Camino

Dirección: Javier Fesser. País: España. Año: 2008. Género: drama. Guión: Javier Fesser. Producción: Luis Manso y Jaume Roures. Música: Rafa Arnau y Mario Gosalvez. Fotografía: Alex Catalán. Montaje: Javier Fesser. Vestuario: Tatiana Hernández. Estreno en España: 17-10-2008. Reparto: Nerea Camacho (Camino), Carmen Elías, Mariano Venancio, Manuela Vellés.

Cómo empezar a hacer una crítica cuando la cabeza está en mil sitios y necesitas que ésta se ocupe en cualquier cosa menos en lo que te causa infelicidad. El sábado me decanté por esta película muy crítica con la política del Opus Dei y sus extrañas formas de sumisión y "lavado". Me pareció muy interesante y reveladora, yo os animaría a verla si aguantáis los dramones largos, extralargos. Agradecer desde aqui y a voz en grito a Ford, Serra, Curro, David, Carlos, Galko, Mikel, Juanjo, Kastro, Jordi, Helena, Fer, Jose Rock, Alfa y a todo aquel que se me olvide por su apoyo en mis horas bajas, no os preocupéis veo la luz cada día con más claridad, la vida es demasiado corta para llorar por un sentimiento.

Camino es una extraordinaria niña que se enfrenta a nuevas sensaciones para ella desconocidas, el amor y una terrible enfermedad. Al amparo de una familia atrapada en las redes del Opus Dei no entiende lo que ve a su alrededor por las puertas que le cierra sus creencias y las limitaciones de la inexperiencia por su corta edad.

Enfrentarse a ésta película desde una creencia religiosa ha de ser duro si logras entenderla porque la crítica es evidente, el cerco ideológico y social que impone una organización como el Opus a todas las personas implicadas es demasiado evidente como para causar indiferencia. La segregación de sexos, la manipulación del infante, la dedicación que exige, todo apunta a una secta.

Respecto a la película recalcar la magnífica actuación de Nerea Camacho que aporta una frescura y da muestras de tal soltura que embellece el resultado final. El director, Javier Fesser, aporta una cámara y un montaje fino, con un guión aparentemente simple pero que va revelándose con sutileza y amabilidad, para que el espectador vaya construyendo su historia en la cabeza y saque sus propias conclusiones.

Nos muestran una verdad descarada, los deseos de una niña enfrentados a los deseos de los adultos, los cuales éstos manipulan para ver sólo lo que ellos quieren, la niña no importa , es la voluntad de Dios. Entre tanto rezo uno se siente agobiado por lo que ve, ¿cómo es capaz alguien de vivir asi? ¿son felices?

Valoración de Twister: 8,0
Valoración de Filmaffinity: 7,4

Monster's ball

Dirección: Marc Forster. País: USA. Año: 2002. Duración: 111 min. bInterpretación: Billy Bob Thornton (Hank Grotowski), Halle Berry (Leticia Musgrove), Peter Boyle (Buck Grotowski), Heath Ledger (Sonny Grotowski), Sean 'Puffy' Combs (Lawrence Musgrove), Mos Def (Ryrus Cooper), Coronji Calhoun (Tyrell Musgrove). Guión: Milo Addica y Will Rokos. Producción: Lee Daniels. Coproducción: Milo Addica, Will Rokos y Eric Kopeloff.Fotografía: Roberto Schaefer. Montaje: Matt Chesse. Diseño de producción: Monroe Kelly. Dirección artística y decorados: Leonard R. Spears. Vestuario: Frank I. Fleming.

Tarde de sábado, después del partido de España contra Suecia, ¡y con lo que a mi me aburre el futbol! Con unas cervezas fresquitas y con ganas de buen cine nos preparamos para ver este monumental bodrio, tan alabado, tan premiado, tan de renombre, pero que nos pareció la peor película que hemos visto en los dos últimos años, sin duda ninguna.

Hank es un funcionario de prisiones, racista y gruñón, que trata a su hijo tan mal como a los demás, su visión de la vida cambiará al conocer a Leticia, una mujer negra que acaba de perder a su marido en la silla eléctrica.

Se ha alabado en exceso el retrato del racismo en esta película, pero yo creo que es un retrato tan dispuesto a gustar que se queda escaso, escasísimo. Intentan narrar la historia desde el lado humano, olvidándose de que el racismo es un tema irracional que afecta a seres racionales. A mi gusto se acerca peligrosamente a tediosa seire B de sobremesa que a película de mérito alguno. Destaca por imbuir al espectador un soberano aburrimiento que a la hora de metraje te ves forzado a levantarte, a pasearte y a maldecir por la desastrosa idea que has tenido de ver este cúmulo de estiercol.

Si al principio de la película cogemos un papel y apuntamos el número de tópicos que nos encontraremos en la trama, posiblemente tendríamos que coger otro segundo papel porque nos quedaríamos sin espacio. No todo es malo, tenemos una fotografía bastante correcta y un par de actuaciones decentes, sobre todo por parte de Billy Bob Thornton; Halle Berry se llevó un Oscar por esta interpretación tan cargada de dramatismo, pero que llega a cargar al espectador, yo considero forzados todos sus actos y más aún considero que la película está hecha a medida de los actores y no al revés que es donde se ve el buen hacer... De todo tenemos oiga, drama, algo de sexo, pero poco, que se vean los senos de la guapa actriz, niños que quieren dar pena, cambios de pareceres de un minuto a otro, maltrato psicológico, drama familiar y social, intransigencia....

La crítica en este caso no puede ser objetiva, algo que intento hacer en mis reseñas, pero en este caso se merece que la destroze por haberme aburrido igual que si estuviera mirando por la ventana de mi casa viendo lo que hacen los vecinos. Salvando las actuaciones el resto no merece ni hablar de ello, pero oigan esta película ha gustado y mucho por ahí, miren en la red...

Valoración de Twister: 3.0
Valoración de Filmaffinity: 6.9

La marca de Caín

Título original: Mark of Cain. Año: 2007. Duración: 87 min. País: Inglaterra. Director:
Marc Munden. Guión: Tony Marchant. Música: Ben Bartlett. Fotografía: Matt Gray. Reparto: Gerard Kearns, Matthew McNulty, Leo Gregory, Shaun Dooley, Shaun Dingwall, Naomi Bentley, Alistair Petrie, Brendan Coyle, Heather Craney. Productora: Red Production Company / Channel 4 Television Corporation.

Una película que intenta denunciar las barbaries que ocurren en una guerra, barbaries que algunos llaman ilegales, algo que considero hipócrita, pués al prisionero hay que tratarle con respeto, pero si se escapa una bala y mata a un civil, del réspeto a este último no se acuerda nadie. Con la idea de asistir a un film entretenido uno empieza animoso a ver la película, para ir poco a poco dándose cuenta de que se la están metiendo con queso, la denuncia existe, pero ¿era necesario hacerlo de esta manera? Demasiadas similitudes con Redacted, sólo que ahora en vez de americanos bravucones tenemos a ingleses melindrosos.

Todos recordamos aquellas imágenes que se difundieron mundialmente sobre el maltrato a prisioneros iraquíes a manos de soldados ingleses, esta película refleja aquella realidad, teniendo como protagonistas a dos jóvenes soldados, Gulliver y Tate. En una expedición rutinaria el pelotón de nuestros protagonistas cae en una emboscada y su capitán resulta muerto, los mandos ordenan la detección, casi aleatoria, de posibles culpables. El pelotón que sufrió la emboscada se toma la justicia por su mano, dejando a uno de los prisioneros en coma.

Unos primeros minutos de película prometedores nos intentan inyectar interés por la película que tras veinte minutos parece que ya llevamos un par de horas tragándonos el más infecto de los panfletos. Casi clonadas algunas escenas con otras grandes películas, donde los militares dan muestra de su testosterona, al más pulo estilo del cine americano, coñe ¿para ser militar en el cine hay que ser estúpido perdido?

