millones libres de impuestos (Pedro Masó, 1981)
Apaga... y vámonos (Antonio Hernández, 1982)
Copia cero (Eduardo Campoy, 1982)
Bésame, tonta (Fernando González de Canales, 1982)
Soldados de plomo (José Sacristán, 1983)
Interior roig (Interior rojo, Eugenio Anglada, 1983)
La colmena (Mario Camus, 1983)
Juana la loca... de vez en cuando (José Ramón Larraz, 1983)
Stico (Jaime de Armiñán, 1984)
Feroz (Manuel Gutiérrez Aragón, 1984)
Los Zancos (Carlos Saura, 1984)
La noche más hermosa (Manuel Gutiérrez Aragón, 1984)
De hombre a hombre (Ramón Fernández, 1985)
Luces de bohemia (Miguel Ángel Díez, 1985)
Réquiem por un campesino español (Francisco Betriú, 1985)
La corte de Faraón (José Luis García Sánchez, 1985)
Marbella, un golpe de cinco estrellas (Miguel Hermoso, 1985)
La mitad del cielo (Manuel Gutiérrez Aragón, 1986)
Pobre mariposa (Raúl de la Torre, 1986)
Mambrú se fue a la guerra (1986)
El viaje a ninguna parte (1986)
Delirios de amor (A. G. Vigil, Luis E. Aute, Cristina Andreu, Félix Rotaeta, 1986)
El gran Serafín (José María Ulloque, 1987)
Cara de acelga (José Sacristán, 1987)
Mi general (Jaime de Armiñán, 1987)
Moros y Cristianos (Luis García Berlanga, 1987)
Esquilache (Josefina Molina, Joaquín Molina, 1987)
El mar y el tiempo (1989)
El río que nos lleva (Antonio del Real, 1989)
Fuera de juego (1991)
El rey pasmado (Imanol Uribe, 1991)
Marcellino (Marcelino, pan y vino, Luigi Comencini, 1991)
Chechu y familia (Álvaro Sáenz de Heredia, 1992)
Belle Époque (Fernando Trueba, 1992)
Cartas desde Huesca (Antonio Artero, 1993)
Así en el cielo como en la tierra (José Luis Cuerda, 1995)
Pintadas (Juan Estelrich junior, 1996)
Pesadilla para un rico (1996)
Tranvía a la Malvarrosa (José Luis García Sánchez, 1996)
La hermana (Juan José Porto, 1997)
El sueño de los héroes (Sergio Renán, 1997)
Pepe Guindo (Manuel Iborra, 1998)
El abuelo (José Luis Garci, 1998)
Todo sobre mi madre (Pedro Almodóvar, 1999)
Plenilunio (Imanol Uribe, 1999)
La lengua de las mariposas (José Luis Cuerda, 1999)
Voz (Javier Aguirre, 2000)
Visionarios (Manuel Gutiérrez Aragón, 2001)
El embrujo de Shanghai (Fernando Trueba, 2002)
En la ciudad sin límites (Antonio Hernández, 2002)
Bibliofrenia (Marcos Moreno, 2003)
¡Hay motivo! (Varios, 2004) – voz en el epílogo
Tiovivo c. 1950 (José Luis Garci, 2004)
Para que no me olvides (Patricia Ferreira, 2005)
La silla de Fernando (David Trueba y Luis Alegre, 2006)
Mia Sarah (Gustavo Ron, 2006)

Un adiós sincero para este prolífico actor y gran comunicador, como en esta entrevista que le hace Jesus del Pozo que empieza con esta frase: "Se asoma a la ventana como un rey de Shakespeare y su efigie ilumina la mañana. Tiene aura de bronce..."

Un pensador, un hombre extraordinariamente culto, con su particular visión del cine: "El cine es un vehículo de expresión, pero no estoy muy seguro de que sea un arte".

Y para conocerle un poco mejor David Trueba y Luis Alegre rodaron "La silla de Fernando", una entrevista hecha cine para deleite de todos nosotros, una película que no he tenido el placer de ver y que me obligaré a ello en breve (sugerido ésto por Paton en su blog Pateando al mundo) y que presentan con esta frase: "Sólo unos pocos privilegiados conocen hasta qué punto Fernando, sentado en una silla, es capaz de convertir una charla en algo más que una charla. Esta película aspira a que esos privilegiados no sean tan pocos", si señor, todo un privilegio Fernando.

Paprika

2007-11-21T22:57:00.000+01:00

Dirección: Satoshi Kon. País: Japón. Año: 2006. Duración: 90 min. Género: Animación, ciencia-ficción, thriller. Guión: Seishi Minakami y Satoshi Kon; basado en la novela Yasutaka Tsutsui. Producción: Jungo Maruta y Masao Takiyama. Música: Susumu Hirasawa. Fotografía: Michiya Kato. Montaje: Takeshi Seyama. Dirección artística: Nobutaka Ike.

Hoy me encontraba, y me encuentro, realmente cansado, con los ojos pesados tras arduas horas ante el photoshop, el trabajo, ya saben, ni siquiera tenía pensado ver película alguna. He de decirles que mi relación con el cine puede ser como la que tienen muchas familias con la televisión, algo cotidiano aunque no apetezca. Una vez tumbado en la cama y con un libro entre las manos he encendido el ordenador y la primera película que ha salido era esta, la he puesto, cinco minutos y enganchado, como un niño con un juguete, imaginense mi cinepatía, ni libro, ni sueño y aquí estoy con los ojos alicatados para no dormirme reseñando una paranoica y fébril película, no apta para todos los públicos, sólo para amantes de la irrealidad, para ludópatas cinéfilos como yo.

Un laboratorio ha desarrollado una avanzada terapia psicológica consistente en analizar los sueños de los pacientes, pero ha de usarse con cordura, pués puede tener aplicaciones peligrosas. El experimento caerá en manos de supuestos terroristas que están convirtiendo la vida de la gente en peligrosos sueños. Paprika, el avatar de una de las psiquiatras, se encargará de llevar a cabo la onírica investigación hasta dar con los secuestradores del proyecto.

Es una locura a caballo entre la realidad y el sueño, un turbio oleaje entre ambos mundos donde los sueños invaden la realidad intentando hacerse dueños de ella y con esa visión en mente hemos de ver esta inverosímil fantasía. ¿Sería provechoso poder controlar los sueños? ¿Nos daríamos cuenta de la imposibilidad de controlar los sueños de otros? De poder hacer esto último caeríamos en la más cruenta de las manipulaciones. Intentar entender estas preguntas podría acercarnos a la intención que pudieran tener los creadores de la película que nos ocupa, si es que tuvieron alguna, a parte de rebajarnos a meros seres esquizoides.

El dibujo resulta fresco, simpático, incluso en los momentos más terroríficos, de sentirlos como tales, no incomodan ni molestan, al contrario que la música que a mi me ha sacado de mis casillas, una tecnofiesta onírica sin compás aparente, que por estridente repele, como un sueño a punto de ser recordado y que se escapa.

Me pierdo, me duermo, estoy cansado y por eso aqui lo dejaré. Una cinta para mentes abiertas, sin miedo a ser sorprendidas, en lo bueno o lo nefasto, y con la capacidad de diversión más allá de lo rutinario. El cine es un sueño o los sueños son como el cine.

Perder es cuestión de Método

2007-11-19T23:24:00.000+01:00

Dirección: Sergio Cabrera. Países: España y Colombia. Año: 2004. Duración: 105 min. Género: Thriller. Interpretación: Daniel Giménez Cacho (Víctor Silampa), Martina García (Quica), César Mora (Emir Estupiñán), Víctor Mallarino (Esquilache), Sain Castro (Barragán), Jairo Camargo (Vargas Vicuña), Humberto Dorado (Tiflis), Mimi Lazo (Susan), Gustavo Angarita (Guzmán). Guión: Jorge Goldenberg; basado en la novela de Santiago Gamboa. Producción: Gerardo Herrero, Tomás Darío Zapata y Marianella Cabrera. Música: Xavier Capellas. Fotografía: Hans Burmann. Montaje: Carmen Frías. Diseño de producción: Carlos Barbosa. Vestuario: Martha Torres.

Para no repetirme y resultar monótono me he decantado por esta película colombiana y así tener un blog más plural y de paso hacer un homenaje a los lectores sudamericanos y en especial colombianos que, aunque pocos, algunos visitan este pequeño espacio cineastil. Me he enganchado a la película con la primera canción, dura, gris, sentenciadora, y los minutos siguientes me he sentido atrapado por un elenco de actores sumamente convicente.

Un cadaver aparece empalado en la orilla de un lago en Bogotá, la exclusiva periodística la tiene Víctor Silampa un periodista venidísimo a menos. La inusual investigación de Victor acaba destapando un mundo de corruptelas y sobornos y le reportará sinsabores pero también buenas amistades, Estupiñan y Quica, que le ayudarán con el enigmático caso.

La fuerza interpretativa de los actores es tan bestial, que los personajes se nos hacen muy cercanos, y es esta cercanía la que confiere realismo a la trama. Sergio Cabrera nos presenta un argumento enredado que se desmadeja con torpeza entre escenas cómicas que parecen buscar un realismo cotidiano. El thriler pierde fuerza en esa insana búsqueda de personajes y situaciones familiares de aquellos lares colombianos.

Los diálogos resultan divertidos sin llegar a la carcajada pero si nos arrancan alguna perezosa sonrisa, vaga pués el entramado argumental no las merece, pero esa es la maldita realidad, se encuentran sonrisas y parabienes en situaciones trágicas o en momentos inadecuados.