Mal llevada la propaganda política, siempre tomando al iraquí como terrorista o como una persona necesitada de compasión, cuando, a mi modo de ver, lo único que hacen es defender su país de unos invasores occidentales, mucho más preparados económica y militarmente.

"El segundo acto" de la cinta transforma en una terrible cuesta arriba para dejarnos un final algo sorprendente pero no menos esperado, pero no tenemos que dejar de valorar el carácter crítico con una realidad que dío que hablar.

A mi gusto tiene demasiadas coincidencias con Redacted, excepto los personajes, y demasiado cerca en el tiempo ambas. Cuando se noten con fuerzas veánla, aunque también pueden dedicarse a mejores formas de entretenimiento.

Valoración de Twister: 4.9
Valoración de Filmaffinity: 5.7

Muerte de un ciclista

Título original: Muerte de un ciclista. Año: 1955. Duración: 90. País: España. Director: Juan Antonio Bardem. Guión: Juan Antonio Bardem. Música: Isidro B. Maiztegui. Fotografía: Alfredo Fraile (B&W). Reparto: Lucía Bosé, Alberto Closas, Bruna Corrà, Carlos Casaravilla, Otello Toso, Alicia Romay. Productora: Coproducción España-Italia; Guión Films / Trionfalcine.

Hace tiempo Alfa, un amable lector de mis blogs, granaino y buena gente, me animaba a ver películas españolas de las décadas de los 50 y 60, siguiendo su consejo he conseguido algunas cintas tales como ésta, Muerte de un ciclista, y otras como Calle Mayor, Calabuch, El verdugo... y algunas más de huidizo título a mi memoria. Alfa este post te lo dedico por tus buenas recomendaciones...

(Iba a poneros el video como siempre, pero al ser tan antigua sólo he encontrado videos con spoiler, os pongo uno: http://www.youtube.com/watch?v=D6gJcOcZRc8)

Una joven acomodada y su amante, profesor de universidad atropellan accidentalmente a un ciclista, para evitar que se conozca su secreto deciden esconder el trágico accidente, cargando consigo la culpa, pero salvando su posición en una sociedad vigilante e intrusiva como la burguesía franquista.

Películas como estas, clasificada como altamente peligrosa por la censura franquista, que obtuvo el Premio de la crítica en el festival de Cannes, recuerdan la terrible hipocresía de la dictadura, igual que el retrato de la burguesía que hace la película. La censura siempre me ha parecido algo inútil por la sencilla razón de que no se puede frenar una corriente de pensamiento escondiendo las obras finales de las personas, bueno, si se puede, pero la corriente sigue su curso.

Juan Antonio Bardem rueda una película soberbia, buen exponente del cine negro, que en boca de muchos sigue siendo una de las grandes del cine español de todos los tiempos. Se nota un buen director cuando nos obsequian con un trabajo de cámara excelente, con unos primeros planos tan buenos que algunas miradas dicen más sobre la trama que los interesantes diálogos. La crítica a la sociedad franquista es dura, más por el comportamiento de la gente, y sus conversaciones, y los contrastes entre escenarios que por una visión global del problema que vivían, algunos, que otros estaban la mar de bien.

Es difícil intentar destacar algún aspecto dentro de la genialidad que desborda toda la película, pero podríamos quedarnos con las actuaciones, tan impresionantes que algunas expresiones nos acompañaran a la cama para inundar nuestros sueños, una escena al compás de música flamenca la marcan las miradas, y la tensión la crean unos silencios que dicen mucho y un genial Carlos Casaravilla, bárbaro en toda la película.

Abusan demasiado de tiempos excesivamente lentos y de cortes que juegan al despiste para ponernos en otro escenario totalmente distinto, aunque es posible que esto genere algo más de tensión y fomente la atención del espectador. Lucía Bosé y Alberto Closas son el eje de la película, sus devaneos amorosos, y su impotencia para luchar contra el clasismo opresor, contra la comodidad...¡Qué miedo tenemos al cambio! Antes era todavía peor, imagínense una sociedad donde sus gobernantes prohibían que uno se saliese del carrilito que ellos te marcaban, imagínese intentar cambiar...

El cine y el público recibieron un gran regalo con esta película, que no puede faltar en ninguna colección. No duden en verla, es buenísima.

"Obra maestra, aún hoy una de las obras capitales del cine españo, una película comprometida y combativa, que arremete contra la burguesía de la época y ofrece un desolador retrato de la España franquista"
(Miguel Ángel Palomo: Diario El País)

Valoración de Twister: 8.9
Valoración de Filmaffinity: 8.0

No es país para viejos

Dirección: Ethan Coen y Joel Coen. País: USA. Año: 2007. Duración: 122 min. Género: Drama, thriller. Interpretación: Tommy Lee Jones (sheriff Bell), Javier Bardem (Anton Chigurh), Josh Brolin (Llewelyn Moss), Woody Harrelson (Carson Wells), Garrett Dillahunt (agente Wendell), Kelly Macdonald (Carla Jean Moss), Tess Harper (Loretta Bell). Guión: Joel Coen y Ethan Coen; basado en la novela homónima de Cormac McCarthy. Producción: Joel Coen, Ethan Coen y Scott Rudin. Música: Carter Burwell. Fotografía: Roger Deakins. Montaje: Roderick Jaynes. Diseño de producción: Jess Gonchor. Vestuario: Mary Zophres.

Tan alabada esta obra, tan en boca de todos y de los medios que tuve que verla, más por ser obra de los Cohen que por otra razón, me gusta su cine. Ésta no llega al nivel de Muerte entre las flores, El hombre que nunca estuvo allí, Fargo o El gran Lebowski y aún asi ha triunfado en la academía, más por el nivel de los contrincantes, creo yo.

Llewelyn Moss (Josh Brolin) se encuentra una camioneta rodeada por unos cuantos hombres muertos. Rebusca un poco y encuentra una maleta con dos millones de dólares y un cargamento de droga. Su error coger el dinero, error porque eso genera una ola de violencia, dónde los más viles criminales son contratados para recuperar el dinero, entre ellos Anton Chigurh (Javier Bardem).

Los Cohen vuelven a recuperar su sitio en un elaborado trabajo de cámara y un argumento rebuscado dónde resalta el guión, fiel a su estilo, su cine, regalándonos una primera hora de metraje tan sensacional como extraña, definición que ni pintada a toda la película por cortesía de Mónica - ¡está bien, pero es muy rara! -, que se diluye en un tramo final tan confuso como agotador. Una película que deja, sin lugar a dudas, espacio para un segundo visionado con la certeza de que encontraremos nuevos detalles, sensaciones...

Los personajes son muy "cohianos", sugerentes, exóticos, raritos, pero nos inyectan ese puntito de interés para evitar el hastío que en algunas escenas puede provocarnos el argumento difuso; puede que esta incosistencia se deba a un exceso de fidelidad a la novela homónima de Cormac McCarthy, aunque esa fidelidad les ha llevado a ser premiados por la academía de Hollywood. De entre todos los personajes, variopintos ellos, evidentemente destaca Javier Bardem, en una actuación soberbia, expléndida, tanto que podemos llegar a tocar la locura de su personaje, a sentirla y tenerla miedo. No menos meritoria es la de Josh Brolin, en la piel de un luchador, más de mente que de realidad, personaje que nos pone los pies en el suelo y nos ata a la historia, pués Tommy Lee Jones no hace más que despistar, lucir palmito o arruinar el presupuesto de la película para dejarnos dos expresiones y un par de frasecitas trabajadas.

No es una película que pueda gustar a todo el mundo, es una película que invita a reflexionar demasiado, pero a reflexionar no sobre moralinas o ideales, a reflexionar sobre lo que está pasando, sobre lo que estamos viendo y, lo peor, deberemos de hacerlo rápido o acabaremos nadando en un desierto de aburrimiento, perdidos buscando que alguien nos saque.

No puedo decir que no me guste esta película, pero si puedo decir que las he visto mucho mejores, más completas, ésta deja mucho a la imaginación, o más bien a las aptitudes deductoras del espectador, lo cual reduce drásticamente el interés de un público que posiblemente quiera disfrutar sin esforzarse. Para considerarla la mejor del año, como Hollywood, tendré que ver There will be blood y comparar con otras ya vistas en 2007, pero me temo que esta no sería mi elección.

Valoración de Twister: 6.7
Valoración de Filmaffinity: 7.4

Diarios de motocicleta

Dirección: Walter Salles. Países: Argentina, Brasil, Chile, Perú y USA. Año: 2004. Duración: 126 min. Género: Drama. Interpretación: Gael García Bernal (Ernesto Guevara de la Serna), Rodrigo de la Serna (Alberto Granado), Mía Maestro (Chichina Ferreira), Mercedes Morán (Celia de la Serna), Susana Lanteri (Tía Rosana), Jean-Pierre Noher (Ernesto Guevara Lynch), Lucas Oro (Roberto Guevara), Marina Glezer (Celita), Sofia Bertolotto (Ana María), Facundo Espinoza (Tomás). Guión: José Rivera; basado en el libro "Notas de viaje" de Ernesto "Che" Guevara y en el libro "Con el Che por Sudamérica" de Alberto Granado.Producción: Michael Nozik, Edgard Tenembaum y Karen Tenkhoff. Producción ejecutiva: Robert Redford, Paul Webster y Rebecca Yeldham. Música: Gustavo Santaolalla. Fotografía: Eric Gautier. Montaje: Daniel Rezende. Diseño de producción: Carlos Conti. Vestuario: Beatriz Di Benedetto y Marisa Urruti.

En la montaña segoviana a las cuatro de la tarde es difícil tener otra ocupación que no sea relajarse; yo elegí el cine para pasar la tarde del sábado, tocó está película, por azar, allí no me ha llegado el internet para un informe pre-visionado que facilite la elección de una película sobre otra. Tan de cara me vino la suerte que me acabé por elegir esta cinta, que aprovecharé para dedicar a mi amigo bloguero Patón, un granadino comprometido, tenaz e inteligente, al cual le debía una dedicatoria por detalle reciente, y que no esperaba fuera tan pronto, pero creo que puedo sorprenderle y que puede gustarle esta película, para mi, la mejor que he visto este año, aún siendo antigua, me pesaría que la conociera porque tendría que buscar otra para cumplir mi propósito.

En 1952 Ernesto Guevara y Roberto Granados emprenden un viaje por carretera para recorrer toda américa latina. Su viaje les lleva desde Argentina a Venezuela, atravesando Chile, Perú y Colombia, un recorrido entre la opulencia y la más desoladora pobreza.

Diré que a pesar de estar basada en las notas del viaje de juventud del "Che", no es una cinta política, no narra la historia revolucionaria del problemático personaje, es un relato social, cercano, un grito a la realidad, buscando oídos que quieran escuhar lo que sucede en aquella parte del mundo.

Podemos dividir la película en varias partes, el inicio de la aventura como una introducción jovial y descacharrante, en la Argentina, la parte central a caballo entre los pueblos y las gentes como un espejo a la realidad social, de denuncia, para que conozcamos y una parte final en la leprosería de San Pablo en la orilla del amazonas peruano, como la parte más humana de la narrativa. El estado de ánimo del espectador varía muchísimo con la narración, en algunas nos atrapa, en otras nos repele y es en esos momentos cuando el guión nos arropa con su belleza y magnificencia, de lo más sorprendente, salvando la fotografía, soberbia, no podía ser menos: Machu-Pichu, Valparaíso, Desierto de Atacama, Amazonas, Patagonía...

Los dos actores principales destacan por su frescura, disfrutando del papel, congeniando con el espectador creando esa magia que diferencia unas obras de otras, como Javier Bardem en No es país para viejos, la psicopatía la retrata de maravilla, pues bien, nuestros aventureros nos trasmiten su visión del mundo, con sus diferencias, sus peleas y su verborrea.

Completaré la crítica con la canción "Al otro lado del río", de jorge Drexler, ganadora de el Oscar a la mejor canción en 2004 e integrada en la banda sonora de esta maravilla.

Déjense atrapar por esta demoledora historia, con un guión complejo que nos acercará a la desoladora verdad de la injustica humana. Para mi: imprescindible, necesaria y obra maestra.

"Los incas tenían un amplio conocimiento de astronomía, medicina y matemáticas entre otras cosas, pero los invasores españoles tenían la pólvora, ¿cómo sería América si las cosas hubieran sido diferentes?" (invita a la reflexión, ¿verdad?)

Valoración de Twister: 8.5
Valoración de Filmaffinity: 7.4

Syriana

Dirección: Stephen Gaghan. País: USA. Año: 2005. Duración: 126 min. Género: Drama, thriller. Interpretación: George Clooney (Bob Barnes), Matt Damon (Bryan Woodman), Jeffrey Wright (Bennett Holiday), Chris Cooper (Jimmy Pope), William Hurt (Stan Goff), Mazhar Munir (Wasim), Tim Blake Nelson (Danny Dalton), Amanda Peet (Julie Woodman), Christopher Plummer (Dean Whiting), Alexander Siddig (Príncipe Nasir). Guión: Stephen Gaghan; basado en el libro "See no evil" de Robert Baer. Producción: Jennifer Fox, Michael Nozik y Georgia Kacandes. Producción ejecutiva: George Clooney, Steven Soderbergh, Ben Cosgrove y Jeff Skoll.Música: Alexandre Desplat.Fotografía: Robert Elswit. Montaje: Tim Squyres. Diseño de producción: Dan Weil. Vestuario: Louise Frogley.

Una deuda tenía pendiente con Javi Sanz, compañero de fatigas en la U.A.M, con esta película, y es hora de pagarla, una película muy de acorde con el sentimiento anti-globalizador que se extiende por estos tiempos, ¿que mala cosa la globalización, verdad? ¡El dinero en manos de unos pocos y los recursos secuestrados por esos pocos! ¡Libre circulación de dinero, pero no de personas! El cinismo del siglo XXI.

Una lucha mundial por el control del petróleo de las grandes empresas, capaces de dirigir la política de los estados para conseguir sus fines, la gran trama la manejan inspectores del gobierno, agencias de espionaje, jeques árabes, ejecutivos hasta los mozos que trabajan en las instalaciones petrolíferas.

Es una película que recuerda a la extraña Babel, casi mejor al contrario, pués ésta fue anterior, empezamos intrigados con una venta de armas y continuamos con el cierre de un negocio macro-económico para acabar nadando en un mundo tan aparentemente irreal que nos aterra por su pasmosa realidad, dónde los que manejan los hilos de la gran marioneta que es la humanidad se mueven con una ausencia de escrúpulos a la hora de tomar decisiones que nos acaban afectando a todos.

El montaje se hace extraño al principio pero según vamos viendo la luz gana enteros, aunque puede llegar a causar apatía en el espectador, unido a la presencia de Matt Damon, actor con el que no tengo afinidad alguna, más bien ojeriza, por su falta de naturalidad y por esas expresiones tan forzadas como ridículas.

El argumento es demoledor, si bien un guión es confuso e irregular pero la presencia de Clooney es arrolladora en un papel que debería tener más presencia en el film. Recomendada para aquellas mentes inquietas, pués a pesar de algunas carencias fílmicas, la pantalla se llena de Damon y eso desluce el resultado final, el mensaje nos llega.

Valoración de Twister: 6.5
Valoración de Filmaffinity: 6.4

Romper Stomper

Título original: Romper Stomper. Año: 1992. Duración: 94 min. País: Australia. Director: Geoffrey Wright. Guión: Geoffrey Wright. Música: John Clifford White. Fotografía: Ron Hagen.Reparto: Russell Crowe, Daniel Pollock, Jacqueline McKenzie, Alex Scott, Leigh Russell, Daniel Wyllie, James McKenna, Eric Mueck. Productora: The Australian Film Commission / Film Victoria / Seon Film Productions.