Algunas imágenes de Bogotá muestran la belleza de una ciudad que vive con miedo, como Estupiñan nos recuerda, al narco y al paramilitar. Es muy digna de ser vista, exótica, distinta, divertida. y termino con una frase que me ha resultado curiosa en esta macedonía de película: "la batalla con la mujer es la única que se gana huyendo"

La casa de las dagas voladoras

2007-11-18T21:59:00.000+01:00

Dirección: Zhang Yimou. Países: China y Hong Kong. Año: 2004. Duración: 119 min. Género: Drama, acción, romance. Interpretación: Takeshi Kaneshiro (Jin), Andy Lau Tak Wah (Leo), Zhang Ziyi (Mei), Song Dandan (Yee). Guión: Li Feng, Zhang Yimou y Wang Bin. Producción: Bill Kong y Zhang Yimou. Música: Shigeru Umebayashi. Fotografía: Zhao Xiaoding. Montaje: Cheng Long. Diseño de producción: Huo Tingxiao. Dirección artística: Han Zhong. Vestuario: Emi Wada.

Una tarde de Domingo otoñal, víspera del Lunes fastidioso, tenía yo ganas de alguna oriental de artes marciales y ésta, tan elogiada por los medios y por la crítica, era la cinta perfecta, a priori prometía dejar un buen sabor de boca que se ha tornado amargo a mitad de metraje y rancio al final, quedando en el recuerdo una sensación empalagosa, molesta.

La dinastía Tang, China siglo IX, está en declive, el gobierno pleno de corruptelas esta acosado por múltiples grupos rebeldes que luchan contra él. La Casa de las dagas voladoras es el más peligroso de los clanes opuestos al gobierno. La guerra está en marcha y el gobierno presiona a sus soldados para que capturen al nuevo lider del peligroso clan, tienen diez días para ello, pero el clan también tiene su estrategia preparada, ¿quien saldrá victorioso?

Con una sinopsis tan sugerente nos esperamos una película sangrienta, nos preparamos para ello para encontrarnos con un melodrama romántico apasionante. Estoy siendo contradictorio, resulta empalagosa por el empacho visual, casi forzado, perseguido con exageración, y, también, por el apabullante romanticismo entre los personajes, la guapa Mei nos tendra en vilo con sus desmanes amorosos. A pesar del empacho la película es excelente, pero este que escribe esperaba otra cosa, me ha pillado por sorpresa.

Pasados unos minutos todavía nos cuesta apartar de la retina las imagenes tan coloridas que hemos visto, el rostro de Zhang Ziyi (Mei) será dificil de olvidar. Los actores Takeshi Kaneshiro y Andy Lau Tak Wah que encarnan a los dos jóvenes soldados sobre los que fluye la trama nos brindan unas magníficas actuaciones, en especial el primero pués parece enterarse de las cosas al tiempo que el espectador. Las coreografías en las escenas de acción están realmente logradas, perfectas.

Realizadas las alabanzas he de compartir mi frustación con vosotros, tanto se han cebado en la fotografía y el dramatismo que se han olvidado por completo de mostrarnos la China medieval, base histórica de la trama, exceptuando el vestuario. La sensación de majestuosidad se disuelve con el correr del metraje fusionándose en una marejadilla amorosa excesivamente saturadora. Cuando la historia toma forma se abren algunas posibilidades en el argumento y creo que han elegido la equivocada, pasando de un todo a una parte.

A pesar de este puntual cabreo debo reconocer que he visto una buena película aunque ésta puede incordiar a ciertos sectores del público, demasiado vistosa, en exceso romántica.

El violín rojo

2007-11-18T09:52:00.000+01:00

Título Original: The Red Violin. Año: 1998. Duración: 130 min. País: Canadá. Director: François Girard. Guión: Don McKellar & François Girard. Música: John Corigliano. Fotografía: Alain Dostie. Reparto: Samuel L. Jackson, Greta Scacchi, Jason Flemyng, Colm Feore, Carlo Cecchi, Irene Grazioli, Jean-Luc Bideau, Sylvia Chang. Productora: New Line International Releasing / Channel Four Films / Telefilm Canada.

Pese a contar con un renombrado premio Oscar está película ha tenido un paso discreto por nuestras salas de cine, yo no la conocía, la ignoraba completamente, de ahí mi sorpresa al verla y encontrarme con una joya para los sentidos. El premio de la academia se lo otorgaron por la expléndida banda sonora que John Corigliano tiene a bien regalarnos. La música es, si duda alguna, una de las diferencias entre las grandes obras y el resto, a mis ojos, mis oídos. Por supuesto es una idea personal, mía.

Niccolo Bussotti, un maestro artesano del siglo XVII, va a ser padre, su sueño es que ese hijo sea músico, para ello fabrica un violín especial, como obsequio para su pequeño. Esta película narra el viaje de esta joya musical a través de la historia hasta su subasta en la Cánada de nuestros días.

La principal peculiaridad de está película es que en la versión original está rodada en cinco idiomas, Italiano, Alemán, Francés, Mandarín e Inglés y ha de ser una auténtica gozada poder verla en dicho formato, yo he tenido que verla traducida, una pena. Mis primeras líneas voy a dedicarlas a la banda sonora que es, sin discusión, el corazón de esta obra, en ciertos pasajes cerraríamos los ojos, si no estuvieramos hipnotizados por la belleza visual de las imágenes, y empezaríamos a volar a través de los años hasta sentarnos a escasos metros del músico para acariciar las mágicas notas y besar con fruición a su artista. No es que yo sea un entendido en música orquestal, o clásica, pero puedo reconocer cuando se hace un buen trabajo, excelente podría asegurar.

La narración es pausada, como situada a lomos de un barco a la deriva lo que hace que sufra altibajos, gobernados por la época en la que nuestro violín se encuentre. El director, François Girard, realiza un montaje extraño con saltos en el tiempo que en lugar de resultar ofensivos al espectador se convierten en una estimulante forma de narrar la historia, que al ser un thriller está ligada a la investigación pre-subasta.

El carácter romántico de la obra y el cariño con el que han cuidado la narración, las actuaciones, los decorados (estos magníficos, soberbios) convierten esta obra en una auténtica novela visual, algo único, esperemos que no irrepetible. Los trajes de época, las costumbres, los lugares y los detalles están tan sumamente cuidados que nos cuesta avanzar en el desarrollo, nos duele el cambio de secuencia. Yo he quedado impresionado por esta barbaridad sensorial, que maravilla.

Quería terminar con unos breves apuntes sobre los actores, reconocer el siempre sobrio y excelente trabajo de Samuel L. Jackson (actor que me tiene ganado desde Pulp Fiction) y la pequeña actuación, pero no de menor calidad, del pequeño violista huerfanito que con su música transmite todo, el primer amito de verdad de nuestro Violin Rougue, Kaspar Weiss (interpretado por Christoph Koncz). Yo me encuentro féliz por haber tenido la oportunidad de ver esta obra maestra, ustedes juzguen por si mismos.

El guerrero Pacífico

2007-11-17T11:48:00.000+01:00

Título Original: Peaceful Warrior. Año: 2006. Duración: 120 min. Pais: Estados Unidos. Director: Victor Salva. Guión: Kevin Bernhardt (Novela: Dan Millman). Música: Bennett Salvay. Fotografía: Sharone Meir. Reparto: Nick Nolte, Scott Mechlowicz, Amy Smart, Ashton Holmes . Productora: Lions Gate Films.

Esta película la tenía en mi lista de futuribles desde hace mucho tiempo, siempre pasaba por mis manos cuando iba a elegir alguna para ver. Nunca debió pasar de ahí, demasiado mística, demasiado aburrida. Estas historias de superación personal o de filosofía Zen no encajan conmigo, me hastían, pero este título prometía, me regocijaba que pudiera ser la nueva versión del Karate Kid y su Miyagui.

Dan (Scott Mechlowicz) es un joven entusiasta, buen estudiante y deportista de élite que se entrena diariamente para pasar las clasificatorias gimnásticas. Su vida alocada termina con un fatal accidente de moto que le obliga a abandonar sus entrenamientos, hundiéndole en la desesperación y la impotencia. Sócrates, un viejo empleado de una gasolinera le sacará de ese mundo apático y le dará la fuerza psicológica para superar cualquier obstáculo.

La espiritualidad que rodea a la cinta es aberrante, quizás esté sacada del libro, ciertamente me esperaba una película más activa, no tan centrada en las frustaciones de un joven orgulloso. La primera parte de la película se resume en un indigante telefilme lloroso y lastimero, pero algo tiene que nos engancha, aunque sea un poquillo.

No todo son desamores en esta cinta, Scott Mechlowicz nos regala una magnífica actuación, emotiva, sincera. Han pincelado magníficamente las emociones de los deportistas de alto nivel fusilados por la presión de superarse y las desagradecidas lesiones. La superación de estos problemillas con la espiritualidad es lo que yo no tengo tan claro, aunque este caso sea real les ha faltado fuerza narrativa para llegar al público, a pesar de contar con el bueno de Nick Nolte (el viejo Sócrates que apadrinará al sufrido gimnasta).

En algunos instantes estamos al borde de la desesperación con tanta recreacción dramática, ciertamente con alevosía. Esas escenas sobrecargadas dan al traste con todo el trabajo, pués saturan excesivamente al espectador. Esta historia de sobremesa barata bien valdría para rellenar alguna tarde de verano aburrida si no fuera por su excesivo metraje.