No tenía la más mínima intención de ver esta película, pero al informarme un poco sobre ella ofrecía una temática skinhead muy del gusto de mi amigo Mikel, entonces me dije, ¡ánimo!, la ves y se la dedicas, pero ahora ya no lo tengo tan claro, la temática skin es sólo una excusa, en este caso, para contar las peripecias de una banda de delincuentes, no la base de la película, aún asi dedicaré esta crítica a Mikel, a pesar de no ser muy buena.

Hando (Russel Crowe) es el lider de una banda de skinhead de Melbourne y tiene una batalla personal contra las personas de origen asiático del centro de la ciudad, cuasantes, según él, de la impureza racial de Australia. Con lo que no contaba Hando es con la resistencia de los asiáticos a ser apaleados.

El comienzo de la película nos augura diversión sin límites que luego se queda en una burda imitación del cine americano de "un poco de todo" con resultado de producto de estercolero por las tramas laterales que no llevan a ninguna parte y por puntos oscuros en el desarrollo que siembran confusión en el espectador, ávido de carnaza.

El motor de la película es el racismo de un grupo de juventudes nazis (que no skinheads) y su amor por la violencia, pero la gasolina de ese motor es un guión simplón que roza el patetismo, salvándose una excelente banda sonora que nos deja algunas escenas realmente buenas (una persecución por los callejones de Melbourne es lo mejor de la película bajo una música bastante aplastante, aquí el enlace al disco).

La película, a parte de por la banda sonora, se salva por una impresionante actuación de Russel Crowe, de los mejores papeles que le he visto hacer, pero por lo demás no llega nada más que a un aprobado ramplón, pués está saturada de escenas que no riman con una trama tan violenta. No entiendo la manía de los directores de hacer humanos a sus personajes, en el cine se puede hacer cualquier cosa y puede gustar, encasillándose en los estándares se consigue la apatía de un público cada vez más descontento entre la baja calidad de los sub-productos, la parafernalia y los abusivos precios.

Llega a entretener por su violencia, por Crowe y por la música, pero eso no hace que sea una buena película, más bien mala y rancia, veánla por su excelente música, por su temática, pero no esperen que les guste más allá del entretenimiento que proporciona.

Valoración de Twister: 5.0
Valoración de Filmaffinity: 5.8

Una historia del Bronx

Título original: A Bronx Tale. Año: 1993. Duración: 122 min. País: Estados Unidos. Director: Robert De Niro. Guión: Chazz Palminteri. Música: Butch Barbella. Fotografía: Reynaldo Villalobos. Reparto: Robert De Niro, Chazz Palminteri, Lillo Brancato, Joe Pesci, Francis Capra, Taral Hicks, Katherine Narducci. Productora: Savoy.

Con la película de Optimistas ya metida en el lector de cd's vi por el rabillo del ojo este título, Una Historia del Bronx, y la luz se hizo, raudo fui a cogerla, la puse y a disfrutar de esta mezcolanza de cine negro, cine social y mafia. Se que hice promesas de ver algunas películas espero cumplirlas en breve, pero ya tuve una racha de cine social o moral y ahora tengo que desengrasarme, volveré a la carga, quizás tras este fin de semana en la selva segoviana.

Calogero vive en el Bronx, un barrio con una fuerte identidad, de vecinos tiene a unos mafiosos cuyo jefe, Sonny, se convierte en un ídolo para el joven italiano. Un tiroteo del que el pequeño es testigo convierte a "C" en el protegido de Sonny, relación que el padre del joven desaprueba enérgicamente. Esta película narra el desarollo de la vida del pequeño Calogero desde la infancia hasta la madurez.

Siempre hay que echar mano a los clásicos y esta cinta se ha convertido en uno de ellos por su pluralidad de historias, desde el racismo, hasta el amor y la dificultad de educar a un hijo en unos valores que para ti son sagrados. Básicamente la raiz de la historia son los coqueteos del joven con la mafia, aunque cobra muchísima fuerza la historia del racismo, elegir entre el amor o las amistades.

El papel de Robert De Niro es más un papel chiquito que una soberbia actuación, está para unir historias, para descentralizar la atención del espectador y enfocarla en otra rama argumental. El guión tiene una fuerza arrolladora, a pesar de momentos algo pasteles, a mi modo de ver, en los que abunda una moralidad que se me hace empalagosa.

Destaca una música muy unida al guión, al barrio, a la época y saberla mimetizar con las imágenes y que animen a seguir escuchando, viendo, disfrutando es loable. Un par de escenas de esta película son míticas, la historia de la prueba de la puerta y cuando entran los moteros en el bar de los italianos, estas escenas con esa música de fondo te hacen gritar: ¡qué grande es el cine!

Soy poco partidario de la voz en off, un recurso barato de lo que no se sabe contar con imágenes, pero en este caso es casi necesaria, un nexo entre los sentimientos del niño y la realidad del barrio. Esa voz en off nos introduce en la historia, nos engaña y atrapa hasta que ya formamos parte de ella.

Ni que decir tiene que es un título imprescindible en toda colección, en toda estanteria y casi obligatoria para ver, con un argumento directísimo, unos personajes simpáticos y .... y .... Buenísima.

Valoración de Twister: 8.4
Valoración de Filmaffinity: 7.7

La semilla del diablo

Título Original: Rosemary's Baby. Año: 1968. Duración: 136 min. País: Estados Unidos. Director: Roman Polanski. Guión: Roman Polanski (Novela: Ira Levin). Música: Christopher Komeda (AKA Krysztof T. Komeda). Fotografía: William A. Fraker. Reparto: Mia Farrow, John Cassavetes, Ruth Gordon, Ralph Bellamy, Sydney Blackmer, Maurice Evans, Angela Dorian, Patsy Kelly, Elisha Cook. Productora: Paramount Pictures.

La semana pasada fue complicada, tuve una ardua lucha contra un troyano (Win32:Small-JMK) que me plantó cara durante tres o cuatro días, hasta que al final di con la manera de eliminarlo, no otra que toquetear el registro del windows, algún día tendré que pasarme a Linux. El sábado tras una ardua sesión de spa y un vermuth más largo que una maratón, líquido no perdimos, segurísimo, decidimos sobrellevar la resaca con noche de cine, una de suspense, tocó La semilla del diablo, que empieza rara rara, pero te atrapa, te absorbe y la final resulta ser una maravilla, excepto el título, menos drogas necesitan algunos ¿a quien se le ocurre traducir una película con un título que es el máximo exponente del spoiler?

Guy y Rosemary se mudan a un enorme edificio de apartamentos a empezar una nueva etapa de su vida, un edificio con un trágico pasado de accidentes mortales. Pronto descubriran a sus nuevos vecinos, los señores Castevet, y serán conscientes de lo meticones que son cuando ya los tengan manejando los hilos de sus vidas.

Un claro ejemplo de como hacer cine de terror sin excesivas parafernalias, manejando a los actores con mano férrea para conseguir que ellos sólos creen una atmósfera agobiante e intrigante, esa intriga es el punto fuerte de esta película, y el retrato de la obsesión, o locura, de la joven Rosemary.

La maestría de Polanski marca toda la película, la cámara incómoda muchas veces, cercana cuando tiene que serlo, mimando más a unos personajes que a otros, la vieja Minnie copa la pantalla con su rostro, genial. El cambio de los colores, de la decoración, la música... es díficil centrar la crítica en un punto en una película tan completa, pero podríamos valorar por encima de todo la empatía que crean los personajes con el espectador y al edificio Dakota, que como bien dice Patón, parece un personaje más de la película, gracias Patón por ese detalle.

Yo he debido de ver la película con un par de escenas nuevas, una en la que aparece un extraño sueño que por supuesto no deberían haberla incluido en el montaje, destroza la trama y deja abierta una ventana para que el espectador resuelva el misterio antes de tiempo.

Os animo a verla, es una gran obra de arte de obligado visionado, puede o no gustar pero la calidad de la cinta es indiscutible. Se me dijo por estos lares que me animara a valorar las películas, voy a empezar con ésta, un experimento que espero nos guste a todos, pondré mi valoración y la de la página Filmaffinity, un excelente portal de cine dónde los usuarios son los críticos, por eso me gusta, nada de profesionalismos:

Valoración de Twister: 7.0

Valoración de Filmaffinity: 7.8

El último tren a Auschwitz

Dirección: Joseph Vilsmaier y Dana Vávrová. Países: Alemania y República Checa. Año: 2006. Duración: 122 min. Género: Drama. Interpretación: Gedeon Burkhard (Henry Neumann), Lale Yavas (Lea Neumann), Lena Beyerling (Nina Neumann), Juraj Kukura (Dr. Friedlich), Sibel Kekilli (Ruth Zilberman), Roman Roth (Albert Rosen), Brigitte Grothum (Gabrielle Hellmann), Hans Jürgen Silbermann (Jakob Noschik), Ludwig Blochberger (Crewes). Guión: Stephan Glantz; basado en un argumento de Art Bernd. Producción: Artur Brauner. Música: Chris Heyne. Fotografía: Joseph Vilsmaier. Montaje: Uli Schön. Dirección artística: Jaromir Švarc. Vestuario: Jarmila Konečná.

Desde que me leí la biografía de Hitler (1889-1936) de Ian Kershaw me aficioné a las películas de temática nazi o ambientadas en la segunda guerra mundial, Enemigo a las puertas, La vida es bella, Stalingrado, Amen, Mediterráneo, El ogro, El libro negro, El hundimiento, La gran evasión... son algunas de ellas, quedándome por ver urgentemente La zona gris y El tren de la vida. Por eso me he lanzado a ver esta película, también ha ayudado que Juanjo me dijera que estaba muy bien, con ánimo de saciar mi curiosidad, pero me he encontrado con una cinta diferente, algo excesiva y pesada, dónde se agradece que hayan intentado innovar.

En el año 1943 los nazis quieren limpiar Berlín de judíos. Un tren sale de la estación de Grunewald con 688 judíos hacia Auschwitz, seis días tarda el tren de la muerte en llegar hacía el campo de exterminio. Esta es la historia de los "habitantes" de uno de los vagones durante esos seis fatídicos días.

El empiece de la película se hace flojo por el desinterés de los actores y por la superficialidad con la que nos introducen en la historia. A media cinta ya estamos enganchados totalmente por un argumento voraz que intriga, a pesar de las dosis exageradas de dramatismo forzado (la historia lo requiere así), digo forzado porque los actores no congenian con el espectador, y ha de ser la caracterización, el maquillaje y el "ambiente" los que transmitan el dolor y el drama de esta pobre gente.

La búsqueda del acercamiento de los personajes al espectador lo intentan con ridículos flash back, un montaje débil que podrían haber introducido al inicio, pués resta fuerza a la narrativa. Sin embargo el cambio en el ánimo de los personajes, tanto física como mentalmente, a lo largo de esos seis fatídicos días lo bordan, de lo mejor de la película.

Pasadas las dos horas de la película, ya en los créditos, no se nos escapa ni una lágrima, del estupor, de la vergüenza y de la ira que se nos han quedado tatuados (una par de miradas de la niña de los Neumann y de la hija del Doctor todavía no he conseguido quitármelas de la cabeza), lo que significa un buen trabajo de la dirección, el mensaje ha llegado.

La demencia humana con sus salvajes consecuencias está reflejada en la triste Historia. Todas las buenas obras de un pueblo se pierden por la locura de un maldito hombre, el odio es una enfermedad más contagiosa que la tolerancia y la convivencia. Tristeza.

John Rambo

Dirección: Sylvester Stallone. Países: USA y Alemania. Año: 2008. Duración: 92 min. Género: Acción, drama. Interpretación: Sylvester Stallone (John Rambo), Julie Benz (Sarah Miller), Paul Schulze (Dr. Michael Burnett), Matthew Marsden (School Boy), Graham McTavish (Lewis), Rey Gallegos (Diaz), Jake La Botz (Reese), Tim Kang (En-Joo), Maung Maung Khim (Tint), Ken Howard (Arthur Marsh).Guión: Sylvester Stallone; sobre el personaje creado por David Morrell.Producción: Avi Lerner, John Thompson y Kevin King Templeton. Música: Brian Tyler. Fotografía: Glen MacPherson. Montaje: Sean Albertson. Diseño de producción: Franco-Giacomo Carbone. Vestuario: Lizz Wolf.

Volver a enfrentarse al todopoderoso Rambo en la gran pantalla embriaga al espectador de una terrorífica emoción, incluso con un Stallone cascado, cascadísimo y feo como siempre, pero el papel de John Rambo es el suyo, su obra maestra, para mi por encima de Rocky, y con esta película vuelve a demostrar que es mal actor, que no sabe dirigir, y que esas cualidades son nimiedades cuando se interpreta al gran cajuna de los soldados, al carismático Rambo.

La vida combativa de John parece que ha llegado a su fin, ahora vive en la jungla al norte de Tailandia, su sustento son la pesca y la caza de serpientes. Esa tranquilidad se rompe cuando un grupo de misioneros le pide ayuda para llegar a Birmania, pais asolado por la guerra, a nuestro amigo Rambo no le queda otra salida que volver a combatir.

En el momento en que sale el logo de la productora ya estamos ansiosos por ver a Rambo emerger de algún barrizal cuchillo entre los dientes, nos sobra la introducción de los personajes, la tonta mujer, muy ñoña ella, que intenta moralizar el vacío de la vida de Rambo... ¡queremos carnaza! Decían en las críticas de los expertos que le sobraba violencia a la cinta, no sé que ideas tendrán estos criticuchos sobre lo que es una guerra, yo tampoco, pero puedo imaginarme que si te disparan sangras y que de las armas salen balas y no rosas.

Es violenta y mucho, y muy entretenida, yo he disfrutado como un chiquillo con su juguete nuevo, aunque le falten las pilas y tenga que imaginarme su funcionamiento, en este caso el guión, que de malo apesta, pero no buscamos una película exquisita, buscamos la vuelta de Rambo, un sesentón al que no se le ha olvidado mandar a los malísimos al hoyo.

Los 90 minutos se hacen escasos ante la vorágine de acción, tanto por parte del sanguinario ejército birmano como por las dotes de nuestro protagonista; algunas de las escenas bien podían competir con el violento desembarco de Normandía de Salvar al Soldado Ryan. Que bueno este regreso de Stallone, viejito, eso si.

Voces inocentes

Dirección: Luis Mandoki. País: México. Año: 2004. Duración: 106 min. Género: Drama. Interpretación: Carlos Padilla (Chava), Leonor Varela (Kella), Gustavo Muñoz (Ancha), José María Yazpik (tío Beto), Ofelia Medina (Mamá Toya), Daniel Giménez Cacho (cura), Jesús Ochoa (chofer). Guión: Oscar Torres y Luis Mandoki. Producción: Luis Mandoki, Alejandro Soberón Kuri y Lawrence Bender. Música: André Abujamra. Fotografía: Juan Ruiz-Anchia. Montaje: Aleshka Ferrero. Diseño de producción: Antonio Muñohierro.

La guerra es una gran vergüenza que no beneficia a nadie salvo a los que viven de las miserias de los demás. Creía que iba a ver una película más, un drama pasteloso indagando en lo simple, y puede que el principio todo indicara que iba a ser así, pero con el correr de los minutos la angustía y la ansiedad me emborracharon para acabar lloriqueando como un mocoso en los tramos finales en esta versión de la guerra más infantil que madura a través de los ojitos de chavita, un salvadoreño de once años.