Shoot'em up

2007-11-15T22:59:00.000+01:00

Dirección y guión: Michael Davis. País: USA. Año: 2007. Duración: 86 min. Género: Acción, thriller, drama. Interpretación: Clive Owen (Sr. Smith), Paul Giamatti (Sr. Hertz), Monica Bellucci (DQ), Greg Bryk, Stephen McHattie (Hammerson), Ramona Pringle. Producción: Susan Montford, Don Murphy y Rick Benattar. Música: Paul Haslinger. Fotografía: Peter Pau. Montaje: Peter Amundson. Diseño de producción: Gary Frutkoff. Vestuario: Denise Cronenberg.

Tiempo llevaba yo buscando un título como este, una película que me hacía falta para poner candela en mis neuronas, para desconectar. Se ha reavivado el héroe tímido que llevo dentro, el justiciero soñador de los sueños de un infante, y todo ello en un galimatías de balazos y malhechores malísimos.

Una mujer es perseguida, está siendo tiroteada cerca de donde el Sr. Smith espera el autobús, eso no lo soporta, ha de intervenir. En medio de ese tiroteo nace el niño, un bebito que será buscado por peligrosos criminales hasta darle muerte, Smith decide protegerlo. Para cuidar al chiquitín mientras el dispara contará con DQ (Mónica Belluci). ¿Por qué alguien quiere matar al bebé?

Es maravilloso encontrarse una película carente de argumento pero sumamente divertida, con un guión repleto de pinceladas extraordinarias. Todo sucede tan rápido que cuando parpadeamos estamos corriendo con el niño entre los brazos y en el segundo parpadeo advertimos encantados que existe una trama escondida en el guión, ahora estamos enganchados, no tenemos salida. Ale, a esquivar balas y divertirse.

Se me antoja una cinta satírica hacía otras del género. Toda ella es un sinsentido, una borrachera excesiva de acción que abrumará, o quizás aburrira, al espectador más pudoroso. Clive Owen, magnífico en Sin City e Hijos de los Hombres interpreta, con solvencia, el sueño hormonal de todo adolescente, y no tan joven, masculino eso si, con su austeridad expresiva de siempre. Monica Belluci cierto es que tiene un papel de lucir palmito, aunque bueno es que aparezca.

A sabiendas de que hemos de tomarnos esta película con humor el tema que tratan es escabroso, y lo hacen de manera tan superficial, tan ofensiva que resulta indignante, no revelaré más para huir del temido spoiler. Amigos, yo he disfrutado esta tarde como un chiquillo. Me extendería gustosamente si la película diera para una larga discusión, no es el caso si exceptuamos la gloriosa música, que los amantes del hard rock apreciarán, sublime.

Adiós pequeña adiós

2007-11-15T11:23:00.000+01:00

Dirección: Ben Affleck. País: USA. Año: 2007. Duración: 114 min. Género: Drama, thriller. Interpretación: Casey Affleck (Patrick Kenzie), Michelle Monaghan (Angie Gennaro), Morgan Freeman (Jack Doyle), Ed Harris (Remy Bressant), John Ashton (Nick Poole), Amy Ryan (Helene McCready), Amy Madigan (Bea McCready), Titus Welliver (Lionel McCready), Michael Kenneth Williams (Devin), Mark Margolis (Leon Trett). Guión: Ben Affleck y Aaron Stockard; basado en la novela de Dennis Lehane. Producción: Alan Ladd Jr., Dan Rissmer y Sean Bailey. Música: Harry Gregson-Williams. Fotografía: John Toll. Montaje: William Goldenberg. Diseño de producción: Sharon Seymour. Vestuario: Alix Friedberg.

No hace mucho se me recomendó esta película, por parte de los inesperados amigos de Pateando el mundo y, por ello, me he animado a verla y de paso intentar quitarme los prejuicios hacia el apellido Affleck. Esta película fue retrasada en su estreno por las similitudes con el caso Madeleine, incomprensibles tabués y maneras políticamente correctas que me dejan perplejo. Doble rasero humano, parca virtud si somos incapaces de separar ficción de realidad.

Una niña desaparece en un barrio marginal de Boston. La familia muestra su escasa confianza en la policía contratando a unos jóvenes detectives, gente del barrio de toda la vida, para que ayuden en la investigación, que se convertirá en una sórdida carrera entre la moral y el deber. Todos quieren colaborar, nadie quieren hablar pero el perseverante Patrick (el hermanito Affleck) escarbará hasta dar con la verdad.

El estreno de Ben como director no dejará indiferente a nadie, y no por su buen hacer, discutible sin duda, pero si por un guión excepcional, de Óscar sin duda alguna. ¿Tendrá éxito en taquilla? Evidentemente, somos una sociedad amarillista y la gente pagará gustosa por el morbo del caso de la pobre niña inglesita que tantos tabloides y telediarios ha copado. El argumento es claro, una búsqueda insensata y amarga de una niña, el guión fantástico con sus giros e incógnitas bien trabajadas, las actuaciones salvo el inigualable Morgan Freeman del montón, lastimosas, la música ausente, error fatal en una película de dos horitas, y la cámara de primerizo, simplona, acertada, cómoda.

La intensidad de la cinta aumenta con el correr de los minutos, menos mal porque de no ser así nadaríamos durante toda la obra en el telefilm barato que nos presentan en el arranque, un telefilm de sobremesa, de tres de la tarde, que se diluye, acertadamente, conforme avanzamos. Nos ha querido mostrar el bueno de Ben una sociedad marginal que no tiene por amigos a los foráneos del barrio, un gueto consentido y nos pincela una eterna realidad sobre la justicia... Lo resumiré desde mi punto de vista, debeís verla para juzgar, en una simple frase: Hemos de ser justos nunca justicieros.

No puedo pasar por alto la simplista moralina que nos quieren transmitir, y digo simplista pués no la abordan desde el lado correcto, la legitimidad de decidir sobre la vida de terceros, la absolución del justiciero. Quizás sea por mi forma de ver la vida, mis ideas, pero estas moralinas baratas estropean toda una buena película, dejándola, a mis ojos, oliendo a estiercol ético. Esto es lo que me cabrea del cine hollywoodiense, su moral, su adoctrinamiento sencillote y gratuito, y su búsqueda execrable de lo políticamente correcto. No Ben, no lo has hecho bien, has caído en el agujero del mas de lo mismo.

Como siempre vean, juzguen y luego discutimos.

El viento de amnesia

2007-11-14T21:49:00.000+01:00

Nacionalidad: Japonesa. Año: 1993. Género: Animación. Duración: 80 minutos. Director: Kazuo Yamazaki. Guión: Kazuo Yamazaki, Yoshiaki Kawajiri. Música: Kazz Toyama, Suenobu Takimoto, Akemi, Takashi Tsushimi. Distribuidora: Manga Films. Reparto: Wataru, Sophia, Johny, Sue, Little John, Mr.Simpson, Lisa.

Otra vez en la urbe, lejos queda la abducción campestre en que se han convertido mis vacaciones y que mejor que una película filosófica para el reencuentro con la mal llamada civilización. Tenía en mente un visionado a alguna película de animación, ya tocaba, y esta me rondaba desde hace tiempo al tener una carga filosofal que me intrigaba, eso decían mis pesquisas inciales. Kazuo Yamazaki, el director, demuestra ser un maestro de la animación, al menos en esta película.

Algo extraño le ha pasado a la humanidad, han perdido su memoria, volvemos a ser primitivos, hemos de empezar de nuevo, aparentemente sólo se ha salvado de la amnesia Wataru, gracias a unas instalaciones militares, y ahora busca personas a las que enseñar todos sus conocimientos.

La sinopsis es reducida, no se necesita más para entender la gran pregunta que plantea esta película, ¿es el conocimiento clave para la humanidad o podríamos sobrevivir como animales instintivos? Esta pregunta se nos hará patente al comienzo de la cinta y no van a intentar resolverla, solo nos van a plantear situaciones que puedan ayudarnos en nuestra respuesta. Eso si, no vayan a pensar mal, también tendremos dosis de acción, no todo va a ser misticismo.

Podremos criticar la calidad de los dibujos, aunque a mi me han parecido sufiecientes y bastante trabajados, carentes de la vistosidad de otros títulos del género, sin embargo los personajes, el ambiente que se crea y la historia nos engancharán con facilidad. La enigmática Sue le da el toque misterioso que necesitamos ante la aventura heróica que pretende acometer Wataru.

Nos pintarán muchas incógnitas sobre la humanidad y hemos de ser capaces de reflexionar, pués ese es el objetivo de esta película, como ello mismos dicen: "¿has aprendido algo Wataru?"

Mi reflexión sobre este asunto es complicada de expresar en unas líneas pero intentaré sintetizar mis pensamientos. La humanidad no solo se compone de conocimiento o instintos, también tenemos emociones que enlazan ambos extremos, quizás mostráramos más inteligencia si fueramos capaces de conocer a nuestros semejantes. Hay que buscar un justo equilibrio entre la emoción visceral, el instinto irracional y el conocimiento fanático.

Véanla, es hermosa, invita a pensar y eso, amigos, es de agradecer. Saludos.

El señor Ibrahim y las flores del Corán

2007-11-09T09:02:00.000+01:00

Dirección: François Dupeyron. País: Francia. Año: 2003. Duración: 95 min. Género: Drama, comedia. Interpretación: Omar Sharif (Señor Ibrahim), Pierre Boulanger (Momo), Gilbert Melki (Padre de Momo), Isabelle Renauld (Madre de Momo), Lola Naymark (Myriam), Anne Suarez (Sylvie), Mata Gabin (Fatou), Céline Samie (Eva), Isabelle Adjani (La Estrella), Eric Caravaca (Momo adulto). Guión: François Dupeyron; basado en la novela de Eric Emmanuel Schmitt. Producción: Michele Petin y Laurent Petin. Música: François Maurel. Fotografía: Remy Chevrin. Montaje: Dominique Faysse. Diseño de producción: Katia Wyszkop. Vestuario: Catherine Bouchard.