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Qué triste se oye la lluvia en los techos de cartón
qué triste vive mi gente en las casas de cartón
Viene bajando el obrero casi arrastrando sus pasos
por el peso del sufrir,
mira que mucho ha sufrido
, mira que pesa el sufrir
Arriba deja la mujer preñada
abajo está la ciudad
y se pierde en su maraña
hoy es lo mismo que ayer,
es un mundo sin mañana
Qué triste se oye la lluvia en los techos de cartón
qué triste vive mi gente en las casas de cartón
Niños color de mi tierra,
con sus mismas cicatrices
millonarios de lombrices,
y por eso
qué triste viven los niños en las casas de cartón
qué alegres viven los perros en casa del explotador
Usted no lo va a creer pero hay escuelas de perros
y les dan educación pa' que no muerdan los diarios
pero el patrón hace años, muchos años
que está mordiendo al obrero
Qué triste se oye la lluvia en los techos de cartón
qué lejos pasa la esperanza en las casas de cartón
(Casas de Carton, Cancion prohibida que cantaban los revolucionarios)

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Chava es un crio de once años que vive en un pueblo que es el límite entre los terrenos controlados por el ejército y el FMLN, su vida se complica cuando su padre les abandona y el asume el papel del hombre de la casa, la inocencia de su yo niño se pierde día a día con la terrible verdad de la guerra, de la cual nadie está a salvo, un año le queda para ser niño o convertirse en otro instrumento al servicio militar, obligatorio a partir de los 12 años en un pais devastado por la guerra...

No recordaba yo una película que me llegara tanto al corazón, suena muy sensibloide pero es asi, de adolescente era yo muy revolucionario, y es que Carlos Padilla (chavita) traspasa que hay entre la ficción y la realidad en una interpretación que abraza al espectador y le lleva de la manita al Salvador, gritando, ¿no lo ves? ¿por qué nos quieren matar si nosotros no hemos hecho nada?

Puede pecar de un exceso de dramatismo, una recreación forzada para buscar la compasión, sobre todo en una parte final algo peliculera, menos realista quizás, pero esa saturación es la que hace buena a esta película, los niños son mucho más viscerales que los adultos, yo he tenido una impresión de mayor realidad precisamente por esta versión de la guerra escrita por un infante asustado, que es obligado a crecer para sobrevivir.

A aquellos que levanten la voz ante las injusticias les llegará más el supuesto mensaje de esta película, donde de la neutralidad de un pueblo se acaba entrando poquito a poquito en la revolución...

Me quedo con los niños, que actuaciones, y recuerdo, una y otra vez, algunas imágenes dignas del mejor director del famoseo de Hollywood, que fuerza, que genialidad de película. ¡Qué fotografía! No sigo, no sigo, veánla, y me cuentan, pero es imprescindible.

"Los que se van sufren más que los que se quedan, los que se quedan sólo pueden luchar"

Negocios ocultos

Dirección: Stephen Frears. País: Reino Unido. Año: 2002. Duración: 97 min. Género: Drama, thriller. Interpretación: Audrey Tautou (Senay), Chiwetel Ejiofor (Okwe), Sergi López (Sneaky), Sophie Okonedo (Juliette), Benedict Wong (Guo Yi), Zlatko Buric (Iván), Sotigui Kouyaté (Shinti), Abi Gouhad (Hijo de Shinti), Jean-Philippe Écoffey (Jean Luc), Jeffrey Kissoon (Controlador del taxi). Guión: Steven Knight. Producción: Tracey Seaward y Robert Jones. Música: Nathan Larson. Fotografía: Chris Menges. Montaje: Mick Audsley. Diseño de producción: Hugo Luczyc-Wyhowski. Dirección artística: Rebecca Holmes. Vestuario: Odile Dicks-Mireaux.

Esta vez tenía las ideas claras, quería ver esta película porque se habla muy bien de ella y, creanme, con razón. La inmigración no es cosa de broma y tiene más de ganas de vivir dignamente que de delincuencia, a pesar de los discursos de algunos sectores. En este caso es una historia ficticia pero, ¿por qué no puede ser real?

Okwe, un nigeriano ahogado por la inmensidad de Londres, trabaja de día de taxista y de noche de conserje de un Hotel de reputación ambigua, vive en un pequeño cuarto compartido con Senay, inmigrante turca. La monotonía de la vida de Okwe se rompe con el descubrimiento de algo asombroso en una de las habitaciones del hotel, sus consecuencias amenazarán a ambos personajes.

Es la dura narrativa lo que me ha impresionado, la cercanía de los personajes y por supuesto, la solvencia de Audrey Tautou como actriz, todo ello unido a una cámara cálida y cercana convierten a esta película en una obra estupenda para ver, pensar, debatir e inquietarse. No han buscado conmover al espectador con tópicos baratos, más bien uno se conmueve por la fuerza de la historia y por unos actores que nos regalan unas increibles actuaciones.

Los personajes los vamos conociendo según avanza la historia por lo que nos vamos a ahorrar las tediosas introducciones del cine moderno que dan masticada la historia al espectador, en este caso tenemos que estar atentos, sin perder detalle, pues los temas que tratan son complicados y variados, inmigración ilegal, falsificación de documentos, acoso laboral, indefensión del "sin papeles", desesperación por vivir...

Tras los créditos se nos queda un regusto amargo en el gaznate al recordar la hostilidad de las sociedades modernas hacía el colectivo foráneo que sólo buscan un sueño y se dan de bruces con una realidad opresiva que conlleva a una soledad insoportable, al final su mochila de viaje es aquel que está en su misma situación.

"...olvida ya de una vez ese estúpido sueño, lo nuestro se llama supervivencia..."

Crónicas

Dirección y guión: Sebastián Cordero. Países: México y Ecuador. Año: 2004. Duración: 108 min. Género: Thriller. Interpretación: John Leguizamo (Manolo Bonilla), Damián Alcázar (Vinicio Cepeda), Leonor Watling (Marisa), José María Yazpik (Iván), Gloria Leyton (Esperanza), Camilo Luzuriaga (detective Bolívar Rojas). Producción: Alfonso Cuarón, Jorge Vergara, Guillermo del Toro, Bertha Navarro e Isabel Dávalos.Música: Antonio Pinto. Fotografía: Enrique Chediak. Montaje: Luis Carballar e Iván Mora. Diseño de producción: Eugenio Caballero. Vestuario: Mónica Ruiz Ziegler.

Ayer me atacó la indecisión, no me vaía capaz de elegir película alguna, estuve tentado entre el Niño de Barro, Crónicas, THX 1138, Time, End Game, Haven... miraba críticas, sinópsis, pero la desidia y el cansancio me tenían embotado, así que me obligué a decirme usando el infalible método del orden de lista, la primera y punto... ¡Et voilà! Acerté y me sorprendí de que esta película, Crónicas, me resultara totalmente desconocida... cuestión del azar en esta ocasión.

La ciudad de Babahoyo, Perú, está conmocionada por los asesinatos de el monstruo, un perturbado criminal que se dedica a matar a niños. Un grupo de periodistas encabezados por Manolo Bonilla (John Leguizamo) llegan para cubrir la noticia del entierro de tres de los niños a tiempo para asistir a un linchamiento popular, Manolo salva la vida del pobre que iba a ser ajusticiado. Ese hombre le propone a Manolo el reportaje de su vida, información del monstruo, a cambio de un reportaje que limpie su mancillado nombre.

Me he liado con la sinopsis, lo reconozco, pero no quería introducir un peligroso spoiler. Sorprende agradablemente la soberbia fotografía que adorna toda esta película, desde el primer frame. Un instante le vale al director para introducir la tensión, para emborracharnos con la trama. La arrolladora fuerza visual y el realismo de las actuaciones, tanto principales como secundarias y "de bulto" hacen que nos transportemos a las calles de esta ciudad y paseemos con sus gentes, que nos metamos en la piel de los reporteros que investigan el caso. Un realismo demoledor, inusual en el cine de hoy en día, ni tan siquiera en el periodismo actual tan drogado de sensacionalismo y politiqueo.

Damian Alcázar tiene a bien brindarnos una actuación espectacular, detallista, llegando a provocarnos la sensación de que nos está hablando al oido. El discurrir gira en torno a un reportaje periodístico, no policial, y esa diferencia hace que el thriller tenga un cariz más cercano al espectador.