Ayer fui halagado por parte de los blogueros de Pateando el mundo y esta reseña voy a dedicársela con admiración y regocijo. Que un blog de calidad donde se cuidada con esmero la prosa y las imágenes nos arrancan esa sonrisa olvidada en las jornadas laborales se interese por uno es hermoso. Para esta dedicatoria pensé en 2046 de Wong Kar Wai, para continuar el ciclo asiático, pero no encontré la dichosa película en mi colección, me interesé también por Go de Isao Yukisada, dónde el racismo es la base de la cinta, y pensé que para no encasillarme en Asia debía sorprender con algo distinto y empezó mi búsqueda (que consiste en barajar cual partida de cartas hasta dar con la película adecuada). Esta investigación me llevó a otros tres títulos, esta vez europeos (considero que sobre cine americano su cultura será superior a la mía), tres temáticas, tres mundos distintos, el primero el mundo pasional de Krzysztof Kieslowski (Polonia; el hombre de los tres colores) en No amarás, el segundo la reivindicación politika de Los Edukadores de Hans Weingartner (Austria; el hombre de la austeridad en el rodaje) y al final me decanté por El señor Ibrahim y las flores del Corán de François Dupeyron (Francia) por ese acercamiento a la religión musulmana con respeto y cariño, tachando tabúes y por la dulzura del rodaje. Después de esta diatriba insufrible es de ley que comience con la reseña de esta dulce y sencilla película.

Paris, años 60, es una ciudad enérgica con un pie en el cambio y el progreso y Moises, Mo-Mo cariñosamente, sufre su adolescencia en un barrio obrero. Con las hormonas disparadas y con desconocimiento de sus actos descubre el sexo, la soledad, el hastío de una vida monótona y la amistad de Ibrahim, un amigo, un padre desinteresado que le enseñará a ser felíz sin tener motivos para ello con la paciencia de un abuelo y la humildad de un pobre.

El acercamiento de las culturas musulmana y judía, del contraste del querido y el necesitado es lo más destacable de esta sencilla obra, no hemos de buscar gradilocuencias ni críticas, ni posiciones respecto a la vida, simplemente se nos muestra que existe gente enamorada de su religión, gente buena, gente necesitada de amistad y también nos enseña la crueldad de la vida, que siempre llega al menos indicado.

Me ha impactado la música, inunda los 97 minutos de la obra, que se recrea en las escenas, los diálogos y nos transporta al mundo que vive Mo-Mo. La fotografía es discreta con momentos álgidos en los momentos finales, y algunos comentarios son para apuntárselos en un papel y leerlos con calma, tres pinceladas que lo demuestran: "...Mo-Mo, no soy árabe, soy musulmán...", "...este pais es rico, tiene papeleras en las calles...", "...aqui arabe significa estar abierto de 8-24:00...".

Película que desprende pensamiento liberal, solidaridad y tolerancia, donde el respeto a todas las profesiones y formas de vida se tiene muy en cuenta y que a más de uno debería hacerle reflexionar. No estamos hablando de una maravilla del cine, sin embargo a mi se me hizo excesivamente corta al tratar el drama desde los ojos de un niño adolescente y la vida desde los ojos de un espectador reflexivo. Contar con Omar Sharif en el reparto ayuda a dar fortaleza a la historia y a los personajes con su actuar simplista y natural.

Esta reseña se está asemejando a un tratado económico por su extensión, ha de llegar al final. Nos invita a reflexionar y nos baja del pedestal urbanita al que nos subimos cada despertar.

Ahora me despido por unos días, me he ganado unas vacaciones, saludos a todos, y mis gratitudes por sus visitas. Paton espero que alguna de las películas de estas líneas cumplan la tarea de entretenerte.

Primer

2007-11-07T18:11:00.001+01:00

Dirección y guión: Shane Carruth. País: USA. Año: 2004. Duración: 77 min. Género: Thriller, Ciencia-ficción. Interpretación: Shane Carruth (Aaron), David Sullivan (Abe), Anand Upadhyaya (Phillip), Casey Gooden (Robert), Carrie Crawford (Kara), Jay Butler, John Carruth, Samantha Thomson (Rachel), Chip Carruth (Thomas), Jack Pyland, Keith Bradshaw, Ashok Upadhyaya. Producción: Shane Carruth. Música: Shane Carruth. Fotografía: Shane Carruth. Montaje: Shane Carruth.

No voy a mentir, la elección de esta película para la noche de ayer se debió única y exclusivamente a su duración, 77 minutos, era tarde y no quería trasnochar. Como no tenía las pilas cargadas del todo esta película me ha parecido como un filete pasado que cuesta masticarlo, mi intención era ver una obra lighty sencillita y no algo tan complejo que a punto estuvo de quitarme el sueño. Madre del amor hermoso que manera de castigar mi sufrido intelecto para dilucidar la dirección en que soplaba el viento en esta extraña película.

Aaron (Shane Carruth) y Abe (David Sullivan) son dos ingenieros que en sus ratos libres se dedican a realizar experimentos cinetificos en un garage, su último logro, una caja que aparentemente reduce la masa manipulando la fuerza de la gravedad, o eso creen ellos. Cuando descubren el alcance de su invento tienen que enfrentarse a la decisión de usarlo en su beneficio y, de ser asi, afrontar las consecuencias.

Claramente estamos ante una película de las mal llamadas cine de autor donde, con un presupuesto irrisorio, 7000 $, el argumento lo es todo y el espectador está obligado a participar usando su intelecto para intentar entender que pasa, eso sí esto último es mejor realizarlo después de ver la película que durante o corremos el riesgo de no enterarnos de nada.

Con una abundante carga filosófica y algún matiz científico me recuerda en exceso a Pi: fe en el caos, aunque en este caso la paradoja sea distinta, en una la aletoreidad del caos bursátil, en la otra la moralidad de la modificación temporal, ambas dan que pensar y ambas nos dejan destrozados tras verlas, ya que después de ello nos toca pensar, y mucho.

Al ser un cine de bajo presupuesto ya podemos intuir que los efectos especiales brillan por su ausencia, algo de agradecer en una cinta de ciencia ficción, que últimamente se están cebando, y por el contrario gana fuerza esa ciencia ficción psicológica, menos intuitiva, al estilo Orson Scott Card o quizás Isaac Asimov claro está, guardando las distancias con estos dos genios de la ciencia ficción. La incertidumbre sobre hacer el bien o buscar provecho propio, las discusiones que eso conlleva y la inevitable verdad de la relatividad temporal que incita la inquietante pregunta sobre si se puede cambiar lo vivido.

Una interesante voz en off aparece en los momentos en los que estamos más perdidos para poner algo de luz justo cuando tenemos la cuchilla cerca de las venas nadando en la ignorancia más absoluta y, ahh mundo glorioso cuando nos enteramos de quien es, y al final sólo nos queda reconocer que hemos visto una aunténtica maravilla, claro está de esas que o aborreces o adoras. Yo soy de los segundos.

Poco más reseñar sobre Primer sin caer en algún spoiler, resaltar el carácter enigmático de esta obra y animaros a que la veaís y acercaros así a otro cine.

Lo que está por venir

2007-11-07T18:11:00.000+01:00

En vísperas, casi casi, de la navidad, época de estrenos mil me he decidido a hacer una pequeña recopilación de los títulos por estrenar y que han despertado mi cinéfílo corazoncito y las ganas de verlas, de todas las que están por aparecer en los cines, éstas son las por las que me he decantado, espero podamos disfrutarlas con prontitud. Si linkais en las imágenes os mandará a la reseña, crítica o similar sobre cada película (espero completar este post con otras 9 películas más)

Los seis signos de la luz

2007-11-07T09:10:00.000+01:00

Dirección: David L. Cunningham. País: USA. Año: 2007. Duración: 94 min. Género: Aventuras, fantasía. Interpretación: Alexander Ludwig (Will Stanton), Christopher Eccleston (El Jinete), Frances Conroy (Miss Greythorne), Ian McShane (Merriman Lyon), Gregory Smith (Max), Amelia Warner (Maggie Barnes), Jim Piddock (George), James Cosmo (Dawson). Guión: John Hodge; basado en la novela de Susan Cooper. Producción: Marc Platt. Música: Christophe Beck. Fotografía: Joel Ransom. Montaje: Eric Sears y Geoffrey Rowland. Diseño de producción: David Lee. Vestuario: Vin Burnham.

Esta película la vi publicitada en las pantallas del cine y el trailer no me disgustó. Tenemos infinidad de ejemplos de películas basadas en libros (El padrino, El señor de los anillos, Harry Potter, Blade runner, Drácula...) y ahora otra nueva saga llega a las pantallas, publicitada como la sustituta de Harry Potter. Ignoro si los libros están a la altura de los del mágico Harry, pero puedo predecir que esta película no conseguirá el tirón necesario.

La numerosa familia Stanton es nueva en la ciudad, todos están intentando adaptarse, quizás el que más problemas tiene para ello es Will Stanton (Alexander Ludwig), el pequeño de la familia. Will empieza a notar que algo en él está cambiando y todo se debe a que es el último de una saga de guerreros destinados a luchar contra la oscuridad. Él es el heredero, el buscador que ha de encontrar la forma de vencer a la maldad.

La historia no está tan mal, pero la han rodado en formato "película familiar", todo amor y fantasia. Es imposible que se nos haga pesada pues es extramadamente corta para todo lo que tienen que contarnos, a mi juicio le falta una hora o más de metraje, ocurre todo rapidisímo. Echamos en falta unos personajes más sólidos, mejor presentados, pues somos nosotros los que tenemos que ponerles el carácter. En esta primer acercamiento diré que tras unas nefastas actuaciones, un mal rodaje y unas prisas excesivas me quedo con la historia de fantasia y me imagino yo una película mejor.

Dudo de que el libro, de Susan Cooper, sea tan pastel o tan infantil, aunque de serlo es incuestionable que el formato elegido para la película no es el correcto , falta enganche, empuje y emoción.

Lo único salvable de esta película es el entretenimiento que nos genera aunque con pinceladas pues en bastante minutos andamos perdidos y exigiendo respuestas sobre los acontecimientos. Es delecnable el trabajo de cámara, fotografía y actoril, quizás con algún personaje con garra la cosa hubiera bastado, pues le falta un pequeñísimo empujoncito para conseguir transmitirnos siquiera algo.

Las prisas por estrenar en fecha, las limitaciones por encajar el film en un público determinado y posiblemente las limitaciones de presupuesto consiguen que esta película resulte totalmente prescindible, aunque si os sobran 95 minutillos podeís verla entreteneros lo justito y a correr, que la vida son dos días.

Lazos de guerra

2007-11-05T23:16:00.000+01:00

Título original: Tae Guk Gi - The Brotherhood of War (Taegukgi hwinalrimyeo). Año: 2004. Duración: 140 min. Pais: Corea. Director: Je-gyu Kang. Guión: Je-gyu Kang. Música: Dong-jun Lee. Fotografía: Kyung-Pyo Hong. Reparto: Dong-Kun Jang, Bin Won, Eun-ju Lee . Productora: KangJegyu Films.

Después de Silmido creía que no iba a encontrar una película coreana a la altura, al menos tan rápido, el caso es que ayer al informarme sobre la mencionada película, encontré referencias a esta otra, Lazos de guerra, y como la tenía por casa pues he decidido visionarla con la agradable sorpresa de encontrarme con una joya del cine bélico, de lo mejorcito del género que he visto.

Jin-Tae y Jin-Seok son dos hermanos que viven apaciblemente en Corea del Sur, uno zapatero, el otro estudiante y ambos con sueños de futuro, hasta que la invasión de Corea del Norte en 1950 trunca sus vidas y han de "alistarse" por el bien del pais. Jin-Tae, el mayor de los dos hermanos se promete proteger la vida de Jin-Seok aún a costa de la suya y de su lealtad al pais, pero este afán es desgradecido y utópico en una cruenta guerra.

La base histórica de la película es imperturbable, la división de un pais tras la Segunda Guerra Mundial, la parte norte ocupada por la Rusia comunista y la parte sur por los americanos capitalistas, este enfrentamiento de políticas evitó la creación de un estado coreano único. En 1950 Corea del Norte invadió a su homónimo del sur con objetivo de la reunificación lo que provocó una desastrosa guerra de 3 años en la que China apoyo al bando comunista. La película es bastante fiel a la historia pero desde la perspectiva del soldado, no el soldado machote de La chaqueta metálica, si no el soldado puteado, cabreado y con ganas de irse a casa, el soldado que no entiende porque se mata, el soldado que sabe que ha de amar a su pais y morir por él.

La relación familiar entre los hermanos y su protección mutua es el eje sentimental de la película y hace que no acabemos hastiados de tanta metralla y traje verde, nos acerca a la verdad de la guerra, a su injusticia.

Nos encontramos con una película bélica completa, sus 142 minutos dan para mucho, incio de las hostilidades, creación del frente, avace, retroceso, reinvasión, huida, justicia popular, ... están retratadas todas las horribles facetas de la guerra desde las tácticas militares, hasta las masacres a civiles, el odio entre las tropas alentado por mandos militares severos y avivado por las barbaries cometidas por el bando enemigo. Todo un cocktail de ingredientes que aseguran diversión, crítica y un cine de calidad, fantástico.

No estamos ante un cine light, las imágenes son duras y un excelente trabajo de montaje y una correcta fotografía no dan pie a la imaginación al retratar un soberbio realismo. Se han apoyado, quizás en exceso, en la figura de un héroe, entiendo que para dar consistencia a la historia y enganchar al público con un personaje emotivo, visceral y sanguinario, cuya única lealtad es su familia.

Un reflejo más de la continua necesidad del ser humano de acabar con la vida de sus semejantes mediante incomprensibles guerras que sólo generan dolor, miseria y odio. A estas alturas yo tengo pocas dudas sobre la imbecilidad del homo sapiens, única raza del mundo capaz de matar a un semejante por envidia. Por si tenían alguna duda esta película es una auténtica joya del cine bélico, ahora ya se sabe, para gustos los colores.

Silmido

2007-11-04T22:56:00.000+01:00

Año de producción: 2003. Dirección: Kang Woo-Suk. Intérpretes: Ahn Sung-Kee, Sol Kyung-gu, Heo Jun-ho, Jeong Jae-yeong, Kang Seong-jin. Guión: Kim Hie-jae. Música: Han Jae-kwon. Fotografía: Kim Sung-Bok. Distribuye en DVD: Manga Films. Duración: 125 min.

Siempre tenemos días en los que nos apetece una película de acción para no tener que pensar demasiado y pasar una tarde de domingo lo mejor que se pueda, sin pena ni gloria, este era mi caso y no pude cumplir mi objetivo. Esta película tiene una carga dramática y crítica bastante impresionante y no puede dejarle a uno indiferente.

Las relaciones diplomáticas entre las dos Coreas están muy tensas y ambas partes piensan en la reunificación, Corea del Sur entrena a un grupo de élite para asesinar al lider comunista de Corea del Norte. La unidad de élite la componen asesinos, ladrones y escoria ciudadana y tienen prometido el perdón una vez cumplida la misión, pero antes han de sobrevivir al entrenamiento, duro y mortal, al que serán sometidos.

Solamente del párrafo anterior uno saca la conclusión de que nos enfrentamos a Los doce del Patíbulo en versión Coreana, con matices de El Sargento de Hierro o La Chaqueta metálica, y no andará muy desencaminado pués esta entretenida cinta tiene matices de todas ellas aunque el sargento Highway no hace sombra a los instructores asiáticos.

Esta película está basada en una historia real que ocurrió en la isla Silmido, una historia que se quiso esconder, de ahí mi sorpresa de que un pais que ha sufrido una dura dictadura sea capaz de hacer una película tan crítica consigo mismo y lograr una impresionante aceptación (cerca de 11 millones de espectadores).

Distinguimos tres fases claras, presentación de la historia y personajes, entrenamiento y drama y crítica al final, bastante dilimitados, como cuando hacíamos la redacciones en el "cole", los trabajos de iluminación y cámara no son excesivamente buenos, sin embargo la historia y el guión tienen la suficiente fuerza para motivarnos, engancharnos y divertirnos durante las dos horas de metraje. Han dado mucha importancia a las relaciones humanas y al sentido del deber patriótico, a mi gusto han pecado de exceso de carga nacional, pero si la suprimieran ya nos sería una historia real, en el ejército eso es lo que prima, lealtad.

El sentido crítico hacía los insensibles gobiernos que han de esconder oscuras decisiones y lúgubres acciones por el bien del estado es lo que más me ha llamado la atención, de hecho para filmar esta película se encontraron con falta de información y censura de material delicado, a veces nos quieren hacer creer que el estado (patria, nación, pais,...) es un ente místico que está por encima del bien y del mal y hemos de adorarle como borregos deslanados.

Mala Sangre

2007-11-01T15:19:00.000+01:00

Titulo original: Mauvais sang. Año: 1986. Duración: 119 min. Pais: Francia. Director: Leos Carax. Guión: Leos Carax. Fotografía: Jean-Yves Escoffier. Reparto: Juliette Binoche, Julie Delpy, Michel Piccoli, Denis Lavant, Hans Meyer, Hugo Pratt, Serge Reggiani, Carroll Brooks.

Esta vez si que me han sorprendido, Leos Carax realiza un trabajo fantástico, inusual, en una película difícil de digerir, exigiendo al espectador una concentración y capacidad mental agotadora, mareante. Una película sin duda para la que yo no estaba preparado, ¿como podemos afrontar este tipo de cine? Sin duda formateando nuestras ideas preconcebidas, nuestras percepciones y dejando la mente en blanco, pués nos la van a examinar, van a indagar y nos van a sacar las emociones en fotogramas y plasmarlos en la pantalla.

Hans y Marc, dos ladrones parisinos, deben dinero a una mafiosa americana y tienen dos semanas de plazo para liquidar la deuda, para solventar este problema han decidido robar el antídoto del virus STBO, que mata a los que practican sexo sin amor, para venderlo pero están en un brete, ha muerto un socio suyo que era el encargado del robo y el único con la misma habilidad es su hijo y dudan que acepte el reto.

Intentar hablar de esta película podría compararse con el intento de explicar física cuántica a un abogado, ¿por dónde empezar? Bien, empecemos por lo mejor, según mi modesta opinión, la fotografía. Jean-Yves Escoffier da una lección sobre como expresar sentimientos con las imágenes, más importantes que los exasperantes e hilarantes diálogos, sobre como transformar la emoción en imagen. Sorprendentes juegos de luces y sombras, de blancos y grises, de colores y todo para hacer de esta película una película visceral, irracional, instintiva. Esta secuencia con la música de Bob Dylan de fondo es una muestra de la fuerza visual de esta joya cinematográfica:

Y esta imagen es la confirmación de un excelente trabajo de fotografía, simplemente brillante:

El montaje recuerda a un comic, con una cámara poco amistosa, en muchas ocasiones, y hostil y cercana, demasiado, en otras. Miradas cargadas de historia, de sentimiento. A veces queremos gritar a la cámara muévete que quiero ver mejor, pero perdería el encanto imaginativo y emocional de la cinta.