De esas películas que te dejan imágenes tatuadas en la retina, que te provoca un aluvión de sentimientos y que dejan algunas preguntas en el aire. ¿Qué somos capaces de hacer por ambición? ¿Justicia o egoísmo?

"...él siente que tiene el poder, el control de todo..."

Fresh

Título original: Fresh. Año: 1994. Duración: 110 min. País: Estados Unidos. Director: Boaz Yakin. Guión: Boaz Yakin. Música: Stewart Copeland. Fotografía: Adam Holender. Reparto: Sean Nelson, Giancarlo Esposito, Samuel L. Jackson, Ron Brice, José Zúñiga, Luis Lantigua, N'Bushe Wright. Productora: Miramax.

En este mini ciclo de cine social que estoy haciendo me faltaba el mundo de la droga, el submundo tan castigado por la filmografía americana. Se hablaba bien de esta película de cine independiente y me he animado a verla en estos días inciertos donde un maldito virus está castigando mi ya sufrido esqueleto, asi que arropadito y con altas dosis de concentración me obligué a vencer el sueño para ver esta buena película.

Fresh es el correo de la droga de los camellos locales de Brooklyn, a sus doce años ya demuestra una inteligencia fuera de lo normal lo que le hace ganarse la confianza de los maleantes. La difícil situación familiar le hace jugar una especial partida de ajedrez con su vida, una partida demasiado compleja para un niño.

La frialdad de toda la película es exasperante, la vida de Fresh es precisamente eso, fría y eso para un niño es sumamente duro, el quiere mantener el control de su vida pero esa tarea es complicada en el mundo de la droga.

El breve papel de Samuel L. Jackson, modelando la mente de Fresh con sutileza es determinante en el desarrollo de la trama pero prescindible en el enfoque general, se agradece contar con él, pero se intuye que se ha hecho para contar con una base sobre la que iniciar el marketing. Contar con un actor de primera línea no hace que el resto de actores estén a la altura, en este caso algunas de las actuaciones se ven muy forzadas. No debemos olvidar que es una ópera prima y se notan algunas carencias y aún asi el resultado final es bastante bueno.

La fuerza inicial de la película, presentación de los personajes, algunos diálogos conseguidos, se pierde en cuanto el director, Boaz Yakin, se ahoga en la vida personal de los personajes, forzándo al espectador a participar de sus intimidades, eso diluye la atención en la trama que nos mantenía ensimismados, la utilización de un niño para los trapicheos. La resolución del argumento es demasiado infantil, demasiado fácil, demasiado irreal, pero el niñito Fresh (Sean Nelson) nos mantiene enganchados, tensos, expectantes...

Consigue su objetivo, que no es otro que entretener, pero abusa de los tópicos y de un vocabulario algo forzado que hace que un guión flojo se convierta en flojillo. Numerosos fallos estoy sacando a una ópera prima excelente que me he tragado sin respirar.

Disparando a perros

Dirección: Michael Caton-Jones. Países: Reino Unido y Alemania. Año: 2005. Duración: 115 min. Género: Drama. Interpretación: John Hurt (padre Christopher), Hugh Dancy (Joe Connor), Dominique Horwitz (capitán Charles Delon), Clare-Hope Ashitey (Marie), Nicola Walker (Rachel), Louis Mahoney (Sibomana), David Gyasi (François), Jack Pierce (Mark), Steve Toussaint (Roland), Victor Power (Julius). Guión: David Wolstencroft; basado en un argumento de Richard Alwyn y David Belton. Producción: David Belton, Pippa Cross y Jens Meurer. Música: Dario Marianelli. Fotografía: Ivan Strasburg. Montaje: Christian Lonk.Diseño de producción: Bertram Strauss. Vestuario: Dinah Collin.

Hutus y Tutsis protagonizan esta terrible historia, yo he tenido un mal dormir por ello, me ha recordado el cinismo del mundo occidental, en Irak, Bosnia y Kosovo intervienen por cercanía o motivos económicos, pero en Rwanda abandonan el pais a su suerte, más que el pais abandonan a su gente, una sociedad que ha sido condicionada mental y políticamente por las antiguas colonizaciones salvajes de los blancos europeos. Este párrafo extraido de la wikipedia lo dice todo:

"El genocidio fue financiado, por lo menos en parte, con el dinero sacado de programas de ayuda internacionales, tales como la financiación proporcionada por el Banco Mundial y el Fondo Monetario Internacional bajo un Programa de Ajuste Estructural. Se estima que se gastaron 134 millones de dólares en la preparación del genocidio -- ya de por sí una de las naciones más pobres de la Tierra -- con unos 4,6 millones de dólares gastados sólo en machetes, azadas, hachas, cuchillos y martillos . Se estima que tal gasto permitió que uno de cada tres varones hutus tuviera un machete nuevo"

En 1994 la ONU ordena la retirada de tropas de la escuela técina de Kigali y eso origina la masacre de 2500 Tutsi a manos de la mayoría Hutu, esta es el relato de aquella matanza.

Contar con John Hurt para esta historia es un regalo impagable, le da fuerza al relato, a pesar de interpretar a un misionero católico, con los prejuicios que eso me genera. El guión gira en torno a esta terrible realidad sólo adornado con algún intento forzado para lograr todavía más dramatismo, pero podemos decir que es extremadamente fiel a la realidad, incluso en el afán del padre católico de capear el temporal a base de rezos.

Sigo conmocionado por esta película, la ambientación, la música, la cámara... Todo milimetrado para conseguir el efecto deseado, un sentimiento de impotencia y horror. Es cierto que pierde credibilidad en algunos compases, ganándola con crudas imágenes casi más periodísticas que cineastiles.

Terrible crítica de un genocidio rodada con corrección, sin genialidad, pero no siempre en el cine buscamos obras maestras, también buscamos denuncias, realidades palpables. Poco importa si los Tutsi golpearon primero, o fueron los Hutus, o fueron los belgas, lo que importa es que pasó y los grandes ejércitos, esos que han secuestrado la defensa de la paz mundial, ni siquieran miraron para otro lado, miraban, veían, comprendían y esperaban, ¿por qué?

No busquemos una joya del cine, busquemos aprender, saber la verdad, esto ocurrió, y en esta cinta se encargan de contarlo bien, quizás adornado con un discurso católico aberrante. Después de verla uno siente que esta película es de visionado obligatorio a pesar de algunas evidentes carencias, sigo horrorizado.

"En Bosnia veía a las mujeres muertas en la calle y lloraba, cualquiera podría ser mi madre, pero aqui, aqui sólo son africanos muertos"

Tsotsi

Dirección: Gavin Hood. Países: Reino Unido y Sudáfrica. Año: 2005. Duración: 94 min. Género: Drama. Interpretación: Presley Chweneyagae (Tsotsi), Terry Pheto (Miriam), Kenneth Nkosi (Aap), Mothusi Magano (Boston), Zenzo Ngqobe (Butcher), Zola (Fela Ndlovu), Rapulana Seiphemo (John), Nambitha Mpumlwana (Pumla), Jerry Mofokeng (Morris), Ian Roberts (Capitán Smit), Percy Matsemela (Zuma).Guión: Gavin Hood; basado en la novela "Tsotsi" de Athol Fugard. Producción: Peter Fudakowski. Música: Mark Killian y Paul Hepker. Fotografía: Lance Gewer. Montaje: Megan Gill. Diseño de producción: Emelia Weavind. Dirección artística: Mark Walker. Vestuario: Nadia Kruger y Pierre Vienings.

Unos delirios febriles me han tenido este fin de semana atadito al sofá en las montañas segovianas con menos dosis de cerveza de las habituales y probando un chacharro nuevo que me han regalado en estas fiestas, un Dvd portátil, una maravilla, asi me puedo llevar el cine conmigo. Tenía muchas ganas de ver esta película tan renombrada y premiada, Totsi, y esa espinita ya me la he quitado, merece la pena verla por la temática social aunque carezca de maestría cineastil, fría, seca, huidiza, simplona, típica...