Hasta ahora creía que los maestros del rostro imperturbable eran Clint Eastwood (el hombre de las dos caras, con sombrero y sin sombrero) y el marido amargado "Del hombre que nunca estuvo allí" (Obra de arte de los Hermanos Cohen) , sin embargo voy a añadir a mi lista a Denis Lavant al regalarnos en esta película una de las mejores actuaciones que he visto yo en muchos años y todo, casi todo, sin menear el rostro, ¡genial! Es Denis, Alex en la película, el que nos engancha, nos enamora, el que lleva el peso con sus sueños, sus locuras, el que introduce el amor, los celos, la irracionalidad, el deseo, la traición, la pasión y la locura, y es Carax el que mezcla a todos los personajes, todas las imágenes y al guión de una forma que yo no había visto nunca. Tendremos la sensación de estar viendo una película contada por terceros, a unos personajes egoistas que huyen de la cámara y aún asi estaremos maravillados por lo que nos están contando, eso si, al principio hay que hacer acopio de una paciencia infinita para no mandar la película a tomar por saco, pués nos va a resultar extraña y puede que ofensiva.

He de terminar con el guión extraño que nos filman a pinceladas, ahora te cuento un poco, ahora te despisto, otra pincelada más y zas, vuelta de tuerca a la trama. El metraje es extenso, algunas secuencias se hacen larguísimas, otras muy cortas. Una mezcla de estilos muy chocante e inquietante. Difícil de ver, difícil de olvidar, toda una lección de cine y un ejemplo de como rodar pasiones y hacer al espectador partícipe de ellas. El dolor, la alegría y el amor en imágenes. Yo he disfrutado múchisimo, espero ustedes lo hagan también.

Shooter

2007-11-01T10:29:00.000+01:00

Dirección: Antoine Fuqua. País: USA. Año: 2007. Duración: 124 min. Género: Thriller, acción. Interpretación: Mark Wahlberg (Bob Lee Swagger), Michael Peña (Nick Memphis), Danny Glover (coronel Isaac Johnson), Kate Mara (Sarah Fenn), Elias Koteas (Jack Payne), Rhona Mitra (Alourdes Galindo), Rade Sherbedgia (Michael Sandor), Ned Beatty (senador Charles F. Meachum), Jonathan Walker (Louis Dobbler), Justin Louis (Howard Purnell). Guión: Jonathan Lemkin; basado en la novela "Point of impact" de Stephen Hunter. Producción: Lorenzo Di Bonaventura y Ric Kidney. Música: Mark Mancina. Fotografía: Peter Menzies Jr. Montaje: Conrad Buff y Eric Sears. Diseño de producción: Dennis Washington. Vestuario: Ha Nguyen.

Esta vez había que elegir una película para ver en familia y para eso no hay nada mejor que unir unos disparos con algo de acción, juntar a los servicios secretos usadianos y poner un héroe justiciero en primera plana. Visto así suena a tabloide panfletero hollywoodiense, y es verdad, pero esta vez han hecho una película con cabeza, pensando.

Bob Lee Swagger (Mark Wahlberg) vive retirado en las montañas tras haber sido un francotirador de élite, ahora el gobierno quiere repescarle para evitar la muerte del presidente de los Estados Unidos, acepta el reto, pero no sabe que se encontrará con una conspiración para ocultar crímenes espantosos y que él será el cabeza de turco...

El comienzo es trepidante, muy en la línea de Enemigo a las puertas pero de corte yankie, más fanfarria y pomposidad, y ahí se nos presenta al héroe, Bob, un idealista patriótico, inteligente, capaz y mortal. Cuando sus ideales se rompen el abandona la civilización.

Desde el primer minuto pensamos que estamos asistiendo a la cansina propaganda militar americana llevada al cine, pero según pasan los minutos esa propaganda ficticia se transforma en una crítica al sistema de gobierno internacional y a la política de exteriores, para muestra un botón:

"abre los ojos en esta democracia un presidente puede salir en los medios diciendo que la guerra no era porque queríamos el petróleo y no pasa nada aunque todo el mundo sepa que es mentira"

Sin ninguna duda, lo mejor de la película es el guión, y a pesar de tener situaciones algo imbéciles, no cae en el absurdo ni busca sorpresas baratas para repescar nuestra atención. Dentro de esas absurdas situaciones podemos encontrar las ayudas inesperadas a un delincuente nacional, que no falte el malo, el más malo y la chica guapa y un final justiciero que se preveé una hora antes del final del metraje.

Mark Wahlberg está teniendo suerte con su películas (Diario de un rebelde, Infiltrados, Italian Job,...) y quizás pueda ser un referente a la hora de elegir alguna para ver, este chico puede hacernos pasar buenos momento. Contar con Danny Glober en el reparto siempre es de agradecer con ese actuar simpático y regio.

A pesar de irse diluyendo la fuerza inicial según pasan los minutos podemos disfrutar de esta correcta película (en ningún momento ha sido mi intención sugeriros que sea una gran obra) quizás algo larga para mi gusto pero que consigue su objetivo, entretener. Más de lo mismo pero de mejor factura y que incita a usar nuestra inteligencia.

Resident Evil

2007-10-31T20:11:00.000+01:00

Dirección: Paul Anderson. Países: Reino Unido, Alemania. Año: 2002. Duración: 100 min. Interpretación: Milla Jovovich (Alice / Janus Prospero), Michelle Rodriguez (Rain Ocampo), Eric Mabius (Matt Adison), James Purefoy (Spencer Parks), Martin Crewes (Chad Kaplan), Pasquale Aleardi (J.D. Salinas), Colin Salmon (James 'One' Shade), Heike Makatsch (Dr. Lisa). Guión: Paul Anderson. Producción: Paul Anderson, Jeremy Bolt, Bernd Eichinger y Samuel Hadida.Música: Marco Beltrami y Marilyn Manson. Fotografía: David Johnson. Montaje: Alexander Berner. Diseño de producción y vestuario: Richard Bridgland. Dirección artística: Jörg Baumgarten y Tony Reading. Vestuario: Penny Crawford.

Uno a veces mantiene meditaciones filosóficas sobre los motivos que le llevan a realizar alguna acción en la vida, ahora mismo estoy teniendo yo uno de esos episodios místicos sobre el macabro destino que me ha llevado a ver esta película y arruinado una tarde que prometía maravillosa cual cuento de hadas hallándome revoloteando cual pajarito, convertido en buitre carroñero tras ver este despropósito cineastil, lamentable. Empecemos que escarbo en la basura y no me arranco:

Alice (Milla Jovovich) se despierta desorienada en una casa desconocida para ella, algo pasa, entra un comando especial armado hasta las orejas y le cuenta que pertenece a un grupo especial de seguridad de Umbrella, empresa de investigación biológica, y que han de solucionar un problema en los laboratorios centrales, La Colmena, y para allá que van todos. Los laboratorios han de estar vacíos pués el protocolo de seguridad, Reina Roja, han acabado con los científicos... o no...

Con toda la sinceridad del mundo esta película me parece una regresión al cine de miedo ochentero del susto facil y la música chillona, como el ñiii ñiii ñiii del viernes trece pero con chupicientos millones de presupuesto. Partiendo de una base sólida, un juego de ordenador muldialmente aclamado, con un argumento consistente a priori no logran sino una montaña irrisoria de minutos difusos.

Intentan giros de guión basados en supuestas pérdidas de memoria, intentan mezclar las vidas de los personajes burdamente y todo para terminar con una serie B de zombis y de las malas, sin sangre, esto me ha decepcionado enormemente, zombis ligths, aseaditos, para el público de bien...

Los efectos especiales del principio salvan los primeros minutos, pero luego nos dejan vacíos, perdemos el interés, y nos cambian de escenario, vienen los marines... y eso es todo, se acaba, ahora metraje para las pistolas y el argumento por la alcantarilla. Quizás esté siendo duro, pero uno se ha pasado horas, días y meses con los juegazos de Resident Evil, y si, estoy decepcionado.

Lo mejor, Milla Jovovich, lo peor, el resto.

El último escalón

2007-10-28T10:00:00.000+01:00

Año: 2000. Nacionalidad: USA. Estreno: 14-07-2000. Género: Thriller. Duración: 110 m. T. original: Stir of echoes. Dirección: David Koepp. Intérpretes: Kevin Bacon (Tom Witzky), Kathryn Erbe (Maggie Witzky), Illeana Douglas (Lisa), Liza Weil (Debbie Kozac), Kevin Dunn (Frank McCarthy). Guión: David Koepp. Fotografía: Fred Murphy. Música: James Newton Howard. Montaje: Jill Savitt.

Se acerca el invierno y, que leches, apetece quedarse en casa disfrutando del buen cine, cierto es que andaba yo con una resaca asesina que me tenía convaleciente y postrado en el sofá con poca posibilidad de acción alguna, hasta elegir la película fue un atroz esfuerzo que solucioné dejando la decisión en terceros, para evitarme el pensar, acto prácticamente delictivo en días resaquiles.

Tom (Kevin Bacon) es un padre de familia como otro cualquiera con los mismos problemas que todo el mundo, hasta que un día su cuñada le hipnotiza y le deja una puerta abierta, una puerta que aprovechará Samantha, desaparecida hace algunos meses, para entrar en contacto con él, y no se irá hasta que el haga lo que ella quiere, llevando a Tom hasta la locura.

Nos encontramos con un formato excesivamente explotado (Los otros, El sexto sentido, El orfanato, Al final de la escalera, White Noise, ...) y sin embargo esta película parece diferente al no buscar la intriga en que está pasando sino en por qué esta pasando, un sutileza que la diferencia de las otras mencionadas.

Está contada con sencillez, de manera lineal lo cual hace el argumento más creible que otras del género, y se agradece la presencia de unos personajes con exceso de carácter, nada transparentes. David Koepp (conocido por la saga Spiderman, ya tiene escrita la cuarta entrega) consigue entrenernos con esta película, intrigante y con pequeñas píldoras de terror, acercándonos a la locura repentina de Tom.

Sorprende la actuación de Kevin Bacon, muy humana, muy loca, muy buena. La música genial, para los amantes del rock tiene dos canciones que nos harán asomar la lagrimilla. Resumiendo, que me enrollo y es domingo muy tempranito y uno no está para discursos, me esperaba una bazofia que no debería haber salido nunca del cajón y me encontré una película que me gustó no tanto por la temática, ya trillada, como por la forma de contar la historia.

El crimen de cuenca

2007-10-24T09:46:00.000+02:00

Título Original: El crimen de Cuenca. Año: 1979. Duración: 92 min. Pais: España. Directora: Pilar Miró. Guión: Salvador Maldonado & Pilar Miró (Idea: Juan Antonio Porto). Música: Antón García Abril. Fotografía: Hans Burmann. Reparto : Amparo Soler Leal, Héctor Alterio, Fernando Rey, Daniel Dicenta, José Manuel Cervino, Mary Carrillo, Assumpta Serna. Productora:
Incine / Jet Films.

Noche del viernes en Segovia con un frio del carajo en casa, más apreciable que el del exterior, con la chimenea encendida en un esfuerzo por calentar un salón abandonado durante semanas hasta que la bendita calefacción haga su trabajo y enrrollados en una mantita nos encontramos con esta película en la televisión, en Versión Española, que nos pusimos a disfrutar con unas cervezas bien frías, para acondicionar nuestra temperatura a la del exterior, no vayan a pensar mal.

En 1913 dos vecinos de Osa de la Vega (Cuenca), Valero Contreras y León Sánchez Gascón, son detenidos por el asesinato de José María Grimaldos López. En su cautiverio son sometidos a todo tipo de vejaciones y torturas para que confiesen lo ocurrido, tienen a la familia, al pueblo y a la justicia en su contra y bajo coacción acaban por confesar y son juzgados en 1918 con la resolución de que han de cumplir 18 años de cárcel.

Lo más duro de esta película es el hecho de que es una historia real, cruda, sofocante, temerosa, pero real. Refleja una realidad innegable, el miedo que tenía la gente a la Guardia Civil era totalmente justificado ya que actuaban por encima del pueblo y narra con crudeza una inquietante situación, si se cree que eres culpable, lo eres, aunque no se tengan pruebas, ya te sacaran la confesión.

Un pueblo donde mandan los de siempre, el juez, el alcalde, el cura y los guardias civiles, todos ellos con sueños de burguesía, de militarismo, justamente retratados, justamente interpretados, magnificamente dirigidos. Mis nociones de historia no son muy fiables, sin embargo esta película creo que retrata fielmente la sociedad rural de la España de inicios del siglo XX, una sociedad sencilla, pobre, subyugada a una forma de vida incomprensible en la actualidad, por su austeridad, sencillez y temerosidad.

Nuestros personajes son victimas de unas salvajes torturas que por la fuerza visual y su veracidad nos embriagan con un sin fin de sensaciones y nos introducen en la historia. Quizás son las torturas y la exclusión social e institucional lo que más nos llama la atención en esta obra, sin embargo yo pienso que es un grito a la amistad entre dos personas que ante toda oposición siguen siendo eso, amigos.

Pilar Miró estuvo acosada por el ejécito de este santo pais por su mala interpretación del intocable cuerpo de la Guardia Civil y esta película estuvo censurada hasta su estreno en 1981, obteniendo buenos resultados de taquilla. Se agradecen películas que nos hagan reflexionar sobre un pasado que haríamos bien en perdonar pero nos equivocaríamos enormente si intentamos olvidarlo, pues con errores judiciales y policiales como este hemos de aprender todos y cada uno de nosotros.

No puedo callarme una parte de la película (siento si caigo en el spoiler): el señor cura recibe una carta de J.M. Grimaldos pidiendole la carta de bautismo para poder casarse y caen en la cuenta de su error, esto lo comenta con el señor juez y ambos intentan pasar página, pues dos inocentes han ido a la cárcel por sus desvaríos... Esta parte me recuerda a eso de a dios rogando pero con el mazo dando, mucha gente, muchos crímenes de la iglesia y los estados siguen sin castigo y tan olvidados que han conseguido la impunidad, malo eso, esta película también refleja esta realidad.

El orfanato

2007-10-23T17:16:00.000+02:00

Dirección: Juan Antonio Bayona. País: España. Año: 2007. Duración: 100 min. Género: Thriller sobrenatural. Interpretación: Belén Rueda (Laura), Geraldine Chaplin (Aurora), Fernando Cayo (Carlos), Roger Príncep (Simón), Mabel Rivera (Pilar), Montserrat Carulla (Benigna), Andrés Gertrudix (Enrique), Edgar Vivar (Balabán).Guión: Sergio G. Sánchez. Producción: Joaquín Padró, Mar Targarona y Álvaro Augustín. Producción ejecutiva: Guillermo del Toro. Música: Fernando Velázquez. Fotografía: Óscar Faura. Montaje: Elena Ruiz. Dirección artística: Josep Rosell. Vestuario: María Reyes.

Casi por obligación, motivos maritales, hube de ir a ver esta película, refunfuñando en un principio pues la persepectiva de ver a Belén Rueda en la gran pantalla en un thriller se me antojaba desesperanzador. Todo pintaba mal, incluso un estado febril que me atacó el día en cuestión bien por el resfriado bien por una excusa fisiológica para evitar el sufrimiento cineastil. Al final entre escalofríos tuve que rectificar, me gustó.

Laura (Belén Rueda) se crió en un orfanato y ahora regresa a dicho lugar, abandonado, para abrir una residencia para niños con problemas psíquicos. Ella, su marido Carlos (Fernando Cayo) y su hijo Simon (Roger Príncep) esperan con esta nueva vida cumplir un sueño, pero Simon se vuelve extraño, como extraños son sus juegos o sus nuevos amigos invisibles, extraños y peligrosos pues hacen que la familia recuerde un pasado que creían olvidado...

Es de agradecer el trabajo que han realizado con esta película tanto a nivel de dirección y actuación como a nivel de ambientación, una música que acompaña dócilmente, un entorno agradable, no hostil, y sin embargo consiguen asustarnos o intrigarnos sobremanera. Una historia que narra el amor de una madre, el dolor de una familia y el horror de un pasado y todo ello unido con una sutileza que nos deslumbrará durante los 100 minutos del metraje, bien por Antonio Bayona.

La película comienza como un cuento de hadas, los sueños y fantasías de un niño, hasta abordar la locura, suavemente, y la desesperación que nos conduce a actos inverosímiles por nuestros infantes, y en ese camino Belén Rueda nos deja boquiabiertos con una actuación deslumbrante, genial, soberbia.

No nos libraremos de momentos de tensión, sustos para algunos, que arrancaban algunos gritos a las chiquillas y chavales en el cine logrados por la fuerza interpretativa de Belén y por el buen hacer de Antonio Bayona, no al estilo yanki del susto fácil. Siempre es un placer ir al cine si hay películas como esta, sin duda una de las mejores "españoladas" de los últimos tiempos, disfrutenla.

Caminar sobre las aguas

2007-09-23T13:44:00.000+02:00

Dirección: Eytan Fox. País: Israel. Año: 2004. Duración: 105 min. Género: Drama. Interpretación: Lior Ashkenazi (Eyal), Knut Berger (Axel Himmelman), Caroline Peters (Pia Himmelman), Gideon Shemer (Menachem), Carola Regnier (Madre de Axel), Hanns Zischler (Padre de Axel), Ernest Lenart (Alfred Himmelman), Eyal Rozales (Jello), Yusef 'Joe' Sweid (Rafik), Imad Jabarin (Tío de Rafik). Guión: Gal Uchovsky. Producción: Amir Harel, Gal Uchovsky y Eytan Fox. Música: Ivri Lider. Fotografía: Tobias Hochstein. Montaje: Yosef Grunfeld. Dirección artística: Avi Fahima y Christoph Merg. Vestuario: Rona Doron y Peter Pohl.

Ayer se decidió por unanimidad ver una película de intriga, para ello recurrí al listado de películas seleccionando las que no había visto, una de ellas era ésta, Caminar sobre las aguas. La sorpresa que nos llevamos fue mayúscula al encontrarnos con un drama espectacular con unas dosis mínimas de intriga, y ser más un film que refleja verdades molestas.

El mossad quiere acabar con la vida de Alfred Himmelman, un ex oficial nazi que creen que regresará a Alemania a vivir sus últimos días. Encargan esta misión a Eyal, un asesino con una vida rota, que deberá investigar a los nietos del objetivo para recabar información, como los nietos se encuentran en Israel, el se hace pasar por un guía turístico. No se esperaba Eyal conocer gente con una mentalidad tan alejada de la suya, tanto en el amor, en la vida y socialmente como este joven par de hermanos.

Los momentos en coche con la música del Boss son los únicos que nos relajan la atención en esta soberbia película. No impacta por la cámara (floja) o las actuaciones (simplonas), destaca por narrar una historia muy humana y mezclarlo con píldoras tan candentes como la homosexualidad, Palestina, nazismo y soledad.