Tsotsi es un joven sin conciencia que vive en una de las barriadas que rodean Johannesburgo, lidera una pequeña pandilla de delincuentes de poca monta. En uno de sus golpes Tsotsi roba un BMW con un bebito dentro. Ese pequeño niño le enseñará una lección, la responsabilidad de tener a alguien a tu cargo...

Estamos ante la película ideal que resulta interesante y no pasa de regular, es la forma de hacer cine intentando impactar pero manteniendo las formas de lo políticamente correcto, algo que ni de lejos se acerca a la cruda realidad. Tsotsi tiene un pasado olvidable y nos lo presentan como un maleante con una conciencia dormida y, a pesar de la correcta actuación de Presley Chweneyagae, con un futuro predecible desde los primeros compases.

Me esperaba una cinta más crítica, más ahogada en los suburbios y no tan centrada en la persona del personaje principal quizás es mi lado detectivesco el que se ha sentido más defraudado por esta película. Se repite el mismo error de muchas producciones, un buen empiece nos inocula una gran tensión y expectación que se va esfumando con el correr del metraje y por la incansable búsqueda de algunos anticuados directores del lagrimeo y el impacto visual simplón, tocando la moral del espectador.

Un guión cargado de frases demoledoras que, adornado con alguna que otra buena imagen, posiblemente la llevó a ganarse el Oscar a la mejor película extranjera en 2006, a mi juicio, sin merecerlo por buscar lo fácil; premiar la falta de ideas nunca me ha parecido correcto y ese es otro mal endémico del cine comercial con sus guiones prefabricados que olvidan el arte y se insolan con los dineros de las taquillas a base de productos de menor calidad, y luego los cines vacíos...ah claro la piratería!

Saben llevar la historia correctamente e introducir pequeñas píldoras de marginalidad que llegan a conmover, más por el marco social de la cinta que por el buen hacer de los personajes. Esa descompensación social en unos metros, del rico al pobre, de la alegría al hambre hacen reflexionar y ahí es donde está el acierto del director, por lo demás no deja de ser un producto repetitivo y con un final para marujas de cinco de la tarde.

This is England

Dirección y guión: Shane Meadows. País: Reino Unido. Año: 2006. Duración: 98 min. Género: Drama. Interpretación: Thomas Turgoose (Shaun), Stephen Graham (Combo), Jo Hartley (Cynth), Joe Gilgun (Woody), Andrew Shim (Milky), Vicky McClure (Lol), Rosamund Hanson (Smell), Andrew Ellis (Gadget), Kieran Hardcastle (Kes), Jack O'Connell (Pukey Nicholls). Producción: Mark Herbert.Música: Ludovico Einaudi. Fotografía: Danny Cohen. Montaje: Chris Wyatt. Dirección artística: Mark Leese.Vestuario: Jo Thompson.

Esperaba enfrentarme a una película tipo I.D. o Hooligans de fascios futboleros, maleantes y farrulleros, pero esta película es distinta, es un drama alrededor de la experiencia de un niño con un grupo skin. Siempre que se habla de skin-heads tendemos a confundirlos con nazis o fascistas. Agradezco a Gonza que me sacara de esas erróneas conclusiones, los skin surgieron con la fusión de los rude boys jamaicanos con los mod ingleses, en esta sencilla película podemos ver la diferencia entre ambas definciones.

Shaun (Thomas Turgoose) a sus 12 años es un chico solitario, triste por la muerte de su padre en la guerra de las Malvinas. Un grupo skin le saca de la monótona vida que lleva, le acogen y le dan su amistad. El pequeño grupo de amigos se verá sacudido por la llegada de Combo (Stephen Graham), un skin racista, que cambiará la dinámica del grupo de amigos con consignas nacionalistas.

Esta película deja un sabor de boca amargo, una tristeza embriagadora, no por la historia, que las hay más duras y ya estamos inmunizados, más bien por la espantosa realidad de la misma, por las consignas políticas que arrastran a muchos jóvenes. No es una crítica al movimiento skin, es un llanto por el movimiento racista.

Los actores Thomas Turgoose y Stephen Graham realizan unas interpretaciones impresionantes y eso contribuye a aumentar la calidad de la obra, que ya se ha llevado unos cuantos premios de festivales independientes. Es Thomas el culpable de que nos perdamos en la pantalla, buceando en esta vibrante narrativa, sin desperdicio, que acompañada con una música correctísima hacen de esta película algo digno de ver.

La visión del movimiento skin que nos muestran es la de un movimiento inculto, soez y arrollador vista a través de los tristes ojos de Shaun, el niño-hombre perdido en el rídiculo mundo de los adultos.

El resultado final, bajo el marco de la Inglaterra de la Tacher, es una película difícil de digerir, áspera y que posiblemente no gustará a todos los públicos, pienso que está dirigida a la gente con inquietudes sociales, críticas y ávidas de conocimiento. Incluso siendo pesada me ha gustado, mi amigo Mikel me ha envenenado con su pasión por este tipo de cine y ya no hay cura posible, veanla y discutimos.

Promesas del este

Dirección: David Cronenberg. Países: Reino Unido, Canadá y USA. Año: 2007. Duración: 100 min. Género: Drama, thriller. Interpretación: Viggo Mortensen (Nikolai Luzhin), Naomi Watts (Anna Khitrova), Vincent Cassel (Kirill), Armin Mueller-Stahl (Semyon), Sinéad Cusack (Helen), Jerzy Skolimowski (Stepan). Guión: Steve Knight. Producción: Paul Webster y Robert Lantos. Música: Howard Shore. Fotografía: Peter Suschitzky. Montaje: Ronald Sanders. Diseño de producción: Carol Spier. Vestuario: Denise Cronenberg.

En algunos círculos dicen que es la mejor película del año, tengo mis dudas al respecto, demasiado corta para tan buena historia y tan meritorio montaje y guión. Podríamos situarla a las espaldas de La vida de los otros y Persépolis. Es buena, muy buena, y agradezco a Paton su recomendación. Una película de mafiosos, mi género favorito, contada con excesiva frialdad pero denunciando una situación demasiado real y con una monumental actuación de Viggo Mortensen.

Una joven pide ayuda, en el hospital consiguen salvar a su hijo pero no a ella. Anna la comadrona quiere buscar a la familia de la joven para evitar que el bebito entre en la red social de asistencia, esa búsqueda la conduce a Semyon, un restaurador encantador que le brinda todo su apoyo. Semyon es mucho más de lo que parece ser y Anna poco tardará en descubrirlo, mezclarse con la mafia rusa...

Dos minutos tardamos en ser absorbidos por una narrativa agresiva, dos minutos más bastan para dejarnos perplejos por un argumento huracanado, feroz. David Cronenberg busca engatusarnos con imágenes más que con un rebuscado guión, de ahí la genialidad de esta cinta. El guión, discreto, revolotea sobre la historia distraido para lanzarnos perlas envenenadas para atraernos más y más consiguiendo que no perdamos detalle alguno.

Hay historia para tres horitas de película, son tantas las cosas que quieren contarnos que se me hace corta y el resultado final queda algo descafeinado, ¿posible segunda entrega? Destacable por encima de todo Viggo Mortensen, increible caracterización del personaje y toda una lección de seriedad interpretativa.

Muestra la poco sutileza de la mafia, al más puro estilo Casino o Godfellas, ¿para que escondernos? La línea recta es el camino más corto entre dos puntos, eso lo deja claro el jefe Seymon, para mi uno de los lemas de la mafia y David Cronenberg así lo refleja. El único problema, por bucarlo, adrede, con alevosia, es que nos deja a medio cocer. Le falta un empujoncito para ser perfecta, le falta la brutalidad de El clan de los irlandeses, la inteligencia de Muerte entre las flores y el acabado de Godfellas, pero no lo olvidemos, es buena, muy buena, y hay que verla.