Es un argumento lineal, directo, pero inicialmente sentiremos, yo por lo menos, que nos quieren vender política israelí, propaganda, sin embargo esa sensación se va diluyendo según avanza el metraje para convertirse en una oda a los derechos de los homosexuales al grito de estamos aqui y no somos diferentes.

Una escena tengo grabada y, aún a riesgo de caer en algún spoiler, me siento inclinado a comentarla, esa mirada extrañada, deseosa de encontrar rastros de odio y violencia, que posee Eyal al viajar a Alemania por primera vez en su vida, mirada que levanta el velo de sus prejuicios.

Es muy díficil que una película israelí despierte el interés de los occidentalizados espectadores sin una mirada a la Palestina oprimida, sin embargo obviando la política esta película os encandilará, con una música increible (cantautoras hebreas, Bruce, ...) y unos personajes cercanos que pueden encajar entre nuestros conocidos. La falta de una contundente fuerza interpretativa la solventan con pequeñas anécdotas, lugares y sarcasmo.

"mi mujer decía que yo mato a todo el que se me acerca y .... yo no quiero seguir matando"

El ultimatum de Bourne

2007-09-20T09:05:00.001+02:00

Dirección: Paul Greengrass. País: USA. Año: 2007. Duración: 111 min. Género: Acción, drama, thriller. Interpretación: Matt Damon (Jason Bourne), Julia Stiles (Nicky Parsons), Joan Allen (Pamela Landy), David Strathairn (Noah Vosen), Paddy Considine (Simon Ross), Scott Glenn (Ezra Kramer), Edgar Ramírez (Paz), Albert Finney (Dr. Albert Hirsch). Guión: Tony Gilroy, Scott Z. Burns y George Nolfi; basado en un argumento de Tony Gilroy; sobre la novela de Robert Ludlum. Producción: Frank Marshall, Patrick Crowley y Paul L. Sandberg. Música: John Powell. Fotografía: Oliver Wood. Montaje: Christopher Rouse. Diseño de producción: Peter Wenham. Vestuario: Shay Cunliffe.

Inmerso en la noche, con una cervecita bien fría y después de disfrutar del Mito de Bourne, su antecesora, afronté la visualización de la tercera, y de momento, última entrega de la saga. Tras haber visto las tres películas puedo afirmar que, para mi, es una de las mejores trilogías que he visto (salvando las distancias, obviamente con El padrino y El señor de los anillos).

De nuevo Bourne se ve inmerso en su particular terremoto de acontecimientos y esta vez, parece ser, que no tiene elección. Treadstone (proyecto que "creo" a Bourne) ha sido absorbido por Blackbriar, un nuevo proyecto del ministerio de defensa consistente básicamente en lo mismo, más asesinos, y en ese nuevo proyecto Bourne es un escollo, el último testigo de la incómoda verdad de Treadstone y ha de ser eliminado a toda costa. Esta vez Bourne deberá luchar contra cotas más altas de la gerarquía para poder lograr la victoria y su ansiada paz.

Desde el principio desborda acción, tensión e intriga en cotas más elevadas que sus antecesoras, logrando una película redonda en todos los sentidos. Esta vez la trama nos lleva a nuevos escenarios Londres, Paris, Madrid, Tanger y Nueva York. Nos congraciamos con Bourne, con su venganza (busca a los asesinos de su amada Marie) y su heroicidad contra el gran ojo que nos vigila y domina nuestras intimidades.

Nos asustamos con el gran poder de las agencias de espionaje, su efectividad, rapidez, amplitud y contactos, y empezamos a comprender a Bourne, un asesino creado sin su consentimiento. El frenetismo implacable de esta película se desboca en Tanger con unas secuencias que quitan el aliento en las ínfimas calles, azoteas y viviendas.

Bajo mi punto de vista resulta soberbia e impactante, ayudada por una música y efectos especiales finos y detallistas. ¿Logrará Bourne recuperar su memoria? ¿Conseguirá su venganza? No os la perdaís.

Para terminar quiero destacar el papel del director Paul Greengrass (director por la magistral Bloody Sunday) que le ha dado un aire renovado al cine de espionaje y acción, dando más peso a las motivaciones de los personajes y su historia en este género que los tenía olvidados.

El mito de Bourne

2007-09-20T09:05:00.000+02:00

Dirección: Paul Greengrass. País: USA. Año: 2004. Duración: 108 min. Género: Thriller. Interpretación: Matt Damon (Jason Bourne), Franka Potente (Marie), Brian Cox (Ward Abbott), Julia Stiles (Nicky), Karl Urban (Kirill), Gabriel Mann (Danny Zorn), Joan Allen (Pamela Landy), Tom Gallop (Tom Cronin), Marton Csokas (Jarda), Karel Roden (Gretkov). Guión: Tony Gilroy; basado en la novela de Robert Ludlum. Producción: Frank Marshall, Patrick Crowley y Paul L. Sandberg. Música: John Powell. Fotografía: Oliver Wood. Montaje: Christopher Rouse y Richard Pearson. Diseño de producción: Dominic Watkins. Vestuario: Dinah Collin.

Cuando vi la primera parte me quedé alucinado, por fin Matt Damon encontraba su lugar, y ante el buen nivel de esa película (que por cierto he de sacar tiempo para criticar también) el otro día me decidí a enchufarme una sesión de Bourne: El mito y El Ultimatum.

Bourne en su empeño porque le dejen vivir una vida tranquila salta de ciudad en ciudad con Marie, Franka Potente, hasta que de nuevo su pasado con Treadstone, el ultrasecreto proyecto de asesinos, vuelve a perseguirle, esta vez hasta la India, destrozando de nuevo su vida. Bourne decide dar la cara para conseguir su objetivo, que le dejen en paz.

Suele ser difícil que una secuela tenga el nivel de la antecesora, pero en este caso si que lo consiguen, quizás con un hilo argumental demasiado calcado a la primera. Impactantes los escenarios (ciudades inmersas en la antigua guerra fría) y la rapidez con la que transcurre la acción que no deja al espectador tiempo para relajarse.

Resaltar como mejora de la primera parte las increibles persecuciones que nos regalan en esta película, destacando, sin dudar, la que tiene lugar en Moscú, de infarto y bien rodada, al estilo antiguo (digo esto, porque últimamente se ruedan estilo videoclip, con replays absurdas y unos primerisimos planos incompatibles con la realidad).

Por lo demás es una continuación calcada de la primera parte, la CIA empeñada en dar con él a toda costa y él empecinado en descubrir, recordemos sus amnesia, que pasa para poder lograr que le dejen tranquilo. Con una música excelente y una cámara muy trabajada esta película no dejará indiferente a nadie, no os perdaís el final, sorprendente, trágico, inesperado...

Los 4 Fantásticos y Sylver Surfer

2007-08-28T08:53:00.000+02:00

Dirección: Tim Story. País: USA. Año: 2007. Duración: 92 min. Género: Acción, ciencia-ficción. Interpretación: Ioan Gruffudd (Reed Richards/Mr. Fantástico), Jessica Alba (Susan Storm/La Mujer Invisible), Chris Evans (Johnny Storm/La Antorcha Humana), Michael Chiklis (Ben Grimm/La Cosa), Julian McMahon (Victor Von Doom/Dr. Muerte), Kerry Washington (Alicia Masters), Andre Braugher (general Hager). Guión: Don Payne y Mark Frost; basado en un argumento de John Turman y Mark Frost; sobre los personajes creados por Stan Lee y Jack Kirby. Producción: Bernd Eichinger, Avi Arad y Ralph Winter. Música: John Ottman.Fotografía: Larry Blanford. Montaje: William Hoy y Peter S. Elliot. Diseño de producción: Kirk M. Petruccelli. Vestuario: Mary Vogt.

Indudablemente esta era una película que tenía que ver, esto de los superhéroes era mi sueño de pequeño, ¿quién no ha querido se uno? El trailer ya me pareció de por si atractivo y el argumento me atraía al escaparse de lo habitual en este tipo de películas. Si bien urge decir que es muy melosa y que peca de melodramática, o pastelosa.

Preparando una inminente boda entre el hombre de goma y la mujer invisible, nuestros superhéroes andan algo atareados. Todo se tuerce cuando Sylver Surfer llega al planeta Tierra con la intención de destruirlo y, obviamente, las autoridades piden ayuda, o sumisión, a nuestros extraños personajes.

Una vez engullida la película uno se queda algo desilusionado, muchos tópicos en una hora y media, sin embargo se mejora con respecto a la primera parte la caracterización de los personajes, ahora más humanos, más cercanos (quizás dirigido al público menos fanático). La posibilidad de ver en apuros a estos superhéroes hacía más intrigante el visionado, sin embargo todo se tuerce en un desarrollo simplón y previsible, aunque, eso si, sin desmerecer el resultado final, si te gusta el género, te gusta y, como yo, disfrutarás. Reseñables los efectos especiales, no por su grandiosidad, si no por su sutileza.

En el intento de dar una personalidad más humana a los héroes desfiguran, quizás, aquello que andabamos buscando, acción, efectos especiales y superpoderes, perdiendo demasiado tiempo en las ñoñerías de los buenos que nos revuelven el estómago impacientes por ver lo que ansiábamos.

Mi más sincero enojo apareció con el sensiblerismo rancio que inunda sobretodo la parte final, porque, que quereís que os diga, a mi me sobra, tanto sentimientos y abracitos en una de superhéroes a mi no me cuadra, sin embargo conseguirán atraer a ese público reticente de estos filmes.